Analiza utworu na podstawie literatury muzycznej

W ostatnim artykule rozmawialiśmy o tym, jak rozebrać sztuki na części przed zabraniem ich do pracy na zajęciach specjalistycznych. Link do tego materiału znajduje się na końcu tego wpisu. Dziś także skupimy się na analizie utworu muzycznego, ale będziemy przygotowywać się jedynie do lekcji literatury muzycznej.

Najpierw podkreślmy kilka ogólnych, podstawowych punktów, a następnie rozważmy cechy analizy niektórych rodzajów dzieł muzycznych – na przykład opery, symfonii, cyklu wokalnego itp.

Zatem za każdym razem, gdy analizujemy utwór muzyczny, musimy przygotować odpowiedzi przynajmniej na następujące punkty:

• dokładny pełny tytuł utworu muzycznego (plus tutaj: czy istnieje program w formie tytułu lub objaśnienia literackiego?);
• nazwiska autorów muzyki (kompozytor może być jeden, a w przypadku utworu zbiorowego może być ich kilku);
• nazwiska autorów tekstów (w operach często nad libretto pracuje kilka osób jednocześnie, czasem autorem tekstu może być sam kompozytor);
• w jakim gatunku muzycznym napisano utwór (czy jest to opera, balet, symfonia czy co?);
• miejsce tego dzieła w skali całej twórczości kompozytora (czy autor ma na swoim koncie inne dzieła z tego samego gatunku i jak dane dzieło ma się do tych innych – może jest nowatorskie, a może stanowi szczyt twórczości?) ;
• czy utwór ten opiera się na jakimkolwiek pierwotnym źródle pozamuzycznym (np. został napisany na podstawie fabuły książki, wiersza, obrazu, inspirowany jakimiś wydarzeniami historycznymi itp.);
• ile części znajduje się w dziele i jak każda część jest zbudowana;
• wykonanie utworu (na jakie instrumenty lub głosy został napisany – na orkiestrę, na zespół, na klarnet solo, na głos i fortepian itp.);
• główne obrazy muzyczne (lub postacie, bohaterowie) i ich tematyka (oczywiście muzyczna).

 Przejdźmy teraz do cech związanych z analizą dzieł muzycznych określonych typów. Aby nie rozpisywać się za bardzo, skupimy się na dwóch przypadkach – operze i symfonii.

Cechy analizy opery

Opera jest dziełem teatralnym, dlatego w dużej mierze podlega prawom sceny teatralnej. Opera prawie zawsze ma fabułę i przynajmniej minimalną ilość akcji dramatycznej (czasami nie minimalną, ale bardzo przyzwoitą). Opera wystawiana jest jako spektakl, w którym występują postacie; Sam spektakl podzielony jest na akcje, obrazy i sceny.

Analizując kompozycję operową, należy wziąć pod uwagę kilka rzeczy:

1. powiązanie libretta opery ze źródłem literackim (jeśli takie istnieje) – czasami są one odmienne i to dość mocno, a czasami tekst źródła zostaje włączony do opery w niezmienionej całości lub we fragmentach;
2. podział na akcje i obrazy (ilość obu), obecność takich części jak prolog czy epilog;
3. strukturę każdego aktu – dominują tradycyjne formy operowe (aria, duety, chóry itp.), gdyż liczby następują po sobie lub akty i sceny przedstawiają sceny od końca do końca, których w zasadzie nie można podzielić na osobne liczby ;
4. bohaterowie i ich śpiewające głosy – to po prostu trzeba wiedzieć;
5. jak ujawniają się wizerunki głównych bohaterów – gdzie, w jakich akcjach i obrazach uczestniczą, co śpiewają, jak są przedstawiani muzycznie;
6. podstawa dramaturgiczna opery – gdzie i jak rozpoczyna się fabuła, jakie są etapy rozwoju, w jakiej akcji i jak następuje zakończenie;
7. numery orkiestrowe opery – czy jest uwertura lub wstęp, a także przerwy, intermezza i inne orkiestrowe epizody czysto instrumentalne – jaką rolę pełnią (często są to obrazy muzyczne wprowadzające akcję – np. pejzaż muzyczny, zdjęcie świąteczne, marsz żołnierski, pogrzebowy itp.);
8. jaką rolę pełni chór w operze (np. czy komentuje akcję, czy pojawia się jedynie w celu ukazania codziennego życia, czy też artyści chóru wypowiadają swoje ważne wersety, które w ogromnym stopniu wpływają na ogólny wynik akcji) , albo chór ciągle coś chwali, albo sceny chóralne w ogóle w żadnej operze itp.);
9. czy w operze występują numery taneczne – w jakich działaniach i jaki jest powód wprowadzenia baletu do opery;
10. Czy w operze istnieją motywy przewodnie – czym są i czym charakteryzują (jakiś bohater, jakiś przedmiot, jakieś uczucie lub stan, jakieś zjawisko naturalne czy coś innego?).

