Jean-Philippe Rameau |

Jean-Philippe Rameau

(…) Trzeba go kochać z tym czułym szacunkiem, jaki zachowuje się w stosunku do przodków, trochę nieprzyjemnym, ale kto tak pięknie umiał mówić prawdę. C. Debussy'ego

Stając się sławny dopiero w dojrzałych latach, JF Rameau tak rzadko i oszczędnie wspominał swoje dzieciństwo i młodość, że nawet jego żona prawie nic o tym nie wiedziała. Tylko z dokumentów i fragmentarycznych wspomnień współczesnych możemy zrekonstruować drogę, która zaprowadziła go na paryski Olimp. Jego data urodzenia jest nieznana, a chrzest przyjął 25 września 1683 r. w Dijon. Ojciec Ramo pracował jako organista kościelny, a chłopiec otrzymał od niego pierwsze lekcje. Muzyka od razu stała się jego jedyną pasją. W wieku 18 lat wyjechał do Mediolanu, ale wkrótce wrócił do Francji, gdzie najpierw podróżował z zespołami wędrownymi jako skrzypek, a następnie pełnił funkcję organisty w wielu miastach: Avignon, Clermont-Ferrand, Paryż, Dijon, Montpellier , Lyon. Trwało to do 1722 roku, kiedy Rameau opublikował swoją pierwszą pracę teoretyczną, Traktat o harmonii. O traktacie i jego autorze dyskutowano w Paryżu, dokąd Rameau przeniósł się w 1722 lub na początku 1723 roku.

Głęboki i szczery człowiek, ale wcale nie świecki, Rameau zdobył zarówno zwolenników, jak i przeciwników wśród wybitnych umysłów Francji: Voltaire nazwał go „naszym Orfeuszem”, ale Rousseau, orędownik prostoty i naturalności w muzyce, ostro skrytykował Rameau za „ stypendium” i „ nadużycie symfonii ”(według A. Gretry wrogość Rousseau była spowodowana zbyt jasną recenzją jego opery„ Galant Muses ”). Decydując się na działalność na polu operowym dopiero w wieku prawie pięćdziesięciu lat, Rameau od 1733 r. stał się czołowym francuskim kompozytorem operowym, nie porzucając jednocześnie swojej działalności naukowej i pedagogicznej. W 1745 otrzymał tytuł kompozytora nadwornego, a na krótko przed śmiercią – szlachty. Jednak sukces nie skłonił go do zmiany niezależnego zachowania i wypowiedzenia się, dlatego Ramo był znany jako ekscentryczny i nietowarzyski. Gazeta metropolitalna w odpowiedzi na śmierć Rameau, „jednego z najsłynniejszych muzyków w Europie”, donosiła: „Zmarł z wytrzymałością. Różni księża nie mogli nic od niego wyciągnąć; potem pojawił się ksiądz… mówił długo tak, że chory… wykrzyknął z wściekłością: „Dlaczego do diabła przyszedłeś mi śpiewać, panie kapłanie? Masz fałszywy głos!”. Opery i balety Rameau stanowiły całą epokę w historii francuskiego teatru muzycznego. Jego pierwsza opera Samson do libretta Voltaire'a (1732) nie została wystawiona z powodu biblijnej historii. Od 1733 dzieła Rameau znajdują się na scenie Królewskiej Akademii Muzycznej, budząc podziw i kontrowersje. Związany ze sceną dworską Rameau zmuszony był sięgnąć do fabuł i gatunków odziedziczonych po JB Lully, ale interpretował je w nowy sposób. Wielbiciele Lully'ego krytykowali Rameau za odważne innowacje, a encyklopedyści, wyrażający estetyczne żądania demokratycznej publiczności (zwłaszcza Rousseau i Diderot), za lojalność wobec gatunku opery wersalskiej z jej alegoryzmem, królewskich bohaterów i scenicznych cudów: wszystko to im się wydawało. żywy anachronizm. Genialny talent Rameau zadecydował o wysokich walorach artystycznych jego najlepszych dzieł. W muzycznych tragediach Hipolit i Arisia (1733), Kastor i Pollux (1737), Dardanus (1739), Rameau, rozwijając szlachetne tradycje Lully'ego, torują drogę przyszłym odkryciom oryginalnego rygoru i pasji KV.

