Izaak Stern |

Izaak Stern

Stern to wybitny artysta-muzyk. Skrzypce są dla niego środkiem komunikacji z ludźmi. Doskonałe posiadanie wszystkich zasobów instrumentu to szczęśliwa okazja do przekazania najsubtelniejszych psychologicznych niuansów, myśli, uczuć i nastrojów – wszystkiego, w co bogate jest życie duchowe człowieka.

Isaac Stern urodził się 21 lipca 1920 roku na Ukrainie, w mieście Krzemieniec nad Wołyniem. Już w dzieciństwie wylądował z rodzicami w Stanach Zjednoczonych. „Miałem około siedmiu lat, kiedy chłopak z sąsiedztwa, mój przyjaciel, zaczął już grać na skrzypcach. Mnie też to zainspirowało. Teraz ta osoba służy w systemie ubezpieczeniowym, a ja jestem skrzypkiem ”- wspomina Stern.

Izaak najpierw uczył się gry na pianinie pod kierunkiem matki, a następnie uczył się gry na skrzypcach w Konserwatorium w San Francisco w klasie słynnego nauczyciela N. Blindera. Młody człowiek rozwijał się normalnie, stopniowo, bynajmniej nie jak cudowne dziecko, choć z orkiestrą zadebiutował w wieku 11 lat, grając ze swoim nauczycielem podwójny koncert Bacha.

Znacznie później odpowiedział na pytanie, jakie czynniki odegrały decydującą rolę w jego rozwoju twórczym:

„Na pierwszym miejscu postawiłbym mojego nauczyciela Nauma Blindera. Nigdy nie mówił mi, jak grać, mówił tylko, jak nie, i dlatego zmuszał mnie do samodzielnego szukania odpowiednich środków wyrazu i technik. Oczywiście wielu innych wierzyło we mnie i wspierało mnie. Swój pierwszy niezależny koncert dałem w wieku piętnastu lat w San Francisco i nie wyglądałem na cudowne dziecko. To było dobre. Grałem Koncert Ernsta – niesamowicie trudny, dlatego też nigdy go nie wykonywałem.

W San Francisco mówiono o Sternie jako o nowej wschodzącej gwieździe na firmamencie skrzypiec. Sława w mieście otworzyła mu drogę do Nowego Jorku, a 11 października 1937 r. Stern zadebiutował w ratuszu. Koncert nie stał się jednak sensacją.

„Mój debiut w Nowym Jorku w 1937 roku nie był genialny, prawie katastrofą. Myślę, że grałem dobrze, ale krytycy byli nieprzyjazni. Krótko mówiąc, wskoczyłem do jakiegoś autobusu międzymiastowego i jechałem przez pięć godzin z Manhattanu do ostatniego przystanku, nie wysiadając, zastanawiając się nad dylematem, czy kontynuować, czy odmówić. Rok później znów pojawił się tam na scenie i nie zagrał już tak dobrze, ale krytyka przyjęła mnie z entuzjazmem.

Na tle genialnych mistrzów Ameryki Stern przegrywał w tym czasie i nie mógł jeszcze konkurować z Heifetzem, Menuhinem i innymi „królami skrzypiec”. Isaac wraca do San Francisco, gdzie kontynuuje pracę za radą Louisa Persingera, byłego nauczyciela Menuhina. Wojna przerywa jego studia. Odbywa liczne podróże do amerykańskich baz wojskowych na Pacyfiku i koncertuje z żołnierzami.

„Liczne występy koncertowe, które trwały w latach II wojny światowej”, pisze V Rudenko, „pomogły poszukującemu artyście odnaleźć siebie, odnaleźć własny„ głos ”, sposób szczerej, bezpośredniej ekspresji emocjonalnej. Sensacją był jego drugi nowojorski koncert w Carnegie Hall (1943), po którym zaczęli mówić o Sternie jako jednym z najwybitniejszych skrzypków świata.

Stern jest oblegany przez impresario, rozwija imponującą działalność koncertową, dając do 90 koncertów rocznie.

