Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudia Monteverdiego

Monteverdiego. Kantat Domino

Monteverdi broni praw uczuć i wolności w muzyce. Mimo protestów obrońców zasad łamie kajdany, w które zaplątała się muzyka i chce, aby od tej pory kierowała się tylko nakazem serca. R. Rollana

Twórczość włoskiego kompozytora operowego C. Monteverdiego jest jednym z wyjątkowych zjawisk w kulturze muzycznej XX wieku. W swoim zainteresowaniu człowiekiem, w jego namiętnościach i cierpieniach Monteverdi jest prawdziwym artystą renesansu. Żadnemu z ówczesnych kompozytorów nie udało się w taki sposób wyrazić w muzyce tragicznego uczucia życia, zbliżyć się do zrozumienia jego prawdy, w taki sposób odsłonić pierwotną naturę ludzkich charakterów.

Monteverdi urodził się w rodzinie lekarza. Jego studia muzyczne prowadził M. Ingenieri, doświadczony muzyk, kapelmistrz katedry w Cremonie. Rozwinął technikę polifoniczną przyszłego kompozytora, zapoznał go z najlepszymi utworami chóralnymi G. Palestriny i O. Lasso. Moiteverdi zaczął komponować wcześnie. Już na początku lat 1580. XVI wieku. ukazały się pierwsze zbiory wokalnych utworów polifonicznych (madrygały, motety, kantaty), a pod koniec tej dekady stał się znanym kompozytorem we Włoszech, członkiem Akademii Site Cecylii w Rzymie. Od 1590 r. Monteverdi służył w kaplicy dworskiej księcia Mantui (najpierw jako członek orkiestry i śpiewak, a następnie jako kapelmistrz). Bujny, bogaty dwór Vincenzo Gonzaga przyciągał najlepsze siły artystyczne tamtych czasów. Najprawdopodobniej Monteverdi mógł spotkać się z wielkim włoskim poetą T. Tasso, flamandzkim artystą P. Rubensem, członkami słynnej florenckiej cameraty, autorami pierwszych oper – J. Peri, O. Rinuccinim. Towarzysząc księciu w częstych podróżach i kampaniach wojennych, kompozytor podróżował do Pragi, Wiednia, Innsbrucka i Antwerpii. W lutym 1607 roku w Mantui z wielkim powodzeniem wystawiono pierwszą operę Monteverdiego, Orfeusz (libretto A. Strigio). Spektakl pasterski przeznaczony na uroczystości pałacowe Monteverdi przekształcił w prawdziwy dramat o cierpieniu i tragicznym losie Orfeusza, o nieśmiertelnym pięknie jego sztuki. (Monteverdi i Striggio zachowali tragiczną wersję rozwiązania mitu – Orfeusz opuszczając królestwo umarłych łamie zakaz, spogląda wstecz na Eurydykę i traci ją na zawsze). „Orfeusz” wyróżnia się bogactwem zaskakujących na początku środków. praca. Ekspresyjna deklamacja i szeroka kantylena, chóry i zespoły, balet, rozbudowana partia orkiestry służą ucieleśnieniu głęboko lirycznej idei. Do dziś zachowała się tylko jedna scena z drugiej opery Monteverdiego, Ariadny (1608). To słynny „Lament Ariadny” („Pozwól mi umrzeć…”), który był pierwowzorem wielu arii lamentowych (arii skargi) we włoskiej operze. (Lament Ariadny znany jest w dwóch wersjach – na głos solo oraz w formie pięciogłosowego madrygału.)

W 1613 roku Monteverdi przeniósł się do Wenecji i do końca życia pozostał w służbie kapelmistrza w katedrze św. Marka. Bogate życie muzyczne Wenecji otworzyło przed kompozytorem nowe możliwości. Monteverdi pisze opery, balety, interludia, madrygały, muzykę na uroczystości kościelne i dworskie. Jednym z najbardziej oryginalnych dzieł tamtych lat jest scena dramatyczna „Pojedynek Tankreda i Kloryndy” oparta na tekście wiersza T. Tasso „Jerozolima wyzwolona”, łącząca lekturę (rola narratora), aktorstwo (rola narratora). recytatywne partie Tankreda i Clorindy) oraz orkiestra, która obrazuje przebieg pojedynku, odsłania emocjonalny charakter sceny. W związku z „Pojedynkiem” Monteverdi pisał o nowym stylu concitato (podekscytowany, wzburzony), kontrastując go z dominującym wówczas stylem „miękkim, umiarkowanym”.

