Borys Yoffe |

Borys Yoffe

Twórczość kompozytora, skrzypka, dyrygenta i pedagoga Borisa Yoffe oczywiście zasługuje na szczególną uwagę wielbicieli muzyki akademickiej, należy do najlepszych przykładów współczesnej myśli kompozytorskiej. Sukces Joffe jako kompozytora można oceniać po tym, kto wykonuje i nagrywa jego muzykę. Oto niepełna lista znanych wykonawców muzyki Yoffego: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann i wielu innych. Manfred Aicher wydał w swojej wytwórni ECM Borisa Yoffe płytę Song of Songs w wykonaniu Hilliard Ensemble i Rosamunde Quartet. Wolfgang Rihm wielokrotnie chwalił twórczość Joffe i napisał część tekstu do książeczki płyty Song of Songs. W lipcu br. wydawnictwo Wolke opublikowało w języku niemieckim książkę z artykułami i esej Borisa Joffe „Musical Sens” („Musikalischer Sinn”).

Wydaje się, że Joffe można uznać za całkiem udanego kompozytora, można by pomyśleć, że jego muzyka jest często słyszana i znana wielu. Rzućmy okiem na rzeczywisty stan rzeczy. Czy muzyka Yoffe jest dużo grana na festiwalach muzyki współczesnej? Nie, to w ogóle nie brzmi. Dlaczego postaram się odpowiedzieć poniżej. Jak często gra w radiu? Tak, czasami w Europie – zwłaszcza „Pieśń nad Pieśniami” – ale prawie nie było programów w całości poświęconych twórczości Borisa Yoffe (z wyjątkiem Izraela). Czy jest dużo koncertów? Dzieją się i odbywają w różnych krajach – w Niemczech, Szwajcarii, Francji, Austrii, USA, Izraelu, Rosji – dzięki tym muzykom, którzy potrafili docenić muzykę Yoffe. Jednak ci muzycy sami musieli działać jako „producenci”.

Muzyka Borisa Yoffe nie jest jeszcze zbyt dobrze znana i być może dopiero w drodze do sławy (trzeba tylko mieć nadzieję i powiedzieć „może”, bo w historii było wiele przykładów, kiedy nie doceniano nawet najlepszych swoich czasów przez współczesnych). Muzycy, którzy z pasją doceniają muzykę i osobowość Joffego – w szczególności skrzypaczka Patricia Kopatchinskaya, pianista Konstantin Lifshitz i gitarzysta Augustin Wiedenman – deklarują jego muzykę swoją sztuką na koncertach i nagraniach, ale to tylko kropla w morzu tysięcy koncertów.

Chciałbym spróbować odpowiedzieć na pytanie, dlaczego muzyka Borisa Yoffe jest szczególnie rzadko słyszana na festiwalach muzyki współczesnej.

Problem w tym, że twórczość Yoffe nie mieści się w żadnych ramach i kierunkach. Tutaj trzeba od razu powiedzieć o głównym dziele i twórczym odkryciu Borisa Yoffe – jego „Księdze kwartetów”. Od połowy lat 90. codziennie pisze z kwartetu, który mieści się na jednym arkuszu muzycznym bez wskazań tempa, dynamiki czy agogiki. Gatunek tych sztuk można określić jako „wiersz”. Podobnie jak wiersz, każdy utwór musi być czytany (innymi słowy, muzyk musi określić tempo, agogikę i dynamikę na podstawie muzyki), a nie tylko grać. Nie znam się na czymś takim w muzyce współczesnej (aleatoryk się nie liczy), ale w muzyce dawnej jest to cały czas (w sztuce Fugi Bacha nie ma nawet symboli instrumentów, nie mówiąc już o tempie i dynamice) . Ponadto trudno „wcisnąć” muzykę Yoffe w jednoznaczne ramy stylistyczne. Niektórzy krytycy piszą o tradycjach Regera i Schönberga (angielski pisarz i librecista Paul Griffiths), co oczywiście wydaje się bardzo dziwne! – inni przywołują Cage'a i Feldmana – ten ostatni jest szczególnie zauważalny w krytyce amerykańskiej (Stephen Smolyar), która w Yoffie widzi coś bliskiego i osobistego. Jeden z krytyków napisał: „Ta muzyka jest jednocześnie tonalna i atonalna” – takich niezwykłych i niestandardowych doznań doznają słuchacze. Ta muzyka jest równie daleka od „nowej prostoty” i „nędzy” Pärta i Silvestrova, jak od Lachenmana czy Fernyhowa. To samo dotyczy minimalizmu. Niemniej jednak w muzyce Joffe widać jej prostotę, nowość, a nawet swego rodzaju „minimalizm”. Usłyszawszy tę muzykę raz, nie można jej już pomylić z inną; jest tak wyjątkowy, jak osobowość, głos i twarz osoby.

