Koncert |

niemiecki Konzert, z włoskiego. koncert – koncert, lit. – konkurs (głosy), od łac. koncert – konkurować

Utwór dla wielu wykonawców, w którym mniejsza część uczestniczących instrumentów lub głosów przeciwstawia się większości z nich lub całemu zespołowi, wyróżniając się tematyką. ulga muzyki. materiałowy, barwny dźwięk, wykorzystujący wszystkie możliwości instrumentów lub głosów. Od końca XVIII w. najczęściej występują koncerty na jeden instrument solowy z orkiestrą; Rzadziej spotyka się koncerty na kilka instrumentów z orkiestrą – „podwójne”, „potrójne”, „czwórne” (niem. Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Odmiany specjalne to k. na jeden instrument (bez orkiestry), k. na orkiestrę (bez ściśle określonych partii solowych), k. na głos (głosy) z orkiestrą, k.br. na chór a cappella. W przeszłości szeroko reprezentowana była muzyka wokalno-polifoniczna. K. i Concerto grosso. Ważnymi przesłankami powstania K. były wielochór i porównanie chórów, solistów i instrumentów, z których po raz pierwszy szeroko korzystali przedstawiciele szkoły weneckiej, przydział wok.-instr. kompozycje partii solowych głosów i instrumentów. Najwcześniejsze k. powstała we Włoszech na przełomie XVI i XVII wieku. wok. kościół polifoniczny. muzyka (Concerti ecclesiastici na podwójny chór A. Banchieri, 18; Motety na 16-17 głosy z cyfrowym basem „Cento concerti ecclesiastici” L. Viadana, 1595-1). Na takich koncertach różne kompozycje – od dużych, w tym liczne. wok. i instr. imprezy, do liczby tylko kilka woków. partie i część generała basu. Oprócz nazwy concerto kompozycje tego samego typu często nosiły nazwy motetti, motectae, cantios sacrae i inne. Najwyższy etap w rozwoju kościoła wok. K. polifoniczny. styl reprezentuje powstały na 4 piętrze. XVIII-wieczne kantaty JS Bacha, do których on sam nazwał koncerty.

Gatunek K. znalazł szerokie zastosowanie w języku rosyjskim. muzyka kościelna (z końca XVII w.) – w utworach polifonicznych na chór a cappella, związanych z dziedziną śpiewu partes. Teorię „tworzenia” takich kryształów opracował NP Diletsky. Rus. Kompozytorzy bardzo rozwinęli technikę polifoniczną dzwonów kościelnych (utwory na 17, 4, 6, 8 i więcej głosów, do 12 głosów). W bibliotece Chóru Synodalnego w Moskwie znajdowało się do 24 K. z XVII-XVIII wieku, napisali V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin i inni. Rozwój koncertu kościelnego kontynuowano pod koniec XVIII wieku. MS Berezovsky i DS Bortnyansky, w których dominuje styl melodyczno-arjotyczny.

W XVII wieku, pierwotnie we Włoszech, zasada „konkurencji”, „konkurencji” kilku głosów solowych („koncertowych”) przenika instr. muzyka – w apartamencie i kościele. sonata, przygotowująca pojawienie się gatunku kina instrumentalnego (Baletto concertata P. Melli, 17; Sonata koncertująca D. Castello, 1616). Kontrastowe zestawienie („konkurencja”) orkiestry (tutti) i solistów (solo) lub zespołu instrumentów solowych i orkiestry (w concerto grosso) jest podstawą tych, które pojawiły się pod koniec XVII wieku. pierwsze przykłady instrumentalnego K. (Concerti da camera a 1629 con il cembalo G. Bononcini, 17; Concerto da camera a 3 violini e Basso continuo G. Torelli, 1685). Koncerty Bononchiniego i Torellego były jednak tylko formą przejściową od sonaty do K., która faktycznie rozwinęła się w I piętro. XVIII wiek w twórczości A. Vivaldiego. K. tego czasu był kompozycją trzyczęściową z dwiema szybkimi skrajnymi częściami i wolną częścią środkową. Części szybkie opierały się zwykle na jednym temacie (rzadko na 2 tematach); temat ten został zagrany w orkiestrze niezmieniony jako refren-ritornello (monotemiczne allegro typu rondal). Vivaldi stworzył zarówno concerti grossi, jak i solowe koncerty na skrzypce, wiolonczelę, viol d'amour i różne alkohole. narzędzia. Partia instrumentu solowego w koncertach solowych pełniła początkowo głównie funkcje wiążące, ale w miarę rozwoju gatunku nabierała coraz bardziej wyrazistego charakteru koncertowego i tematycznego. niezależność. Rozwój muzyki opierał się na opozycji tutti i solo, których kontrasty podkreślała dynamika. oznacza. Dominowała figuratywna faktura płynnego ruchu czysto homofonicznego lub polifonicznego magazynu. Koncerty solisty miały z reguły charakter wirtuozerii ornamentalnej. Część środkowa została napisana w stylu ariose (najczęściej żałosna aria solisty na tle akordowego akompaniamentu orkiestry). Ten typ K. otrzymał na I piętrze. Powszechna dystrybucja w XVIII wieku. Należą do niego także koncerty Claviera autorstwa JS Bacha (niektóre z nich to aranżacje jego własnych koncertów skrzypcowych oraz koncertów skrzypcowych Vivaldiego na 1686, 1 i 18 klawisze). Te utwory JS Bacha oraz K. na clavier i orkiestrę GF Haendla zapoczątkowały rozwój fortepianu. koncert. Haendel jest także przodkiem organów k. Jako instrumenty solowe, oprócz skrzypiec i clavier, wykorzystano wiolonczelę, viol d'amour, obój (często zastępujący skrzypce), trąbkę, fagot, flet poprzeczny itp.

