Walentin Wasiliewicz Silvestrov (Valentin Silvestrov) |

Walentin Sylwestrow

Tylko melodia sprawia, że ​​muzyka jest wieczna…

Wydawałoby się pewnie, że w naszych czasach te słowa byłyby typowe dla autora piosenek. Wypowiedział je jednak muzyk, którego nazwisko od dawna określa się mianem awangardy (w sensie pejoratywnym), wywrotowca, niszczyciela. V. Silvestrov służy Muzyce od prawie 30 lat i prawdopodobnie za wielkim poetą mógł powiedzieć: „Bóg nie dał mi daru ślepoty!” (M. Cwietajewa). Cała bowiem jego droga – zarówno w życiu, jak iw twórczości – to ciągły ruch w kierunku zrozumienia prawdy. Zewnętrznie ascetyczny, pozornie zamknięty, a nawet nietowarzyski Sylvestrov tak naprawdę stara się być słyszany i rozumiany w każdej ze swoich kreacji. Usłyszany – w poszukiwaniu odpowiedzi na odwieczne pytania bytu, w dążeniu do zgłębienia tajemnic Kosmosu (jako siedliska ludzkiego) i człowieka (jako nosiciela Kosmosu w sobie).

Ścieżka V. Silvestrova w muzyce nie jest prosta, a czasem dramatyczna. Naukę muzyki rozpoczął w wieku 15 lat. W 1956 został studentem Kijowskiego Instytutu Inżynierii Lądowej, aw 1958 wstąpił do Konserwatorium Kijowskiego w klasie B. Lyatoshinsky'ego.

Już w tych latach rozpoczęło się konsekwentne opanowywanie wszelkiego rodzaju stylów, technik komponowania, tworzenie własnego, które później stało się absolutnie rozpoznawalnym charakterem pisma. Już we wczesnych kompozycjach określane są niemal wszystkie aspekty indywidualności kompozytora Silvestrova, zgodnie z którymi jego twórczość będzie się dalej rozwijać.

Początek to rodzaj neoklasycyzmu, w którym najważniejsze nie są formuły i stylizacja, ale empatia, zrozumienie czystości, światła, duchowości, które niesie w sobie muzyka wysokiego baroku, klasycyzmu i wczesnego romantyzmu („Sonatina”, „Klasyczny Sonata” na fortepian, później „Muzyka w dawnym stylu” itd.). W jego wczesnych kompozycjach dużą wagę przywiązywano do nowych środków technicznych (dodekafonia, aleatorika, puentylizm, sonorystyka), zastosowania nietypowych technik wykonawczych na instrumentach tradycyjnych oraz nowoczesnego zapisu graficznego. Znane są Triada na fortepian (1962), Mystery na flet altowy i perkusję (1964), Monodia na fortepian i orkiestrę (1965), Symfonia nr 1966 (Eschatophony – 1971), Dramat na skrzypce, wiolonczelę i fortepian z happeningami, gestami (60). W żadnym z tych i innych dzieł pisanych w latach 70. i wczesnych latach dwudziestych technika nie jest celem samym w sobie. To tylko środek do tworzenia ekstatycznych, wyrazistych obrazów. Nieprzypadkowo w najbardziej awangardowych pod względem technicznym utworach podkreślany jest także najszczerszy liryzm (w miękkiej, „osłabionej”, jak mówi sam kompozytor, muzyce poprzez seryjne partie 2 I Symfonii) i rodzą się głębokie koncepcje filozoficzne, które doprowadzą do najwyższej manifestacji Ducha w IV i V Symfonii. Tu rodzi się jedna z głównych cech stylistycznych twórczości Silvestrova – medytacja.

Początek nowego stylu – „prosty, melodyjny” – można nazwać „Medytacją” na wiolonczelę i orkiestrę kameralną (1972). Stąd zaczynają się ciągłe refleksje o czasie, o osobowości, o Kosmosie. Są obecne niemal we wszystkich kolejnych kompozycjach Silvestrova (IV (1976) i V (1982) symfoniach, „Ciche pieśni” (1977), Kantacie na chór a cappella na stacji T. Szewczenko (1976), „Muzyka leśna” na stacji G. Aigi (1978), „Simple Songs” (1981), Cztery piosenki na stacji O. Mandelstama). Długie wsłuchiwanie się w ruch czasu, dbałość o najdrobniejsze szczegóły, które nieustannie narastając, jakby opadając na siebie, tworzą makroformę, wyprowadza muzykę poza dźwięk, zamieniając ją w jedną przestrzenno-czasową całość. Niekończąca się kadencja to jeden ze sposobów tworzenia muzyki „czekającej”, gdy w pozornie monotonnej, falującej statyce kryje się ogromne wewnętrzne napięcie. W tym sensie V Symfonię można porównać z twórczością Andrieja Tarkowskiego, gdzie statyczne na zewnątrz ujęcia tworzą super napiętą dynamikę wewnętrzną, budzącą ludzką duszę. Podobnie jak taśmy Tarkowskiego, muzyka Sylwestrowa adresowana jest do elity ludzkości, jeśli przez elitaryzm naprawdę rozumie się w człowieku to, co najlepsze – zdolność głębokiego odczuwania i reagowania na ból i cierpienie człowieka i człowieczeństwa.

Spektrum gatunkowe twórczości Silvestrova jest dość szerokie. Ciągle pociąga go słowo, najwyższa poezja, która wymaga najdoskonalszego wglądu serca dla odpowiedniego odtwarzania muzycznego: A. Puszkin, M. Lermontow, F. Tiutczew, T. Szewczenko, E. Baratynsky, P. Shelley, J. Keats, O. Mandelstam. To właśnie w gatunkach wokalnych dar Melodysty Sylwestrowa objawił się z największą siłą.

W twórczości kompozytora szczególne miejsce zajmuje utwór bardzo nieoczekiwany, w którym jednak wydaje się być skupione jego credo twórcze. To jest „Kitch Music” na fortepian (1977). W przypisie autor wyjaśnia znaczenie nazwy jako czegoś „słabego, odrzuconego, nieudanego” (czyli bliskiego słownikowej interpretacji tego pojęcia). Ale natychmiast odrzuca to wyjaśnienie, nadając mu nawet nostalgiczną interpretację: „Graj bardzo łagodnym, intymnym tonem, jakby delikatnie dotykając pamięci słuchacza, tak aby muzyka rozbrzmiewała w świadomości, tak jakby sama pamięć słuchacza śpiewała tę muzykę”. A światy Schumanna i Chopina, Brahmsa i Mahlera, nieśmiertelnych mieszkańców Czasu, które tak bardzo odczuwa Valentin Silvestrov, naprawdę wracają do pamięci.

Czas jest mądry. Wcześniej czy później zwraca każdemu to, na co zasługuje. W życiu Silvestrova było wiele rzeczy: absolutne niezrozumienie postaci „niemalkulturowych”, zupełne lekceważenie wydawnictw, a nawet wydalenie ze Związku Kompozytorów ZSRR. Ale była jeszcze jedna rzecz – uznanie wykonawców i słuchaczy w naszym kraju i za granicą. Silvestrov – laureat Nagrody. S. Koussevitzky'ego (USA, 1967) oraz Międzynarodowy Konkurs Młodych Kompozytorów „Gaudeamus” (Holandia, 1970). Bezkompromisowość, krystalicznie czysta uczciwość, szczerość i czystość, pomnożone przez duży talent i ogromną kulturę wewnętrzną – to wszystko daje powód, by w przyszłości oczekiwać znaczących i mądrych kreacji.

S. Filsteina