Decydujący wpływ na ukształtowanie się Sterna jako artysty miała jego komunikacja z wybitnym hiszpańskim wiolonczelistą Casalsem. W 1950 skrzypek po raz pierwszy przybył na festiwal Pablo Casals w mieście Prades w południowej Francji. Spotkanie z Casalsem wywróciło wszystkie pomysły młodego muzyka do góry nogami. Później przyznał, że żaden ze skrzypków nie miał na niego takiego wpływu.

„Casals potwierdził wiele z tego, co niejasno czułem i do czego zawsze dążyłem” – mówi Stern. — Moje główne motto to skrzypce do muzyki, a nie muzyka na skrzypce. Aby urzeczywistnić to motto, konieczne jest pokonanie barier interpretacji. A dla Casalsa nie istnieją. Jego przykład udowadnia, że ​​nawet wykraczając poza ustalone granice gustu, nie trzeba utonąć w wolności wypowiedzi. Wszystko, co dał mi Casals, było ogólne, a nie konkretne. Nie można naśladować wielkiego artysty, ale można się od niego nauczyć, jak podchodzić do performansu.”

Później Prada Stern wzięła udział w 4 festiwalach.

Rozkwit spektaklu Sterna datuje się na lata 1950. XX wieku. Następnie słuchacze z różnych krajów i kontynentów zapoznali się z jego sztuką. Tak więc w 1953 skrzypek odbył tournée, które objęło prawie cały świat: Szkocję, Honolulu, Japonię, Filipiny, Hongkong, Kalkutę, Bombaj, Izrael, Włochy, Szwajcarię, Anglię. Podróż zakończyła się 20 grudnia 1953 w Londynie występem z Royal Orchestra.

„Jak każdy koncertowicz, w jego niekończących się wędrówkach ze Sternem, zabawne historie lub przygody zdarzyły się więcej niż raz”, pisze LN Raaben. Tak więc podczas występu w Miami Beach w 1958 roku odkrył niechcianego wielbiciela, który był obecny na koncercie. Był to hałaśliwy świerszcz, który przeszkadzał w wykonaniu koncertu Brahmsa. Po zagraniu pierwszej frazy skrzypek zwrócił się do publiczności i powiedział: „Kiedy podpisałem umowę, myślałem, że będę jedynym solistą na tym koncercie, ale najwyraźniej miałem rywala”. Tymi słowami Stern wskazał na trzy palmy doniczkowe na scenie. Natychmiast pojawiło się trzech służących i uważnie słuchało drzew palmowych. Nic! Nie inspirowany muzyką, świerszcz zamilkł. Ale gdy tylko artysta wznowił grę, duet ze świerszczem natychmiast wznowił grę. Musiałem ewakuować nieproszonego „wykonawcę”. Palmy zostały wyjęte, a Stern spokojnie zakończył koncert, jak zawsze przy gromkim aplauzie.

W 1955 Stern poślubił byłego pracownika ONZ. Ich córka urodziła się w następnym roku. Vera Stern często towarzyszy mężowi w jego wycieczkach.

Recenzenci nie obdarzyli Sterna wieloma cechami: „subtelny artyzm, emocjonalność połączona ze szlachetną powściągliwością wyrafinowanego smaku, fenomenalne mistrzostwo smyczka. W jego grze uderza równość, lekkość, „nieskończoność” smyczka, nieograniczona gama dźwięków, wspaniałe, męskie akordy, wreszcie niezmierzone bogactwo wspaniałych uderzeń, od szerokiego dystansu po efektowne staccato. Uderzające to umiejętność Sterna w różnicowaniu barwy instrumentu. Wie, jak znaleźć niepowtarzalne brzmienie nie tylko w kompozycjach różnych epok i autorów, a w ramach tego samego dzieła brzmienie jego skrzypiec „reinkarnuje” nie do poznania”.