Na 2 piętrze. XVIII wiek utworzył klasykę typu solowego instrumentalnego k., wyraźnie skrystalizowanego w klasyce wiedeńskiej.

U K. ustalono formę symfonii sonatowej. cyklu, ale w osobliwym załamaniu. Cykl koncertowy składał się z reguły tylko z 3 części; brakowało w nim III części pełnego, czteroczęściowego cyklu, czyli menueta lub (później) scherza (później scherzo bywa zawarte w K. – zamiast części wolnej, jak np. , w I K. na skrzypce i orkiestrę Prokofiewa lub w ramach pełnego czteroczęściowego cyklu, jak np. w koncertach na fortepian i orkiestrę A. Litolfa, I. Brahmsa, I K. na skrzypce i orkiestrę Szostakowicz). Pewne cechy ustalono także w konstrukcji poszczególnych partii K. W części I zastosowano zasadę podwójnej ekspozycji – początkowo w orkiestrze w głównej części zabrzmiały tematy partii głównej i bocznej. tonacje, a dopiero potem w II ekspozycji zaprezentowano im wiodącą rolę solisty – temat główny w tej samej tonacji. tonalność, a z jednej strony w drugą, nawiązującą do schematu allegra sonatowego. Porównanie, rywalizacja między solistą a orkiestrą odbywała się głównie w fazie rozwoju. W porównaniu z przedklasycznymi samplami istotnie zmieniła się sama zasada wykonania koncertowego, krój stał się ściślej związany z tematyką. rozwój. K. przewidział improwizację solisty na tematy kompozycji, tzw. cadenza, która znajdowała się na przejściu do kodu. U Mozarta faktura K., pozostająca w przeważającej mierze figuratywna, jest melodyjna, przejrzysta, plastyczna, u Beethovena przepełniona napięciem, zgodnie z ogólną dramatyzacją stylu. Zarówno Mozart, jak i Beethoven unikają klisz w konstrukcji swoich obrazów, często odchodząc od opisanej powyżej zasady podwójnej ekspozycji. Koncerty Mozarta i Beethovena stanowią najwyższe szczyty rozwoju tego gatunku.

W dobie romantyzmu następuje odejście od klasyki. stosunek części w k. Romantycy stworzyli jednoczęściową k. dwóch rodzajów: mała forma – tzw. utwór koncertowy (zwany później także concertino) oraz duża forma, odpowiadająca w budowie poematowi symfonicznemu, w jednej części tłumacząca cechy czteroczęściowego cyklu sonatowo-symfonicznego. W klasycznej intonacji K. i tematycznej. powiązania między częściami z reguły były nieobecne w romantyzmie. K. najważniejszego znaczenia nabrała monotematyzm, powiązania motywów przewodnich, zasada „przez rozwój”. Żywe przykłady romantyzmu. poetycka jednoczęściowa K. została stworzona przez F. Liszta. Romantyczny. roszczenie na 1 piętrze. XIX wiek rozwinął szczególny rodzaj barwnej i dekoracyjnej wirtuozerii, która stała się cechą stylistyczną całego nurtu romantyzmu (N. Paganini, F. Liszt i in.).

