Gija Kanczeli |

Gija Kanczeli

Wielki talent muzyczny, który zajmuje absolutnie oryginalną pozycję na arenie międzynarodowej. L. Nono

Asceta o temperamencie maksymalisty, z powściągliwością ukrytego Wezuwiusza. R. Szczedrin

Mistrz, który wie, jak powiedzieć coś nowego za pomocą najprostszych środków, których nie można pomylić z niczym, może nawet wyjątkowym. W. Wilk

Oryginalność muzyki G. Kanczeli, któremu dedykowane są powyższe wersy, łączy się z najwyższą otwartością stylu z jego najściślejszą selektywnością, ziemią narodową z uniwersalnym znaczeniem idei artystycznych, burzliwym życiem emocji z wzniosłością ich ekspresja, prostota z głębią i dostępność z ekscytującą nowością. Takie zestawienie wydaje się paradoksalne tylko w werbalnym przekazie, podczas gdy sama formacja muzyki gruzińskiego autora jest zawsze organiczna, z natury spajana żywą, śpiewną intonacją. Jest to artystycznie integralne odzwierciedlenie współczesnego świata w jego złożonej dysharmonii.

Biografia kompozytora nie jest zbyt bogata w wydarzenia zewnętrzne. Dorastał w Tbilisi, w rodzinie lekarza. Tu ukończył siedmioletnią szkołę muzyczną, następnie wydział geologiczny uczelni, a dopiero w 1963 roku konserwatorium w klasie kompozycji I. Tuskiego. Już w latach studenckich muzyka Kanczelego znajdowała się w centrum krytycznych dyskusji, które nie ustały, dopóki kompozytor nie otrzymał w 1976 r. Nagrody Państwowej ZSRR, a następnie rozbłysły z nową energią. Co prawda, o ile początkowo zarzucano Kanczelimowi eklektyzm, niewystarczająco żywe wyrażanie własnej indywidualności i ducha narodowego, to później, gdy styl autora ukształtował się w pełni, zaczęto mówić o samopowtarzaniu. Tymczasem już pierwsze utwory kompozytora ujawniały „własne rozumienie muzycznego czasu i przestrzeni muzycznej” (R. Szczedrin), a następnie z godną pozazdroszczenia wytrwałością podążał obraną drogą, nie dając się zatrzymać ani spocząć na tym, co osiągnął. . W każdym kolejnym utworze Kanczeli, zgodnie ze swoim wyznaniem, stara się „znaleźć dla siebie przynajmniej jeden krok w górę, a nie w dół”. Dlatego pracuje powoli, kończąc jedną pracę kilka lat, a rękopis zwykle kontynuuje nawet po premierze, aż do publikacji lub nagrania na płycie.

Ale wśród nielicznych prac Kanczelego nie można znaleźć eksperymentalnych, przemijających, a co dopiero nieudanych. Wybitny gruziński muzykolog G. Ordzhonikidze przyrównał swoją pracę do „wspinania się po jednej górze: z każdej wysokości horyzont jest rzucany dalej, odsłaniając wcześniej niewidoczne odległości i pozwalając zajrzeć w głąb ludzkiej egzystencji”. Urodzony tekściarz Kancheli wznosi się przez obiektywną równowagę eposu do tragedii, nie tracąc przy tym szczerości i bezpośredniości lirycznej intonacji. Jego siedem symfonii to niejako siedem przeżytych na nowo żywotów, siedem rozdziałów eposu o odwiecznej walce dobra ze złem, o trudnym losie piękna. Każda symfonia to kompletna artystyczna całość. Różne obrazy, rozwiązania dramatyczne, a jednak wszystkie symfonie układają się w rodzaj makrocyklu z tragicznym prologiem (I – 1967) i „Epilogiem” (VII – 1986), które zdaniem autora podsumowują dużą scenę twórczą. W tym makrocyklu nagrodzona Nagrodą Państwową IV Symfonia (1975) jest zarówno pierwszym punktem kulminacyjnym, jak i zwiastunem punktu zwrotnego. Jej dwaj poprzedniczki inspirowane były poetyką gruzińskiego folkloru, przede wszystkim śpiewów kościelnych i obrzędowych, odkrytej na nowo w latach 60-tych. Druga symfonia o podtytule „Pieśni” (1970) to najjaśniejsze z dzieł Kanczelego, afirmujące harmonię człowieka z naturą i historią, nienaruszalność duchowych nakazów ludu. Trzeci (1973) jest niczym smukła świątynia ku chwale anonimowych geniuszy, twórców gruzińskiej polifonii chóralnej. Czwarta symfonia, dedykowana pamięci Michała Anioła, zachowując całokształt epickiej postawy poprzez cierpienie, dramatyzuje go refleksją nad losami artysty. Tytan, który w swojej pracy zerwał kajdany czasu i przestrzeni, ale w obliczu tragicznej egzystencji okazał się po ludzku bezsilny. V Symfonia (1978) dedykowana jest pamięci rodziców kompozytora. Tu, być może po raz pierwszy w Kanczeli, temat czasu, nieubłaganego i miłosiernego, ograniczającego ludzkie aspiracje i nadzieje, zabarwiony jest głęboko osobistym bólem. I choć wszystkie obrazy symfonii – zarówno żałobne, jak i desperacko protestujące – zatopią się lub rozpadną pod naporem nieznanej śmiertelnej siły, całość niesie uczucie katharsis. To smutek opłakany i pokonany. Po wykonaniu symfonii na festiwalu muzyki radzieckiej we francuskim mieście Tours (lipiec 1987) prasa nazwała ją „być może najciekawszym współczesnym dziełem do tej pory”. W VI Symfonii (1979-81) powraca epicki obraz wieczności, muzyczne tchnienie staje się szersze, kontrasty narastają. Nie wygładza to jednak, lecz zaostrza i uogólnia tragiczny konflikt. Triumfalny sukces symfonii na kilku renomowanych międzynarodowych festiwalach muzycznych był ułatwiony dzięki jej „super śmiałemu zakresowi konceptualnemu i wzruszającemu wrażeniu emocjonalnemu”.