 Nie jest to pełna lista tego, co należy ustalić, aby analiza utworu muzycznego w tym przypadku była kompletna. Gdzie znajdziesz odpowiedzi na te wszystkie pytania? Przede wszystkim w clavier opery, czyli w jej tekście muzycznym. Po drugie, można przeczytać krótkie streszczenie libretta opery, a po trzecie, można po prostu wiele się dowiedzieć z książek – czytaj podręczniki o literaturze muzycznej!

Cechy analizy symfonicznej

Pod pewnymi względami symfonię łatwiej zrozumieć niż operę. Tutaj materiału muzycznego jest znacznie mniej (opera trwa 2-3 godziny, a symfonia 20-50 minut), nie ma też bohaterów z ich licznymi motywami przewodnimi, których trzeba jeszcze spróbować rozróżnić. Ale analiza symfonicznych dzieł muzycznych nadal ma swoje własne cechy.

Zazwyczaj symfonia składa się z czterech części. Istnieją dwie możliwości kolejności części cyklu symfonicznego: według typu klasycznego i według typu romantycznego. Różnią się one położeniem części wolnej i tzw. części gatunkowej (w symfoniach klasycznych jest menuet lub scherzo, w symfoniach romantycznych scherzo, czasem walc). Spójrz na diagram:

Typowe formy muzyczne dla każdej z tych części zaznaczono na schemacie w nawiasach. Ponieważ do pełnej analizy utworu muzycznego konieczne jest określenie jego formy, przeczytaj artykuł „Podstawowe formy dzieł muzycznych”, którego informacje powinny ci w tym pomóc.

Czasem liczba części może być różna (np. 5 części w „Fantastastycznej” Symfonii Berlioza, 3 części w „Boskim poemacie” Skriabina, 2 części w „Niedokończonej” Symfonii Schuberta, zdarzają się też symfonie jednoczęściowe – np. XXI Symfonia Miaskowskiego). Są to oczywiście cykle niestandardowe i zmiana w liczbie zawartych w nich części spowodowana jest pewnymi cechami zamysłu artystycznego kompozytora (np. treścią programową).

Co jest ważne przy analizie symfonii:

1. określić rodzaj cyklu symfonicznego (klasyczny, romantyczny lub coś wyjątkowego);
2. określić tonację główną symfonii (dla części pierwszej) i tonację każdej części oddzielnie;
3. scharakteryzować treść figuratywną i muzyczną każdego z głównych tematów dzieła;
4. określić kształt każdej części;
5. w formie sonatowej, określ tonację części głównej i wtórnej w ekspozycji i repryzie oraz poszukaj różnic w brzmieniu tych partii w tych samych odcinkach (np. partia główna może zmienić swój wygląd nie do poznania przez czas powtórki lub może w ogóle się nie zmienić);
6. znaleźć i umieć wskazać powiązania tematyczne pomiędzy częściami, jeśli takie istnieją (czy są motywy, które przechodzą z jednej części do drugiej, jak się zmieniają?);
7. przeanalizuj orkiestrację (które barwy są wiodące – smyczki, instrumenty dęte drewniane czy instrumenty dęte blaszane?);
8. określić rolę poszczególnych części w rozwoju całego cyklu (która część jest najbardziej dramatyczna, która część przedstawiona jest w formie tekstu lub refleksji, w których następuje odwrócenie uwagi na inne tematy, jaki wniosek zostaje podsumowany na końcu? );
9. jeśli utwór zawiera cytaty muzyczne, określ, jakiego rodzaju są to cytaty; itp.

 Oczywiście tę listę można ciągnąć w nieskończoność. Trzeba umieć opowiedzieć o pracy, mając chociaż najprostsze, podstawowe informacje – lepsze to niż nic. A najważniejszym zadaniem, jakie powinieneś sobie postawić, niezależnie od tego, czy zamierzasz dokonać szczegółowej analizy utworu muzycznego, czy nie, jest bezpośrednie zapoznanie się z muzyką.

Na zakończenie, zgodnie z obietnicą, podajemy link do poprzedniego materiału, w którym mówiliśmy o analizie wydajności. Ten artykuł to „Analiza dzieł muzycznych według specjalności”