Po Beethovenie były dwie odmiany (dwa typy) K. – „wirtuozowski” i „symfonizowany”. W wirtuoz K. instr. wirtuozeria i wykonawstwo koncertowe stanowią podstawę rozwoju muzyki; na pierwszym planie nie jest tematyczny. rozwój i zasada kontrastu między kantyleną a ruchliwością, rozkład. rodzaje faktur, barwy itp. W wielu wirtuozów tematycznych K.. przekształcenie jest całkowicie nieobecne (koncerty skrzypcowe Viottiego, koncerty wiolonczelowe Romberga) lub zajmuje pozycję podrzędną (I część I Koncertu na skrzypce i orkiestrę Paganiniego). W symfonicznym K. rozwój muzyki opiera się na symfonii. dramaturgia, zasady tematyczne. rozwoju, na opozycji figuratywno-tematycznej. kule. Wprowadzenie dramaturgii symbolicznej u K. wynikało z jej zbieżności z symfonią w sensie figuratywnym, artystycznym, ideologicznym (koncerty I. Brahmsa). Oba typy K. różnią się dramaturgią. główne funkcje składowe: wirtuoz K. charakteryzuje się pełną hegemonią solisty i podrzędną (akompaniującą) rolą orkiestry; na K. symfoniczną – dramaturgia. działalność orkiestry (opracowaniem materiału tematycznego dokonuje wspólnie solista i orkiestra), prowadząca do względnego zrównania partii solisty i orkiestry. W symfonicznym K. wirtuozeria stała się środkiem dramatu. rozwój. Symfonizacja zawierała w sobie nawet tak specyficzny wirtuozowski element gatunku, jakim jest kadencja. Jeśli w wirtuozowskim K. kadencja była przeznaczona do pokazania technicznego. umiejętności solistki, w symfonii włączyła się w ogólny rozwój muzyki. Od czasów Beethovena sami kompozytorzy zaczęli pisać kadencje; w 1 fp. Koncertowa kadencja Beethovena staje się organiczna. część formy pracy.

Wyraźne rozróżnienie między k. wirtuozowskim a symfonicznym. nie zawsze jest możliwe. Rozpowszechnił się typ K., w którym cechy koncertowe i symfoniczne są w ścisłej jedności. Na przykład w koncertach F. Liszta, PI Czajkowskiego, AK Głazunowa, symfonicznego SV Rachmaninowa. dramaturgia łączy się z błyskotliwym, wirtuozowskim charakterem partii solowej. W XX wieku typowa dla koncertów SS Prokofiewa, B. Bartoka jest przewaga wykonawstwa wirtuozowskiego, symfonicznej. cechy te obserwuje się np. w I koncercie skrzypcowym Szostakowicza.

Mając znaczący wpływ na symfonię, symfonia z kolei była pod wpływem symfonii. Pod koniec XIX wieku. powstała specjalna „koncertowa” odmiana symfonizmu, prezentowana przez utwór. R. Strauss („Don Kichot”), NA Rimsky-Korsakov („Hiszpański Capriccio”). W XX wieku pojawiło się też sporo koncertów na orkiestrę opartych na zasadzie wykonania koncertowego (np. w muzyce radzieckiej azerbejdżańskiego kompozytora S. Gadzhibekova, estońskiego kompozytora J. Riaetsa i innych).

Praktycznie K. są tworzone dla całej Europy. instrumenty – fortepian, skrzypce, wiolonczela, altówka, kontrabas, instrumenty dęte drewniane i blaszane. RM Gliere jest właścicielem bardzo popularnego K. na głos i orkiestrę. Sowy. kompozytorzy pisali K. dla nar. instrumenty – bałałajka, domra (KP Barchunova i in.), ormiańska smoła (G. Mirzoyan), łotewski kokle (J. Medin) itp. W sowie gatunek muzyki K. stał się rozpowszechniony w dekompresji. typowe formy i jest szeroko reprezentowana w twórczości wielu kompozytorów (SS Prokofiew, DD Szostakowicz, AI Chaczaturian, DB Kabalewski, N. Ya Myaskovsky, TN Chrennikow, SF Tsintsadze i inni).

Referencje: Orłow GA, Radziecki Koncert fortepianowy, L., 1954; Khokhlov Yu., Radziecki Koncert skrzypcowy, M., 1956; Alekseev A., Koncertowe i kameralne gatunki muzyki instrumentalnej, w książce: Historia rosyjskiej muzyki sowieckiej, t. 1, M., 1956, s. 267-97; Raaben L., Radziecki Koncert instrumentalny, L., 1967.

LH Raaben