Historia powstania i rozwoju syntezatora

Wszyscy doskonale wiemy, że fortepian jest bardzo wszechstronnym instrumentem, a syntezator to tylko jeden z jego aspektów, który może radykalnie zmienić całą muzykę, rozszerzyć jej możliwości do granic, których klasyczni kompozytorzy nie mogli sobie nawet wyobrazić. Mało kto wie, jaką drogę przebyła, zanim pojawił się znany nam syntezator. Spieszę wypełnić tę lukę.

Myślę, że nie warto powtarzać triumfalnego przemówienia o postępie technologicznym. O historii fortepianu można przeczytać tutaj.

Czy odświeżyłeś artykuł w pamięci, przeczytałeś go po raz pierwszy, czy postanowiłeś go całkowicie zignorować? Jednak to nie ma znaczenia… Przejdźmy do rzeczy!

Historia: pierwsze syntezatory

Korzenie słowa „syntezator” wywodzą się z pojęcia „syntezy”, czyli tworzenia czegoś (w naszym przypadku dźwięku) z wcześniej odmiennych części. Jedną z jego kluczowych cech jest to, że syntezator jest w stanie odtworzyć nie tylko dźwięki klasycznego fortepianu (a notabene nawet dźwięki fortepianu będą najczęściej oferowane w różnych wersjach), ale także imitować dźwięk wielu innych instrumenty. Zawierają również dźwięki elektroniczne, które mogą odtworzyć tylko syntezatory. Ale im lepszy instrument, tym wyższa będzie jego cena – to tworzy równowagę i to przynajmniej jest logiczne.

Teremina

Stworzenie instrumentów elektronicznych datuje się na koniec XX wieku, a tu, ku uciesze naszych patriotycznych uczuć, rosyjski naukowiec zauważył Lwa Teremina – to jego umysł i ręce stworzyły jeden z pierwszych pełnoprawnych instrumentów wykorzystujących prawa fizyki i energii elektrycznej, znane jako tammin. Była to dość prosta i mobilna konstrukcja, która do tej pory nie ma analogów – to jedyny instrument, na którym gra się nawet go nie dotykając.

Muzyk, poruszając rękami w przestrzeni między antenami instrumentu, zmienia fale wibracyjne, a tym samym zmienia również nuty, które wydaje theremin. Instrument uważany jest za jeden z najtrudniejszych do opanowania kiedykolwiek stworzonych przez ludzkość – jego sterowanie nie jest oczywiste i wymaga wybitnych danych słuchowych. W dodatku dźwięk, który wydaje theremin, jest, powiedzmy, dość specyficzny, ale właśnie za to wciąż jest doceniany przez muzyków i wykorzystywany w nagraniach.

Tellarmon

Jeden z pierwszych instrumentów elektronicznych, tym razem już instrumenty klawiszowe, został nazwany Tellarmon i został wynaleziony Thaddeus Cahill z Iowa. A instrument, który miał zastąpić organy kościelne, okazał się naprawdę masywny: ważył około 200 ton, składał się ze 145 ogromnych generatorów elektrycznych, a do Nowego Jorku potrzeba było 30 wagonów kolejowych. Ale sam fakt jej powstania pokazał, dokąd powinna się poruszać muzyka, pokazał, jak bardzo postęp techniczny może pomóc w rozwoju sztuki. Powiedzieli, że Cahill wyprzedził swój czas, nazwali go niedocenianym geniuszem. Jednak pomimo wszystkich uroków instrumentu, miał on jeszcze miejsce do rozwoju: wspomniałem już o jego masywności, ale w dodatku powodował zakłócenia na liniach telefonicznych, a jego jakość dźwięku była dość przeciętna nawet jak na standardy z początku roku. XX wiek.

Organy są w Hammond

Oczywiście szereg takich wynalazków na dużą skalę doprowadziło do ich rozwoju. Kolejnym krokiem w rozwoju instrumentów elektronicznych był tzw organy w Hammond, której twórcą był Amerykanin Laurence Hammond. Jego dzieło było znacznie mniejsze od jego starszego brata Tellarmonium, ale wciąż dalekie od miniatury (instrument ważył nieco mniej niż 200 kilogramów).

Główną cechą organów Hammonda było to, że miały specjalne dźwignie, które pozwalały na niezależne miksowanie form sygnału i ostatecznie produkowanie własnych, nastrojonych dźwięków, różniących się od standardowych organów.