Przybycie słynnego symfonisty do Opery w Tbilisi i wystawienie tu w 1984 roku „Muzyki dla żywych” było dla wielu zaskoczeniem. Jednak dla samego kompozytora była to naturalna kontynuacja wieloletniej i owocnej współpracy z dyrygentem J. Kakhidze, pierwszym wykonawcą wszystkich jego dzieł, oraz z dyrektorem Gruzińskiego Akademickiego Teatru Dramatycznego imienia. Cii. Rustaveli R. Sturua. Połączywszy swoje wysiłki na scenie operowej, mistrzowie ci zwrócili się także tutaj do ważnego, pilnego tematu – tematu zachowania życia na ziemi, skarbów światowej cywilizacji – i ucieleśnili go w nowatorskiej, wielkiej skali, emocjonującej formie. „Muzyka dla żywych” jest słusznie uznawana za wydarzenie w sowieckim teatrze muzycznym.

Zaraz po operze ukazało się drugie antywojenne dzieło Kanczeliego – „Jasny smutek” (1985) na solistów, chór dziecięcy i wielką orkiestrę symfoniczną do tekstów G. Tabidze, IV Goethego, V. Szekspira i A. Puszkina. Podobnie jak „Muzyka dla żywych”, ta praca jest dedykowana dzieciom – ale nie tym, którzy będą żyć po nas, ale niewinnym ofiarom II wojny światowej. Entuzjastycznie przyjęty już na premierze w Lipsku (podobnie jak VI Symfonia została napisana na zamówienie orkiestry Gewandhaus i wydawnictwa Peters), Bright Sorrow stał się jedną z najbardziej przenikliwych i wzniosłych stron radzieckiej muzyki lat 80-tych.

Ostatnia z ukończonych partytur kompozytora – „Opłakany przez wiatr” na altówkę solo i wielką orkiestrę symfoniczną (1988) – jest dedykowana pamięci Givi Ordzhonikidze. Utwór ten miał swoją premierę na Festiwalu w Berlinie Zachodnim w 1989 roku.

W połowie lat 60. Kancheli rozpoczyna współpracę z najważniejszymi reżyserami teatru dramatycznego i kina. Do tej pory napisał muzykę do ponad 40 filmów (głównie w reżyserii E. Shengelayi, G. Danelii, L. Gogoberidze, R. Czcheidze) i prawie 30 spektakli, z których zdecydowaną większość wystawił R. Sturua. Jednak sam kompozytor traktuje swoją twórczość w teatrze i kinie tylko jako część twórczości zbiorowej, która nie ma samodzielnego znaczenia. Dlatego żadna z jego piosenek, partytur teatralnych czy filmowych, nie została opublikowana ani nagrana na płycie.

N. Zeifasa