Gara Garajew |
Gara Garajew
W młodości Kara Karaev był zdesperowanym motocyklistą. Wściekła rasa odpowiadała na jego potrzebę ryzyka, poczucia zwycięstwa nad sobą. Miał też inne, zupełnie przeciwne i zachowane na całe życie, „ciche” hobby – fotografię. Obiektyw jego aparatu, z wielką precyzją, a jednocześnie wyrażając osobistą postawę właściciela, wskazywał na otaczający świat – wychwytywał ruch przechodnia z zatłoczonego miejskiego potoku, utrwalał żywe lub zamyślone spojrzenie, sprawiał, że sylwetki platform wiertniczych wynurzających się z głębin Morza Kaspijskiego „rozmawiają” o teraźniejszości i przeszłości – suche gałęzie starej morwy Apsheron czy majestatyczne budowle starożytnego Egiptu…
Wystarczy posłuchać utworów, które stworzył wybitny azerbejdżański kompozytor, a staje się jasne, że hobby Karaeva jest tylko odzwierciedleniem tego, co tak charakterystyczne dla jego muzyki. Twórcze oblicze Karaeva charakteryzuje się połączeniem jasnego temperamentu z precyzyjną kalkulacją artystyczną; różnorodność barw, bogactwo palety emocjonalnej – z psychologiczną głębią; zainteresowanie aktualnymi problemami naszych czasów żyło w nim obok zainteresowania przeszłością historyczną. Pisał muzykę o miłości i walce, o naturze i duszy człowieka, potrafił przekazać dźwiękami świat fantazji, marzeń, radości życia i chłodu śmierci…
Po mistrzowsku opanowując prawa kompozycji muzycznej, artysta o jaskrawo oryginalnym stylu, Karaev przez całą swoją karierę dążył do ciągłego odnawiania języka i formy swoich dzieł. „Być na równi z wiekiem” – takie było główne artystyczne przykazanie Karajewa. I tak jak w młodości pokonywał samego siebie w szybkiej jeździe na motocyklu, tak zawsze pokonywał bezwład twórczego myślenia. „Aby nie stać w miejscu” – powiedział w związku z jego pięćdziesiątymi urodzinami, kiedy międzynarodowa sława już dawno była za nim – „trzeba było„ zmienić ”siebie”.
Karaev jest jednym z najjaśniejszych przedstawicieli szkoły D. Szostakowicza. Ukończył w 1946 Konserwatorium Moskiewskie w klasie kompozycji tego genialnego artysty. Ale jeszcze zanim został studentem, młody muzyk głęboko zrozumiał muzyczną kreatywność narodu azerbejdżańskiego. W tajniki rodzimego folkloru, sztuki ashug i mugham Garayev został wprowadzony do konserwatorium w Baku przez jego twórcę i pierwszego profesjonalnego kompozytora Azerbejdżanu, U. Hajibeyova.
Karaev pisał muzykę w różnych gatunkach. Jego dorobek twórczy obejmuje kompozycje dla teatru muzycznego, utwory symfoniczne i kameralne, romanse, kantaty, sztuki teatralne dla dzieci, muzykę do spektakli teatralnych i filmów. Pociągały go tematy i wątki z życia najróżniejszych ludów globu – głęboko wniknął w strukturę i ducha muzyki ludowej Albanii, Wietnamu, Turcji, Bułgarii, Hiszpanii, krajów afrykańskich i arabskiego Wschodu… Niektórzy z jego kompozycje można określić jako kamienie milowe nie tylko dla własnej twórczości, ale także dla muzyki radzieckiej w ogóle.
Wiele prac na dużą skalę poświęconych jest tematyce Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i powstało pod bezpośrednim wrażeniem wydarzeń z rzeczywistości. Taka jest dwuczęściowa I Symfonia – jedno z pierwszych dzieł tego gatunku w Azerbejdżanie (1943), wyróżnia się ostrymi kontrastami obrazów dramatycznych i lirycznych. W pięcioczęściowej II Symfonii, napisanej w związku ze zwycięstwem nad faszyzmem (1946), tradycje muzyki azerbejdżańskiej mieszają się z tradycjami klasycyzmu (ekspresyjna 4-częściowa passacaglia oparta jest na tematyce typu mugham). W 1945 r. we współpracy z D. Gadzhnevem powstała opera Veten (Ojczyzna, lib. I. Idayat-zade i M. Rahim), w której idea przyjaźni między narodami radzieckimi w walce o wyzwolenie Ojczyzny został zaakcentowany.
Wśród wczesnych dzieł kameralnych wyróżnia się obraz fortepianowy „Posąg Carskiego Sioła” (według A. Puszkina, 1937), którego oryginalność obrazów została określona przez syntezę intonacji ludowo-narodowej z impresjonistyczną kolorystyką faktury ; Sonatina a-moll na fortepian (1943), w której narodowe elementy ekspresyjne rozwijane są zgodnie z „klasycyzmem” Prokofiewa; Drugi kwartet smyczkowy (dedykowany D. Szostakowiczowi, 1947), wyróżniający się lekką młodzieńczą kolorystyką. Romanse Puszkina „Na wzgórzach Gruzji” i „Kochałem cię” (1947) należą do najlepszych dzieł wokalnych tekstów Karajewa.
