Annie Fischer |

Annie Fiszer

Nazwisko to jest znane i cenione w naszym kraju, a także w wielu krajach różnych kontynentów – wszędzie tam, gdzie węgierska artystka bywała, gdzie odtwarzane są liczne płyty z jej nagraniami. Wymawiając to imię, melomani pamiętają ten szczególny urok tkwiący w nim samym, tę głębię i pasję doznań, tę wysoką intensywność myśli, jaką wkłada w swoją grę. Przywołują na myśl szlachetną poezję i bezpośredniość uczucia, niesamowitą umiejętność prostego, bez zewnętrznej afektacji osiągnięcia rzadkiej wyrazistości wykonania. Wreszcie przywołują niezwykłą determinację, dynamiczną energię, męską siłę – właśnie męską, bo osławione określenie „kobieca gra” w odniesieniu do niej jest absolutnie nie na miejscu. Tak, spotkania z Annie Fischer naprawdę na długo pozostają w mojej pamięci. Bo w jej oczach nie jesteśmy tylko artystami, ale jedną z najjaśniejszych osobowości współczesnej sztuki performatywnej.

Umiejętności pianistyczne Annie Fischer są nienaganne. Jego znakiem rozpoznawczym jest nie tylko i nie tyle doskonałość techniczna, co umiejętność artystki łatwego urzeczywistniania swoich pomysłów w dźwiękach. Precyzyjne, zawsze dopasowane tempo, wyczucie rytmu, zrozumienie wewnętrznej dynamiki i logiki rozwoju muzyki, umiejętność „rzeźbienia formy” wykonywanego utworu – to atuty tkwiące w nim w pełni . Dodajmy tutaj pełnokrwiste, „otwarte” brzmienie, które niejako podkreśla prostotę i naturalność jej stylu wykonawczego, bogactwo przejść dynamicznych, blask barwy, miękkość dotyku i pedałowania…

Powiedziawszy to wszystko, nie doszliśmy jeszcze do głównego wyróżnika sztuki pianistki, do jej estetyki. Przy całej różnorodności interpretacji łączy je mocny, afirmujący życie, optymistyczny ton. Nie oznacza to, że Annie Fischer obcy jest dramatyzm, ostre konflikty, głębokie uczucia. Wręcz przeciwnie, to w muzyce, pełnej romantycznego entuzjazmu i wielkich namiętności, ujawnia się w pełni jej talent. Ale jednocześnie w grze artystki niezmiennie obecna jest aktywna, uparta, organizująca zasada, rodzaj „pozytywnego ładunku”, który niesie ze sobą jej indywidualność.

Repertuar Annie Fischer nie jest zbyt szeroki, sądząc po nazwiskach kompozytorów. Ogranicza się niemal wyłącznie do dzieł klasycznych i romantycznych. Wyjątkiem są może tylko nieliczne kompozycje Debussy'ego i muzyka jej rodaka Beli Bartoka (Fischer był jednym z pierwszych wykonawców jego III Koncertu). Ale z drugiej strony w wybranej przez siebie sferze gra wszystko lub prawie wszystko. Szczególnie odnosi sukcesy w kompozycjach wielkoformatowych – koncertach, sonatach, cyklach wariacyjnych. Skrajna ekspresja, intensywność doznań, osiągnięta bez cienia sentymentalizmu czy manieryzmu, odznaczała się w jej interpretacji klasyków – Haydna i Mozarta. Nie ma tu ani jednej krawędzi muzeum, stylizacji „pod epokę”: wszystko jest pełne życia, a jednocześnie starannie przemyślane, wyważone, powściągliwe. Głęboko filozoficzny Schubert i wzniosły Brahms, łagodny Mendelssohn i bohaterski Chopin stanowią ważną część jej programów. Ale najwyższe osiągnięcia artysty związane są z interpretacją dzieł Liszta i Schumanna. Każdy, kto zna jej interpretację koncertu fortepianowego, Karnawału i Etiud symfonicznych Schumanna czy Sonaty h-moll Liszta, nie może wyjść z podziwu dla rozmachu i rozedrgania jej gry. W ostatniej dekadzie do tych nazwisk dołączyło jeszcze jedno nazwisko – Beethoven. W latach 70. jego muzyka zajmuje szczególnie ważne miejsce na koncertach Fischer, a jej interpretacja wielkich obrazów wiedeńskiego giganta staje się głębsza i mocniejsza. „Jej wykonanie Beethovena pod względem klarowności pojęć i perswazyjności przekazu muzycznego dramatu jest takie, że od razu chwyta i zniewala słuchacza” – pisał austriacki muzykolog X. Wirth. A magazyn Music and Music odnotował po koncercie artystki w Londynie: „Jej interpretacje motywowane są najwyższymi ideami muzycznymi, a ten szczególny rodzaj życia emocjonalnego, który demonstruje na przykład w adagio z Pathetique czy Moonlight Sonata, wydaje się wyprzedzić o kilka lat świetlnych dzisiejszych „ciągników” notatek.