Stern jest przede wszystkim autorem tekstów, ale jego gra nie była obca dramatowi. Imponował rozmachem twórczości wykonawczej, równie pięknym w subtelnej elegancji interpretacji Mozarta, w patetycznym „gotyku” Bacha i dramatycznych zderzeniach Brahmsa.

„Uwielbiam muzykę różnych krajów”, mówi, „klasykę, bo to świetni i uniwersalni, współcześni autorzy, bo mówią coś do mnie i do naszych czasów, uwielbiam też tak zwane „oklepane” utwory, takie jak Koncerty Mendelssohna i Czajkowskiego.

W. Rudenko pisze:

„Niesamowita zdolność twórczej transformacji pozwala Sternowi artyście nie tylko „przedstawić” styl, ale myśleć w nim w przenośni, nie „pokazywać” uczuć, ale wyrażać w muzyce pełnokrwiste, autentyczne doświadczenia. W tym tkwi sekret nowoczesności artysty, w którego stylu wykonawczym zdaje się przenikać sztuka performansu i sztuka artystycznego doświadczenia. Organiczne odczucie instrumentalnej specyfiki, charakter skrzypiec i wyrastający na tej podstawie duch swobodnej improwizacji poetyckiej pozwalają muzykowi całkowicie poddać się ucieczce fantazji. Zawsze urzeka, urzeka publiczność, budzi to szczególne podniecenie, twórcze zaangażowanie publiczności i artysty, które królują na koncertach I. Sterna.

Nawet na zewnątrz gra Sterna była wyjątkowo harmonijna: bez gwałtownych ruchów, bez kanciastości i bez „drgających” przejść. Można było podziwiać prawą rękę skrzypka. „Uchwyt” łuku jest spokojny i pewny, ze specyficznym sposobem trzymania łuku. Opiera się na aktywnych ruchach przedramienia i oszczędnym użytkowaniu barku.

„Obrazy muzyczne odzwierciedlają w jego interpretacji niemal namacalną rzeźbiarską płaskorzeźbę”, pisze Fikhtengolts, „ale czasem także romantyczną fluktuację, ulotne bogactwo odcieni, „gry” intonacji. Wydawać by się mogło, że taka charakterystyka odrywa Sterna od nowoczesności i od tego „specjalnego” dla niej charakterystycznego, a którego w przeszłości nie było. „Otwartość” emocji, natychmiastowość ich przekazywania, brak ironii i sceptycyzmu były raczej charakterystyczne dla minionego pokolenia romantycznych skrzypków, które wciąż przyniosły nam oddech XX wieku. Tak jednak nie jest: „Sztuka Sterna ma wybitne poczucie nowoczesności. Muzyka jest dla niego żywym językiem namiętności, co nie przeszkadza, by w tej sztuce zapanowała ta jednolitość, o której pisał Heine – jednolitość, która istnieje „między entuzjazmem a artystyczną pełnią”.

W 1956 r. Stern po raz pierwszy przybył do ZSRR. Następnie artysta jeszcze kilka razy odwiedził nasz kraj. K. Ogievsky żywo opowiadał o trasie mistrza w Rosji w 1992 roku:

„Isaac Stern jest doskonały! Od jego ostatniego tournée po naszym kraju minęło ćwierć wieku. Teraz maestro ma już ponad siedemdziesiąt lat, a skrzypce w jego urzekających dłoniach wciąż śpiewają młodo, pieszcząc ucho wyrafinowanym dźwiękiem. Dynamiczne wzory jego dzieł zachwycają elegancją i rozmachem, kontrastem niuansów i magicznym „lataniem” dźwięku, który swobodnie wnika nawet w „głuchy” zakamarki sal koncertowych.