Wśród dzieł okresu dojrzałego znajduje się poemat symfoniczny „Leyli i Majnun” (1947), który zapoczątkował symfonię liryczno-dramatyczną w Azerbejdżanie. Tragiczny los bohaterów wiersza Nizamiego o tym samym tytule został ucieleśniony w rozwoju bolesnych, namiętnych, wzniosłych obrazów wiersza. Motywy fabularne „Piątki” („Khamse”) Nizamiego stały się podstawą baletu „Siedem piękności” (1952, scenariusz: I. Idayat-zade, S. Rahman i Y. Słonimski), w którym obraz życia narodu azerbejdżańskiego w odległej przeszłości, jego heroicznej walce z ciemiężcami. Centralnym obrazem baletu jest prosta dziewczyna z ludu, jej ofiarna miłość do Shah Bahrama o słabej woli zawiera wysoki ideał moralny. W walce o Bahram Aisha przeciwstawia się wizerunkom podstępnego wezyra i uwodzicielsko pięknych, upiornych siedmiu piękności. Balet Karajewa jest znakomitym przykładem połączenia elementów azerbejdżańskiego tańca ludowego z symfonicznymi założeniami baletów Czajkowskiego. Jasny, wielobarwny, bogaty emocjonalnie balet Ścieżka grzmotu (na podstawie powieści P. Abrahamsa, 1958), w którym heroiczny patos wiąże się z walką ludów Czarnej Afryki o niepodległość, jest interesujący dla mistrzowskiego rozwinął konflikt muzyczny i dramatyczny, symfonię elementów folkloru murzyńskiego (balet był pierwszym utworem muzyki radzieckiej, który rozwinął afrykańską muzykę ludową na taką skalę).
W dojrzałych latach twórczość Karaeva była kontynuowana i rozwijała się tendencja do wzbogacania muzyki azerbejdżańskiej o klasycystyczne środki wyrazu. Wśród utworów, w których ten nurt jest szczególnie widoczny, można wymienić ryciny symfoniczne Don Kichot (1960, za M. Cervantesem), przesiąknięte intonacją hiszpańską, cykl ośmiu utworów, w sekwencji których tragicznie piękny wizerunek Rycerza Smutnego Wizerunku wyłania się; Sonata na skrzypce i fortepian (1960), dedykowana pamięci mentora dzieciństwa, wspaniałego muzyka V. Kozlova (finał utworu, dramatyczna passacaglia, zbudowana jest na jego dźwiękowym anagramie); 6 ostatnich utworów z cyklu 24 „preludiów na fortepian” (1951-63).
Styl ludowo-narodowy został z wielką wprawą zsyntetyzowany ze stylu klasycznego w III Symfonii na orkiestrę kameralną (1964), jednym z pierwszych znaczących dzieł muzyki radzieckiej, stworzonym metodą techniki seryjnej.
Temat symfonii – rozważania człowieka „o czasie io sobie” – wieloaspektowo załamuje się w energii akcji części pierwszej, w opalizującym brzmieniu pieśni aszug drugiej, w filozoficznej refleksji Andante, w oświeceniu kody, rozwiewając nieżyczliwą ironię końcowej fugi.
Wykorzystanie różnorodnych wzorców muzycznych (zapożyczonych z lat 1974. i współczesnych, kojarzonych ze stylem „big beat”) zadecydowało o dramaturgii musicalu Wściekły Gascon (1967, na podstawie Cyrano de Bergerac E. Rostanda) o słynnym francuskim poeta wolnomyśliciel. Twórcze wyżyny Karaeva obejmują także Koncert skrzypcowy (12, poświęcony L. Koganowi), pełen wysokiej ludzkości, oraz cykl „1982 Fugi na fortepian” – ostatnie dzieło kompozytora (XNUMX), przykład głębokiej myśli filozoficznej i genialnej polifonii mistrzostwo.
Muzykę radzieckiego mistrza słychać w wielu krajach świata. Zasady artystyczne i estetyczne Karajewa, kompozytora i pedagoga (przez wiele lat był profesorem Państwowego Konserwatorium w Azerbejdżanie), odegrały ogromną rolę w kształtowaniu się współczesnej azerbejdżańskiej szkoły kompozytorskiej, liczącej kilka pokoleń i bogatej w osobowości twórcze . Jego twórczość, która organicznie stopiła tradycje kultury narodowej i osiągnięcia sztuki światowej w nową, oryginalną jakość, poszerzyła granice ekspresyjne muzyki azerbejdżańskiej.
A. Bretanicka