Instrument zyskał uznanie – często używany zamiast prawdziwych organów w amerykańskich kościołach, doceniło go również wielu muzyków jazzowych i rockowych (The Beatles, Deep Purple, Yes i wielu innych). Co ciekawe, gdy poproszono Hammonda, aby nie nazywał swojego instrumentu organami, prośba ta została ostatecznie odrzucona, ponieważ komisja nie była w stanie odróżnić brzmienia organów elektrycznych od prawdziwego instrumentu dętego.

Koncert odgłosów

Po II wojnie światowej, która oczywiście wstrzymała rozwój instrumentów muzycznych, jedynym znaczącym wydarzeniem dotyczącym naszego tematu było „Koncert Hałasów”wygłosił Francuz Pierre Henri и Pierre Schaeffer – To eksperymentalne wydarzenie, podczas którego do organów Hammonda dodano nowe generatory, za pomocą których otrzymał nowe bloki barwy i radykalnie zmienił swoje brzmienie. Choć ze względu na nieporęczność generatorów cała akcja mogła odbywać się tylko w laboratoriach, mimo to koncert można uznać za narodziny gatunku muzyki awangardowej, który zaczął się powoli popularyzować.

Mark

RCA (Radio Corporation of America) podjęło pierwszą próbę stworzenia syntezatorów, które byłyby krokiem naprzód w stosunku do organów Hammonda, ale modele stworzone przez korporację Mark I и Mark II nie odniosły sukcesu z powodu choroby wszystkich ówczesnych urządzeń elektronicznych – gabarytów (syntezator zajmował całe pomieszczenie!) i astronomicznych cen, jednak zdecydowanie stały się nowym kamieniem milowym w rozwoju technologii syntezy dźwięku.

minimoog

Wydawałoby się, że prace rozwojowe idą pełną parą, ale inżynierom wciąż nie udało się uczynić narzędzia prostym i przystępnym, dopóki nie zabrali się do pracy John Moog, właściciel firmy produkującej thereminy, którą już znasz, który w końcu jakoś przyniósł syntezator bliższy zwykłym śmiertelnikom.

Kubek był w stanie wyeliminować wszystkie niedociągnięcia prototypów poprzez stworzenie minimoog – prawdziwie kultowy instrument, który spopularyzował gatunek muzyki elektronicznej. Był kompaktowy, kosztowny, choć drogi – 1500 dolarów, ale to pierwszy syntezator z dwoma zerami na końcu ceny.

Dodatkowo Minimoog miał brzmienie, które do dziś jest doceniane przez muzyków – jest jasne i gęste, a co najśmieszniejsze, ta zaleta jest konsekwencją wad: syntezator nie był w stanie utrzymać systemu przez długi czas. na pewne wady techniczne. Inne ograniczenia polegały na tym, że instrument był monofoniczny, to znaczy odbierał tylko jedną nutę naciśniętą na klawiaturze (tzn. nie było możliwości grania akordów), a także nie był wrażliwy na siłę naciskania klawisza.

Ale to wszystko w tamtych czasach rekompensowała wysoka jakość dźwięku, o której wciąż mówią muzycy elektroniczni (niektórzy z pewnością są gotowi sprzedać swoje dusze za ten sam oryginalny Minimoog) i naprawdę szerokie możliwości modulacji dźwięku. Projekt był tak udany, że przez długi czas moog był powszechnie znany: słowo moog oznaczało dowolny syntezator, nie tylko tej konkretnej firmy.

1960-e

Od początku lat 1960. pojawiło się wiele firm, z których każda wyrzeźbiła własną niszę w tworzeniu syntezatorów: Sekwencyjna Obwody, E-mu, Roland, ARP, Korg, Oberheim, i to nie jest cała lista. Syntezatory analogowe nie zmieniły się od tego czasu dramatycznie, nadal są doceniane i bardzo drogie – modele były klasycznym rodzajem syntezatorów, do których jesteśmy przyzwyczajeni.

Nawiasem mówiąc, radzieccy producenci również nie pozostawali w tyle: w ZSRR prawie wszystkie towary były produkowane wyłącznie w kraju, a instrumenty nie były wyjątkiem (chociaż komuś udało się przetransportować zagraniczne gitary w pojedynczych egzemplarzach, całkiem legalne było również kupowanie instrumentów od kraje sojusznicze Układu Warszawskiego – czechosłowacka Muzima czy bułgarski Orfeusz, ale dotyczyło to tylko gitar elektrycznych i basowych). Sowieckie syntezatory są bardzo interesujące pod względem brzmienia, ZSRR miał nawet własnego mistrza muzyki elektronicznej, takiego jak na przykład Eduard Artemiev. Najsłynniejsze serie to Aelita, Młodzież,  Lel, Elektronika EM.