Jego technika jest wciąż bezbłędna. Na przykład „paciorkowate” figuracje w Koncercie Mozarta (G-dur) czy majestatyczne pasaże z Concerto Stern Beethovena są wykonywane z nieskazitelną czystością i filigranowym blaskiem, a koordynację ruchów jego rąk można jedynie pozazdrościć. Niepowtarzalna prawa ręka maestro, której szczególna elastyczność pozwala zachować integralność linii dźwięku podczas zmiany smyczka i zmiany strun, jest nadal dokładna i pewna siebie. Pamiętam, że fantastyczna niepozorność „przesunięć” Sterna, która już podczas poprzednich wizyt wzbudzała zachwyt profesjonalistów, sprawiła, że ​​nauczyciele nie tylko szkół i uczelni muzycznych, ale także Konserwatorium Moskiewskiego zdwoili uwagę na ten najbardziej złożony element technika skrzypcowa.

Ale najbardziej niesamowity i, jak się wydaje, niesamowity jest stan vibrato Sterna. Jak wiadomo, wibracja skrzypiec to delikatna materia, przypominająca cudowną przyprawę dodawaną przez wykonawcę do „dań muzycznych” według jego upodobań. Nie jest tajemnicą, że skrzypkowie, podobnie jak wokaliści, w latach u schyłku działalności koncertowej często doświadczają nieodwracalnych zmian w jakości swojego vibrato. Staje się słabo kontrolowany, jego amplituda mimowolnie wzrasta, częstotliwość maleje. Lewa ręka skrzypka, podobnie jak struny głosowe śpiewaków, zaczyna tracić elastyczność i przestaje być posłuszna estetycznemu „ja” artysty. Wibracja wydaje się wystandaryzowana, traci swoją żywotność, a słuchacz odczuwa monotonię dźwięku. Jeśli wierzysz, że Bóg obdarza piękną wibrację, okazuje się, że z czasem Wszechmogący z przyjemnością odbiera swoje dary. Na szczęście to wszystko nie ma nic wspólnego z grą słynnego gościnnego performera: Boży dar pozostaje z nim. Co więcej, wydaje się, że brzmienie Sterna rozkwita. Słuchając tej gry, pamiętasz legendę o bajecznym napoju, którego smak jest tak przyjemny, zapach tak pachnący, a smak tak słodki, że chcesz pić coraz więcej, a pragnienie tylko się nasila.

Ci, którzy słyszeli Sterna w minionych latach (autor tych słów miał szczęście uczestniczyć we wszystkich jego moskiewskich koncertach), nie grzeszą przed prawdą, gdy mówią o potężnym rozwoju talentu Sterna. Jego gra, hojnie podsycana urokiem osobowości i niezrównaną szczerością, jego dźwięk, jakby utkany z duchowego zachwytu, działa hipnotycznie.

A słuchacz otrzymuje niesamowity ładunek duchowej energii, lecznicze zastrzyki prawdziwej szlachetności, doświadcza fenomenu uczestnictwa w procesie twórczym, radości bycia.

Muzyk dwukrotnie występował w filmach. Po raz pierwszy zagrał rolę ducha w filmie Johna Garfelda „Humoreska”, drugi raz – rolę Eugene'a Ysaye'a w filmie „Dzisiaj śpiewamy” (1952) o słynnym amerykańskim impresariacie Yuroku.

Stern wyróżnia łatwość w kontaktach z ludźmi, życzliwość i responsywność. Jest wielkim fanem baseballu, który śledzi wiadomości w sporcie równie zazdrośnie, jak najnowsze w muzyce. Nie mogąc oglądać meczu swojej ulubionej drużyny, prosi o natychmiastowe zgłoszenie wyniku, nawet na koncertach.

„Nigdy nie zapomnę jednej rzeczy: nie ma wykonawcy, który jest wyższy od muzyki” – mówi maestro. – Zawsze zawiera więcej możliwości niż najzdolniejsi artyści. Dlatego zdarza się, że pięciu wirtuozów potrafi zupełnie inaczej zinterpretować tę samą stronę muzyki – i wszyscy okazują się sobie równi artystycznie. Są chwile, kiedy czujesz namacalną radość, że coś zrobiłeś: to wielki podziw dla muzyki. Aby to przetestować, wykonawca musi zachować swoją siłę, a nie nadużywać jej w niekończących się występach.