Problemy opery-baletu „Gallant India” (1735) są zgodne z ideami Rousseau o „naturalnym człowieku” i gloryfikują miłość jako siłę jednoczącą wszystkie narody świata. Operowo-baletowy Platea (1735) łączy w sobie humor, teksty, groteskę i ironię. Łącznie Rameau stworzył około 40 dzieł scenicznych. Jakość libretta w nich często była poniżej wszelkiej krytyki, ale kompozytor powiedział żartobliwie: „Dajcie mi Gazetę Holenderską, a ja ją podkomponuję”. Był jednak bardzo wymagający od siebie jako muzyka, uważając, że kompozytor operowy musi znać zarówno teatr, jak i naturę ludzką, wszelkiego rodzaju postacie; zrozumieć zarówno taniec, śpiew, jak i kostiumy. A żywe piękno muzyki Ra-mo zazwyczaj triumfuje nad zimnym alegoryzmem lub dworskim przepychem tradycyjnych tematów mitologicznych. Melodia arii wyróżnia się żywą ekspresją, orkiestra podkreśla dramatyczne sytuacje i maluje obrazy natury i bitew. Ale Rameau nie postawił sobie zadania stworzenia integralnej i oryginalnej estetyki operowej. Dlatego powodzenie reformy operowej Glucka i przedstawień epoki Rewolucji Francuskiej skazało twórczość Rameau na długi czas w zapomnienie. Dopiero w XIX-XX wieku. geniusz muzyki Rameau został ponownie zrealizowany; podziwiali ją K. Saint-Saens, K. Debussy, M, Ravel, O. Messiaen.

Istotnym obszarem twórczości u3bu1706bRamo jest muzyka klawesynowa. Kompozytor był wybitnym improwizatorem, 1722 wydania jego utworów klawesynowych (1728, 5, ok. 11) zawierały XNUMX suit, w których utwory taneczne (allemande, courante, menuet, sarabande, gigue) przeplatały się z charakterystycznymi, o wyrazistych nazwach ( „Delikatne skargi”, „Rozmowa muz”, „Dzikie”, „Tornady” itp.). W porównaniu do klawesynowego pisarstwa F. Couperina, nazywanego „wspaniałym” za jego mistrzostwo za życia, styl Rameau jest bardziej chwytliwy i teatralny. Ulegając niekiedy Couperinowi w filigranowym wyrafinowaniu detali i kruchej opalizacji nastrojów, Rameau w swoich najlepszych sztukach osiąga nie mniej duchowość („Ptaki Wołające”, „Chłopka”), podniecony zapał („Cyganka”, „Księżniczka”), subtelne połączenie humoru i melancholii ( „Kurczak”, „Khromusha”). Arcydziełem Rameau jest Gawot Wariacji, w którym wykwintny taneczny temat stopniowo nabiera hymnicznej surowości. Sztuka ta zdaje się uchwycić duchowy ruch epoki: od wyrafinowanej poezji galantyzmu w malarstwie Watteau po rewolucyjny klasycyzm obrazów Davida. Oprócz suit solowych Rameau napisał XNUMX koncertów klawesynowych z towarzyszeniem zespołów kameralnych.

Współcześni Rameau zasłynęli najpierw jako teoretyk muzyki, a potem jako kompozytor. Jego „Traktat o harmonii” zawierał szereg genialnych odkryć, które położyły podwaliny pod naukową teorię harmonii. W latach 1726-1762 Rameau opublikował kolejne 15 książek i artykułów, w których wykładał i bronił swoich poglądów w polemikach z przeciwnikami pod wodzą Rousseau. Francuska Akademia Nauk wysoko oceniła prace Rameau. Popularyzatorem jego idei stał się inny wybitny naukowiec, d'Alembert, a Diderot napisał opowiadanie Siostrzeniec Rameau, którego pierwowzorem był prawdziwy Jean-Francois Rameau, syn brata kompozytora Claude'a.