Kariera artystyczna Fischera rozpoczęła się jednak od Beethovena. Zaczęła w Budapeszcie, gdy miała zaledwie osiem lat. W 1922 roku dziewczyna po raz pierwszy pojawiła się na scenie, wykonując I Koncert Beethovena. Została zauważona, miała okazję uczyć się pod okiem znanych nauczycieli. W Akademii Muzycznej jej mentorami byli Arnold Szekely oraz wybitny kompozytor i pianista Jerno Donany. Od 1926 roku Fischer prowadzi stałą działalność koncertową, w tym samym roku odbyła swój pierwszy wyjazd poza Węgry – do Zurychu, co zapoczątkowało międzynarodowe uznanie. Zwycięstwo na I Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym w Budapeszcie im. F. Liszta (1933) ugruntowało jego zwycięstwo. W tym samym czasie Annie po raz pierwszy usłyszała muzyków, którzy wywarli na niej niezatarte wrażenie i wpłynęli na jej rozwój artystyczny – S. Rachmaninowa i E. Fischera.

W czasie II wojny światowej Annie Fischer udało się uciec do Szwecji, a wkrótce po wypędzeniu nazistów wróciła do ojczyzny. W tym samym czasie podjęła pracę pedagogiczną w Wyższej Szkole Muzycznej im. Liszta, uzyskując w 1965 r. tytuł profesora. Jej działalność koncertowa w okresie powojennym miała niezwykle szeroki zasięg i przyniosła jej miłość publiczności oraz liczne wyróżnienia. Trzykrotnie – w 1949, 1955 i 1965 – została uhonorowana Nagrodą im. Kossutha. A poza granicami swojej ojczyzny słusznie nazywana jest ambasadorką sztuki węgierskiej.

… Wiosną 1948 roku Annie Fischer po raz pierwszy przyjechała do naszego kraju w grupie artystów z bratnich Węgier. Początkowo występy członków tej grupy odbywały się w studiach Domu Radiofonii i Rejestracji Dźwięku. To tam Annie Fischer wykonała jeden z „koronnych numerów” swojego repertuaru – Koncert Schumanna. Wszyscy, którzy byli na sali lub słyszeli występ w radiu, byli zachwyceni kunsztem i duchowym uniesieniem gry. Następnie została zaproszona do wzięcia udziału w koncercie na scenie Sali Kolumnowej. Publiczność zgotowała jej długą, gorącą owację, grała raz po raz – Beethovena, Schuberta, Chopina, Liszta, Mendelssohna, Bartoka. W ten sposób rozpoczęła się znajomość radzieckiej publiczności ze sztuką Annie Fischer, znajomość, która zapoczątkowała długą i trwałą przyjaźń. W 1949 roku dała już solowy koncert w Moskwie, a potem występowała niezliczoną ilość razy, wykonując dziesiątki różnych utworów w różnych miastach naszego kraju.