Czego nie ma w muzyce Borisa Yoffe? Nie ma polityki, nie ma „aktualnych problemów”, nie ma gazety i chwilowej. Nie ma w nim żadnych dźwięków i obfitych triad. Taka muzyka dyktuje jej format i myślenie. Powtarzam: muzyk grający muzykę Joffego musi umieć czytać nuty, a nie je odtwarzać, bo taka muzyka wymaga współudziału. Ale słuchacz też musi brać w tym udział. Okazuje się taki paradoks: wydaje się, że muzyka nie jest wymuszona i oddycha normalnymi nutami, ale należy słuchać muzyki szczególnie uważnie i nie rozpraszać się – przynajmniej podczas jednominutowego kwartetu. Nie jest to takie trudne: nie musisz być wielkim ekspertem, nie musisz myśleć o technice czy koncepcji. Aby zrozumieć i pokochać muzykę Borisa Yoffe, trzeba umieć słuchać muzyki bezpośrednio i z wyczuciem iz niej wyjść.

Ktoś porównał muzykę Joffego do wody, a inny do chleba, do tego, co przede wszystkim potrzebne do życia. Teraz jest tyle ekscesów, tyle przysmaków, ale dlaczego jesteś spragniony, dlaczego czujesz się jak Saint-Exupery na pustyni? „Księga kwartetów”, zawierająca tysiące „wierszy”, jest nie tylko centrum twórczości Borisa Yoffe, ale także źródłem wielu innych jego dzieł – orkiestrowych, kameralnych i wokalnych.

Wyróżniają się także dwie opery: „Opowieść o rabinie i jego synu” według rabina Nachmana w języku jidysz (w napisaniu libretta brał udział słynny poeta i tłumacz Anri Wołochonski) oraz „Estera Racine” oparta na oryginalnym tekście wielkiego francuskiego dramaturg. Obie opery na zespół kameralny. Nigdy nie wykonywany (poza wstępem) „Rabbi” łączy w sobie instrumenty współczesne i dawne – w różnych strojach. Estera została napisana na czterech solistów i niewielki barokowy zespół. Został wystawiony w Bazylei w 2006 roku i należy go wspomnieć osobno.

„Esther Racina” to hołd (hołd) dla Rameau, ale jednocześnie opera nie jest stylizacją i jest napisana na swój rozpoznawalny sposób. Wydaje się, że nic takiego się nie wydarzyło od czasów Króla Edypa Strawińskiego, z którym można porównać Esther. Podobnie jak opera-oratorium Strawińskiego, Estera nie ogranicza się do jednej muzycznej epoki – nie jest bezosobowym pastiszem. W obu przypadkach autorzy, ich estetyka i pomysł na muzykę są doskonale rozpoznawalne. Tu jednak zaczynają się różnice. Opera Strawińskiego na ogół w niewielkim stopniu uwzględnia muzykę nie-Strawińskiego; ciekawsze w nim jest to, co pochodzi z jego harmonii i rytmu, niż rozumienie gatunku tradycji barokowej. Strawiński posługuje się raczej kliszami, „skamieniałościami” gatunków i form w taki sposób, aby z tych fragmentów można je było łamać i budować (jak to robił Picasso w malarstwie). Boris Yoffe niczego nie łamie, bo dla niego te gatunki i formy muzyki barokowej nie są skamieniałościami, a słuchając jego muzyki również możemy być przekonani, że tradycja muzyczna jest żywa. Czy nie przypomina ci to… cudu zmartwychwstania umarłych? Tylko, jak widać, pojęcie (a tym bardziej odczucie) cudu jest poza sferą życia współczesnego człowieka. Uchwycony cud w notatkach Horowitza okazuje się teraz wulgarnością, a cuda Chagalla są naiwnymi mazakami. A mimo wszystko: Schubert żyje w pismach Horowitza, a przez witraże Chagalla światło wypełnia kościół św. Szczepana. Żydowski duch i europejska muzyka istnieją w sztuce Joffego mimo wszystko. „Ester” jest całkowicie pozbawiona jakichkolwiek efektów zewnętrznego charakteru czy „błyszczącej” urody. Podobnie jak werset Racine'a, muzyka jest surowa i pełna wdzięku, ale w ramach tej pełnej wdzięku surowości, wolność jest dana szeregowi ekspresji i postaci. Krzywizny partii wokalnej Estery mogą należeć tylko do pięknej cesarzowej, jej czułych i wspaniałych ramion… Jak Mandelstam: „… Wszyscy śpiewają błogosławione żony o stromych ramionach…” Jednocześnie w tych krzywiznach słyszymy ból, drżenie, wszystkie moc cichości, oszustwa wiary i miłości, arogancji i nienawiści. Pewnie nie tak w życiu, ale przynajmniej w sztuce to zobaczymy i usłyszymy. I to nie jest oszustwo, nie ucieczka od rzeczywistości: łagodność, wiara, miłość – to jest ludzkie, to co najlepsze w nas, ludziach. Każdy, kto kocha sztukę, chce widzieć w niej tylko to, co najcenniejsze i najczystsze, a brudu i gazet i tak na świecie jest dość. I nie ma znaczenia, czy ta cenna rzecz nazywa się łagodnością, siłą, a może obiema naraz. Boris Yoffe swoją sztuką wprost wyraził swoją ideę piękna w monologu Estery z III aktu. Nieprzypadkowo materiałowa i muzyczna estetyka monologu wywodzi się z „Księgi kwartetów”, głównego dzieła kompozytora, w którym robi on tylko to, co uważa za konieczne dla siebie.

Boris Yoffe urodził się 21 grudnia 1968 roku w Leningradzie w rodzinie inżynierów. Sztuka zajmowała ważne miejsce w życiu rodziny Yoffe, a mały Borys dość wcześnie (poprzez nagrania) mógł związać się z literaturą i muzyką. W wieku 9 lat sam zaczął grać na skrzypcach, uczęszczał do szkoły muzycznej, w wieku 11 lat skomponował swój pierwszy 40-minutowy kwartet, którego muzyka zaskakiwała słuchaczy swoją wymownością. Po ósmej klasie Boris Yoffe wstąpił do szkoły muzycznej w klasie skrzypiec (ped. Zajcew). Mniej więcej w tym samym czasie miało miejsce ważne spotkanie dla Joffe: zaczął pobierać prywatne lekcje teorii u Adama Stratievsky'ego. Stratievsky wprowadził młodego muzyka na nowy poziom rozumienia muzyki i nauczył go wielu praktycznych rzeczy. Sam Joffe był przygotowany na to spotkanie poprzez swoją kolosalną muzykalność (czuły słuch absolutny, pamięć i co najważniejsze nieugaszona miłość do muzyki, myślenie muzyką).

Potem była służba w armii sowieckiej i emigracja do Izraela w 1990 roku. W Tel Awiwie Boris Yoffe wstąpił do Akademii Muzycznej. Rubin i kontynuował naukę u A. Stratievsky'ego. W 1995 roku powstały pierwsze utwory Księgi Kwartetów. Ich estetykę określił krótki utwór na trio smyczkowe, napisany jeszcze w wojsku. Kilka lat później nagrano pierwszą płytę z kwartetami. W 1997 roku Boris Joffe wraz z żoną i pierwszą córką przeprowadził się do Karlsruhe. Tam studiował u Wolfganga Rihma, powstały tam dwie opery i wydano cztery kolejne płyty. Joffe do dziś mieszka i pracuje w Karlsruhe.