Powrót muzyki Rameau do sal koncertowych i scen operowych rozpoczął się dopiero w XIX wieku. a przede wszystkim dzięki staraniom francuskich muzyków. W pożegnalnych słowach do słuchaczy premiery opery Rameau Hippolyte i Arisia, C. Debussy napisał w 1908: „Nie bójmy się okazywać zbyt szacunku lub zbytniego wzruszenia. Posłuchajmy serca Ramo. Nigdy nie było głosu bardziej francuskiego…”

L. Kirilina

Urodzony w rodzinie organisty; siódme z jedenastu dzieci. W 1701 postanawia poświęcić się muzyce. Po krótkim pobycie w Mediolanie został kierownikiem kaplicy i organistą najpierw w Awinionie, potem w Clermont-Ferrand, Dijon i Lyonie. W 1714 przeżywa trudny dramat miłosny; w 1722 publikuje traktat o harmonii, dzięki któremu uzyskał upragnioną pozycję organisty w Paryżu. W 1726 poślubia Marie-Louise Mango z rodziny muzyków, z którą będzie miał czworo dzieci. Od 1731 dyryguje prywatną orkiestrą szlacheckiego dostojnika Alexandre de La Puplinera, melomana, przyjaciela artystów i intelektualistów (a zwłaszcza Woltera). W 1733 r. wystawił operę Hippolyte i Arisia, wzbudzając gorący kontrowersje, wznowioną w 1752 r. dzięki Rousseau i d'Alembertowi.

Najważniejsze opery:

Hipolit i Arisia (1733), Gallant India (1735-1736), Castor and Pollux (1737, 1154), Dardanus (1739, 1744), Platea (1745), Temple of Glory (1745-1746), Zoroaster (1749-1756 ), Abaris lub Boreads (1764, 1982).

Przynajmniej poza Francją teatr Rameau nie został jeszcze rozpoznany. Na tej drodze stoją przeszkody, związane z charakterem muzyka, z jego szczególnym przeznaczeniem jako autora dzieł teatralnych i po części talentem nieokreślonym, czasem opartym na tradycji, czasem bardzo nieskrępowanym w poszukiwaniu nowych harmonii, a zwłaszcza nowej orkiestracji. Kolejna trudność tkwi w charakterze teatru Rameau, pełnego długich recytatywów i arystokratycznych tańców, dostojnych nawet w swej swobodzie. Jego upodobanie do języka poważnego, proporcjonalnego, przemyślanego, muzycznego i dramatycznego, prawie nigdy nie ulegającego impulsywności, upodobanie do preparowanych zwrotów melodycznych i harmonicznych – wszystko to nadaje akcji i ekspresji uczuć monumentalność i ceremonialność, a niejako wręcz odwraca znaków w tło.

Ale to tylko pierwsze wrażenie, nie biorąc pod uwagę dramatycznych węzłów, w których wzrok kompozytora utkwiony jest w postaci, w tej czy innej sytuacji i uwydatnia ją. W tych momentach ożywa na nowo cała tragiczna siła wielkiej francuskiej szkoły klasycznej, szkoły Corneille'a i, w jeszcze większym stopniu, Racine'a. Deklamacja jest wzorowana na języku francuskim z taką samą starannością, cechą, która pozostanie aż do Berlioza. W dziedzinie melodii prym wiodą formy arjońskie, od giętkich-łagodnych po gwałtowne, dzięki czemu utrwalił się język francuskiej opery seria; tutaj Rameau antycypuje kompozytorów końca wieku, takich jak Cherubini. A pewne uniesienie wojowniczych chórów wojowników może przypominać Meyerbeerowi. Ponieważ Rameau woli operę mitologiczną, zaczyna kłaść podwaliny pod „wielką operę”, w której moc, wielkość i różnorodność należy połączyć z dobrym gustem stylizacyjnym i pięknem scenografii. Opery Rameau to epizody choreograficzne, którym towarzyszy często piękna muzyka, pełniąca opisową funkcję dramatyczną, która dodaje spektaklowi uroku i atrakcyjności, antycypując bardzo nowoczesne rozwiązania bliskie Strawińskiemu.

Żyjąc ponad połowę lat z dala od teatru, Rameau odrodził się do nowego życia, kiedy został wezwany do Paryża. Jego rytm się zmienia. Żeni się z bardzo młodą kobietą, pojawia się w teatralnych periodykach z pracami naukowymi, a z jego późnego „małżeństwa” rodzi się francuska opera przyszłości.

G. Marchesi (przetłumaczone przez E. Greceanii)