Twórczość Annie Fischer przyciągnęła od tego czasu baczną uwagę sowieckich krytyków, została dokładnie przeanalizowana na łamach naszej prasy przez czołowych ekspertów. Każdy z nich znalazł w swojej grze najbliższe mu, najatrakcyjniejsze cechy. Jedni podkreślali bogactwo palety dźwiękowej, inni pasję i siłę, jeszcze inni ciepło i serdeczność jej sztuki. To prawda, że ​​​​podziw tutaj nie był bezwarunkowy. Na przykład D. Rabinowicz, wysoko oceniając jej wykonanie Haydna, Mozarta, Beethovena, nieoczekiwanie próbował podważyć jej reputację schumanisty, wyrażając opinię, że jej gra „nie ma prawdziwie romantycznej głębi”, że „jej podniecenie jest czysto zewnętrzne”, a skala miejscami staje się celem samym w sobie. Na tej podstawie krytyk wywnioskował o dwoistości sztuki Fischera: obok klasycyzmu tkwi w niej także liryzm i marzycielstwo. Czcigodny muzykolog scharakteryzował więc artystę jako przedstawiciela „nurtu antyromantycznego”. Wydaje się jednak, że jest to raczej terminologiczny, abstrakcyjny spór, bo sztuka Fischera jest w istocie tak pełnokrwista, że ​​po prostu nie mieści się w prokrustowym łożu określonego kierunku. I można tylko zgodzić się z opinią innego znawcy wykonawstwa fortepianowego K. Adzhemov, który namalował następujący portret węgierskiego pianisty: „Sztuka Annie Fischer, z natury romantyczna, jest głęboko oryginalna i jednocześnie związana z tradycjami datowany na F. Liszta. Jej realizacji obca jest spekulatywność, choć jej podstawą jest dogłębnie i wszechstronnie przestudiowany autorski tekst. Pianistyka Fischera jest wszechstronna i doskonale rozwinięta. Równie imponująca jest przegubowa technika fine i akordowa. Pianista jeszcze przed dotknięciem klawiatury wyczuwa obraz dźwiękowy, a następnie jakby rzeźbiąc dźwięk, osiąga wyraziste zróżnicowanie barwowe. Bezpośrednio z wyczuciem reaguje na każdą znaczącą intonację, modulację, zmianę rytmu oddychania, a poszczególne jego interpretacje są nierozerwalnie związane z całością. W wykonaniu A. Fischera przyciąga zarówno ujmująca kantylena, jak i oratoryjne uniesienie i patos. Talent artysty przejawia się ze szczególną siłą w kompozycjach nasyconych patosem wielkich uczuć. W jej interpretacji ujawnia się najgłębsza istota muzyki. Dlatego te same kompozycje w niej za każdym razem brzmią w nowy sposób. I to jest jeden z powodów niecierpliwości, z jaką oczekujemy nowych spotkań z jej sztuką.

Te słowa, wypowiedziane na początku lat 70., pozostają aktualne do dziś.

Annie Fischer kategorycznie odmówiła wydania nagrań dokonanych podczas jej koncertów, powołując się na ich niedoskonałość. Z drugiej strony nie chciała też nagrywać w studiu, tłumacząc, że jakakolwiek interpretacja stworzona pod nieobecność żywej publiczności byłaby nieuchronnie sztuczna. Jednak od 1977 roku spędziła 15 lat pracując w studiach, pracując nad nagraniem wszystkich sonat Beethovena, cyklu, który nigdy nie został jej wydany za życia. Jednak po śmierci Annie Fischer wiele fragmentów tego utworu stało się dostępnych dla słuchaczy i spotkało się z dużym uznaniem koneserów muzyki klasycznej.

Grigoriev L., Płatek Ja., 1990