Jednak światem, oprócz postępu technologicznego, kieruje również moda, a jeśli chodzi o sztukę, to szczególnie podlega jej zmienności. I niestety lub na szczęście, ale przez jakiś czas zainteresowanie muzyką elektroniczną zniknęło, a opracowywanie nowych modeli syntezatorów nie stało się najbardziej dochodowym zajęciem.

Nowa fala (nowa fala)

Ale, jak pamiętamy, moda ma swoją osobliwość na przemian – wraz z nadejściem lat 80-tych nagle powrócił elektroniczny boom. Tym razem elektronika nie była już czymś eksperymentalnym (jak innowacyjny niemiecki projekt Kraftwerk z lat 1970.), ale wręcz przeciwnie, stała się zjawiskiem popularnym, zwanym Nowa fala (Nowa fala).

Były takie światowej sławy grupy jak Duran Duran, Depeche Mode, Pet Shop Boys, A-ha, których muzyka opierała się na syntezatorach, ten gatunek nawet się później rozwinął, a wraz z nim nazwa synth-pop.

Muzycy takich grup początkowo używali tylko syntezatorów, czasem rozrzedzając je brzmieniem gitary. Normą stał się skład trzech klawiszowców (a każdy z nich miał więcej niż jeden syntezator), automatu perkusyjnego i wokalisty, choć gdyby twórca Tellarmonium mógł o tym usłyszeć, jego zaskoczenie nie miałoby granic. To był rozkwit muzyki tanecznej, era techno i house, narodziny zupełnie nowej subkultury.

MIDI (cyfrowy interfejs instrumentów muzycznych)

Wszystko to dało nowy impuls do podniesienia i tak już zakurzonej technologii. Jednak technologie analogowe depczą epoce cyfrowej, a mianowicie pojawieniu się formatu MIDI (cyfrowy interfejs instrumentów muzycznych). Potem pojawiły się samplery, za pomocą których można było samodzielnie nagrywać żądane dźwięki, a następnie odtwarzać je za pomocą Klawiatury MIDI. Rozwój interfejsów MIDI posunął się tak bardzo, że w naszych czasach w zasadzie wystarczy już tylko klawiatura, która w porównaniu z modelami analogowymi praktycznie nic nie kosztuje. Można go podłączyć do komputera (ale komputer musi być wystarczająco mocny) i po pewnych prostych manipulacjach odtwarzać muzykę za pomocą specjalnych VST-programy (Technologia Wirtualnego Studia).

Nie oznacza to jednak, że stare modele odejdą w zapomnienie, bo podobny los nie spotkał fortepianu, prawda? Profesjonalni muzycy elektroniczni znacznie bardziej cenią sobie analogowość i wierzą, że dźwięk cyfrowy wciąż jest bardzo daleki od niego jakościowo, a na tych, którzy używają VST, patrzy się z lekką pogardą…

Jednak porównując, jak bardzo postępował rozwój technologii cyfrowych i jak bardzo wzrosła jakość dźwięku, to najprawdopodobniej instrumenty analogowe będą używane wielokrotnie rzadziej, nawet teraz często można zobaczyć klawiszowców grających z laptopami obok nich na koncertach – postęp, jak widzimy, nigdy nie ustanie.

To bardzo ważne, że oprócz poprawy jakości i różnorodności dźwięku, ceny, które kiedyś były astronomiczne, stały się teraz całkiem przystępne. Tak więc najtańsze syntezatory, które odtwarzają dźwięki gorzej niż Noc Walpurgii i nie reagują na siłę wciskania klawisza, będą kosztować około 50 dolarów. Elitarne syntezatory a la Moog Voyager Xl mogą kosztować od 5000 dolarów, a faktycznie ich koszt może rosnąć w nieskończoność, jeśli np. Jean-Michel Jarre zrobisz narzędzie na zamówienie. Możliwe, że trochę wyprzedzam, ale z góry polecam, jeśli chcesz kupić syntezator, nie oszczędzaj: często instrument z kategorii poniżej 350 USD nie zadowoli Cię dobry dźwięk, tym bardziej prawdopodobnie pokona wszelkie chęci do nauki i grania na nim.

Mam szczerą nadzieję, że Ci się podobało. Pamiętaj, że bez znajomości historii nie da się tworzyć przyszłości!

Jeśli nie przeczytałeś jeszcze artykułu o tym, jak wybrać odpowiednie pianino elektroniczne, możesz to zrobić teraz, klikając link.

Poniższy film przedstawia demonstrację Mini Virtual Studio: