Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Jego imię od dawna stało się własnością historii: od śmierci artysty minęło około pięć dekad. W tym czasie powstało i zasiadło na scenach koncertowych świata wiele gwiazd, dorosło kilka pokoleń wybitnych pianistów, ukształtowały się nowe trendy w sztukach wykonawczych – te, które potocznie nazywa się „nowoczesnym stylem wykonawczym”. A tymczasem spuścizna Dinu Lipattiego, w przeciwieństwie do spuścizny wielu innych wielkich artystów pierwszej połowy naszego stulecia, nie została okryta „muzealnym polotem”, nie straciła swojego uroku, swojej świeżości: okazała się być poza modą, co więcej, nie tylko nadal ekscytuje słuchaczy, ale także wpływa na nowe pokolenia pianistów. Jego nagrania nie są powodem do dumy dla kolekcjonerów starych płyt – są wciąż wznawiane, wyprzedane w błyskawicznym tempie. Wszystko to dzieje się nie dlatego, że Lipatti mógłby nadal być wśród nas, być w kwiecie wieku, gdyby nie bezwzględna choroba. Powody są głębsze – w samej istocie jego ponadczasowej sztuki, w głębokiej prawdziwości uczucia, jakby oczyszczonego ze wszystkiego zewnętrznego, przemijającego, zwielokrotniającego siłę oddziaływania talentu muzyka iw tym czasie dystansu.

Niewielu artystom udało się w tak krótkim czasie, wyznaczonym im przez los, pozostawić tak żywy ślad w pamięci ludzi. Zwłaszcza jeśli przypomnimy sobie, że Lipatti bynajmniej nie był cudownym dzieckiem w ogólnie przyjętym tego słowa znaczeniu i stosunkowo późno rozpoczął szeroko zakrojoną działalność koncertową. Dorastał i rozwijał się w muzycznej atmosferze: jego babcia i matka były znakomitymi pianistami, ojciec zapalonym skrzypkiem (brał nawet lekcje u P. Sarasate i K. Flescha). Jednym słowem nic dziwnego, że przyszły muzyk, nie znając jeszcze alfabetu, swobodnie improwizował na fortepianie. W jego nieskomplikowanych kompozycjach dziecięca wesołość przedziwnie łączyła się z zaskakującą powagą; takie połączenie bezpośredniości uczucia i głębi myśli pozostało później, stając się charakterystyczną cechą dojrzałego artysty.

Pierwszym nauczycielem ośmioletniego Lipattiego był kompozytor M. Zhora. Odkrywszy u ucznia wybitne zdolności pianistyczne, w 1928 roku przekazał go słynnej nauczycielce Florice Muzychesk. W tych samych latach miał jeszcze jednego mentora i mecenasa – George’a Enescu, który został „ojcem chrzestnym” młodego muzyka, który uważnie śledził jego rozwój i pomagał mu. W wieku 15 lat Lipatti ukończył z wyróżnieniem konserwatorium w Bukareszcie i wkrótce zdobył nagrodę Enescu za swoje pierwsze duże dzieło, obrazy symfoniczne „Chetrari”. W tym samym czasie muzyk zdecydował się wziąć udział w Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym w Wiedniu, jednym z najbardziej „masowych” pod względem liczby uczestników w historii konkursów: do stolicy Austrii przyjechało wtedy około 250 artystów. Lipatti był drugi (po B. Kohnie), ale wielu członków jury nazwało go prawdziwym zwycięzcą. A. Cortot opuścił nawet ławę przysięgłych w proteście; w każdym razie natychmiast zaprosił rumuńską młodzież do Paryża.

Lipatti mieszkał w stolicy Francji przez pięć lat. Doskonalił się u A. Cortota i I. Lefebura, uczęszczał do klasy Nadii Boulanger, pobierał lekcje dyrygentury u C. Munscha, kompozycji u I. Strawińskiego i P. Duke'a. Boulanger, który wychował dziesiątki wielkich kompozytorów, tak powiedział o Lipattim: „Prawdziwym muzykiem w pełnym tego słowa znaczeniu można uznać tego, który całkowicie poświęca się muzyce, zapominając o sobie. Śmiało mogę powiedzieć, że Lipatti jest jednym z takich artystów. I to jest najlepsze wyjaśnienie mojej wiary w niego”. To właśnie z Boulangerem Lipatti dokonał swojego pierwszego nagrania w 1937 roku: Tańce na cztery ręce Brahmsa.

W tym samym czasie rozpoczęła się działalność koncertowa artysty. Już pierwsze jego występy w Berlinie i miastach Włoch przyciągały uwagę wszystkich. Po jego paryskim debiucie krytycy porównali go do Horowitza i jednogłośnie wróżyli mu świetlaną przyszłość. Lipatti odwiedził Szwecję, Finlandię, Austrię, Szwajcarię i wszędzie odnosił sukcesy. Z każdym koncertem jego talent otwierał się na nowe oblicza. Sprzyjała temu jego samokrytycyzm, metoda twórcza: przed przeniesieniem interpretacji na scenę osiągnął nie tylko perfekcyjne opanowanie tekstu, ale także całkowite zespolenie z muzyką, co zaowocowało najgłębszym wniknięciem w twórczość autora. zamiar.

Charakterystyczne jest, że dopiero w ostatnich latach zaczął sięgać do dziedzictwa Beethovena, a wcześniej uważał, że nie jest na to gotowy. Pewnego dnia zauważył, że przygotowanie V Koncertu Beethovena czy I Czajkowskiego zajęło mu cztery lata. Oczywiście nie mówi to o jego ograniczonych możliwościach, a jedynie o jego ekstremalnych wymaganiach wobec siebie. Ale każdy jego występ jest odkryciem czegoś nowego. Zachowując skrupulatną wierność autorskiemu tekstowi, pianista zawsze rozpoczyna interpretację „kolorami” swojej indywidualności.

Jednym z tych przejawów jego indywidualności była niezwykła naturalność frazowania: zewnętrzna prostota, klarowność pojęć. Jednocześnie dla każdego kompozytora znalazł specjalne kolory fortepianu, które odpowiadały jego własnemu światopoglądowi. Jego Bach brzmiał jak protest przeciwko chudej „muzealnej” reprodukcji wielkiego klasyka. „Kto śmie myśleć o cembalo, słuchając Pierwszej Partity w wykonaniu Lipattiego, przepełnionej taką nerwową siłą, takim melodyjnym legato i takim arystokratycznym wdziękiem?” wykrzyknął jeden z krytyków. Mozart pociągał go przede wszystkim nie wdziękiem i lekkością, ale ekscytacją, wręcz dramatyzmem i hartem ducha. „Żadnych ustępstw na rzecz walecznego stylu” — zdaje się mówić jego gra. Podkreśla to rytmiczny rygor, wredne pedałowanie, energiczny dotyk. Jego rozumienie Chopina leży na tej samej płaszczyźnie: zero sentymentalizmu, surowa prostota, a jednocześnie – ogromna siła uczucia…

Druga wojna światowa zastała artystę w Szwajcarii, na kolejnym tournée. Wrócił do ojczyzny, nadal występował, komponował muzykę. Ale duszna atmosfera faszystowskiej Rumunii stłumiła go iw 1943 roku udało mu się wyjechać do Sztokholmu, a stamtąd do Szwajcarii, która stała się jego ostatnim azylem. Kierował wydziałem wykonawczym i klasą fortepianu w konserwatorium w Genewie. Ale właśnie w momencie, gdy skończyła się wojna i przed artystą otworzyły się wspaniałe perspektywy, pojawiły się pierwsze oznaki nieuleczalnej choroby – białaczki. Pisze z goryczą do swojego nauczyciela M. Żory: „Kiedy byłem zdrowy, walka z niedostatkiem była męcząca. Teraz, kiedy jestem chory, są zaproszenia ze wszystkich krajów. Podpisałem kontrakty z Australią, Ameryką Południową i Północną. Cóż za ironia losu! Ale nie poddaję się. Będę walczyć bez względu na wszystko”.

Walka trwała latami. Długie wycieczki musiały zostać odwołane. W drugiej połowie lat 40. prawie nie opuszczał Szwajcarii; wyjątkiem były jego wyjazdy do Londynu, gdzie debiutował w 1946 wraz z G. Karajanem, grając pod jego dyrekcją Koncert Schumanna. Lipatti później jeszcze kilka razy podróżował do Anglii, aby nagrywać. Ale w 1950 roku nie wytrzymał już nawet takiej podróży i firma I-jestem-a wysłała mu do Genewy swój „zespół”: w ciągu kilku dni, kosztem największego wysiłku, 14 walców Chopina, Nagrano Sonatę Mozarta (nr 8), Partitę Bach (B-dur), Mazurka 32 Chopina. W sierpniu wystąpił z orkiestrą po raz ostatni: zabrzmiał Koncert Mozarta (nr 21), na podium stanął G. Karayan. A 16 września Dinu Lipatti pożegnał się z publicznością w Besançon. W programie koncertu znalazły się Partita B-dur Bacha, Sonata Mozarta, dwa improwizowane Schuberta oraz wszystkie 14 walców Chopina. Zagrał tylko 13 – ostatni nie był już wystarczająco silny. Ale zamiast tego, zdając sobie sprawę, że już nigdy nie pojawi się na scenie, artysta wykonał Chorał Bacha w opracowaniu fortepianowym Myry Hess… Nagranie tego koncertu stało się jednym z najbardziej ekscytujących, dramatycznych dokumentów w muzycznej historii naszego stulecia…

Po śmierci Lipattiego jego nauczyciel i przyjaciel A. Cortot napisał: „Drogi Dinu, twój chwilowy pobyt wśród nas nie tylko stawia Cię za powszechną zgodą na pierwszym miejscu wśród pianistów Twojego pokolenia. W pamięci tych, którzy Cię słuchali, pozostawiasz pewność, że gdyby los nie był dla Ciebie tak okrutny, to Twoje nazwisko stałoby się legendą, przykładem bezinteresownej służby sztuce. Czas, jaki upłynął od tego czasu, pokazał, że sztuka Lipatti pozostaje takim przykładem do dziś. Jego dźwiękowa spuścizna jest stosunkowo niewielka – zaledwie około dziewięciu godzin nagrań (jeśli liczyć powtórzenia). Oprócz wyżej wymienionych kompozycji udało mu się uchwycić na płytach m.in. koncerty Bacha (nr 1), Chopina (nr 1), Griega, Schumanna, dramaty Bacha, Mozarta, Scarlattiego, Liszta, Ravela, własne kompozycje – Concertino w stylu klasycznym i Sonata na lewą rękę… To prawie wszystko. Ale każdy, kto zapozna się z tymi płytami, z pewnością zgodzi się ze słowami Floriki Muzycescu: „Artystyczna mowa, którą przemawiał do ludzi, zawsze porywała publiczność, porywa też tych, którzy słuchają jego gry na płycie”.

Grigoriev L., Płatek Ja.