Wiele madrygałów Monteverdiego wyróżnia się także wyrazistym, dramatycznym charakterem (ostatni, ósmy zbiór madrygałów, 1638, powstał w Wenecji). W tym gatunku polifonicznej muzyki wokalnej ukształtował się styl kompozytora i nastąpił dobór środków wyrazowych. Szczególnie oryginalny jest język harmoniczny madrygałów (śmiałe porównania tonalne, chromatyczne, dysonansowe akordy itp.). Na przełomie lat 1630. i 40. XX wieku. twórczość operowa Monteverdiego osiąga szczyt („Powrót Ulissesa do ojczyzny” – 1640, „Adonis” – 1639, „Wesele Eneasza i Lawinii” – 1641; dwie ostatnie opery nie zachowały się).

W 1642 wystawiono w Wenecji Koronację Poppei Monteverdiego (libretto F. Businello na podstawie Roczników Tacyta). Ostatnia opera 75-letniego kompozytora stała się prawdziwym szczytem, ​​wynikiem jego twórczej drogi. Działają w nim konkretne, prawdziwe postacie historyczne – cesarz rzymski Neron, znany ze swojej przebiegłości i okrucieństwa, jego nauczyciel – filozof Seneka. Wiele w Koronacji sugeruje analogie z tragediami znakomitego współczesnego kompozytora, W. Szekspira. Otwartość i intensywność namiętności, ostre, iście szekspirowskie kontrasty scen wzniosłych i rodzajowych, komedia. Tak więc pożegnanie Seneki z uczniami – tragiczna kulminacja oaery – zostaje zastąpione wesołym wstawieniem pazia i służącej, a potem zaczyna się prawdziwa orgia – Nero i jego przyjaciele drwią z nauczyciela, świętują jego śmierć.

„Jego jedynym prawem jest samo życie” – pisał o Monteverdim R. Rolland. Dzięki odwadze odkryć dzieło Monteverdiego znacznie wyprzedzało swoje czasy. Kompozytor przewidział bardzo odległą przyszłość teatru muzycznego: realizm dramaturgii operowej WA Mozarta, G. Verdiego, M. Musorgskiego. Być może dlatego los jego prac był tak zaskakujący. Przez wiele lat pozostawały w zapomnieniu i powróciły do ​​życia dopiero w naszych czasach.

I. Ochałowa

Syn lekarza i najstarszy z pięciu braci. Studiował muzykę pod kierunkiem MA Ingenieri. W wieku piętnastu lat wydał „Melodie duchowe”, w 1587 – pierwszą księgę madrygałów. W 1590 roku na dworze księcia Mantui Vincenzo Gonzaga został altowiolistą i śpiewakiem, a następnie przełożonym kaplicy. Towarzyszy księciu na Węgry (w czasie kampanii tureckiej) i Flandrii. W 1595 poślubia śpiewaczkę Claudię Cattaneo, która da mu trzech synów; umrze w 1607 r. wkrótce po triumfie Orfeusza. Od 1613 r. dożywotni kierownik kaplicy w Republice Weneckiej; kompozycja muzyki sakralnej, ostatnie księgi madrygałów, utwory dramatyczne, w większości zaginione. Około 1632 objął kapłaństwo.

Twórczość operowa Monteverdiego ma bardzo solidne podstawy, będąc owocem wcześniejszych doświadczeń w komponowaniu madrygałów i muzyki sakralnej, gatunków, w których mistrz z Cremonese osiągał nieporównywalne rezultaty. Główne etapy jego teatralnej działalności – przynajmniej w oparciu o to, co do nas dotarło – wydają się być dwoma wyraźnie wyodrębnionymi okresami: Mantuą na początku wieku i weneckim, który przypada na jego środek.

Niewątpliwie „Orfeusz” jest najbardziej uderzającą we Włoszech wypowiedzią na temat stylu wokalno-dramatycznego początku XVII wieku. O jego znaczeniu decyduje teatralność, wielkie nasycenie efektów, w tym orkiestrowych, czułych apeli i zaklęć, w których florencka recytacja chorału (bardzo wzbogacona emocjonalnymi wzlotami i upadkami) zdaje się zmagać z licznymi wstawkami madrygalnymi, tak że śpiew Orfeusza jest niemal klasycznym przykładem ich konkurencji.

W ostatnich operach okresu weneckiego, napisanych ponad trzydzieści lat później, można wyczuć różne zmiany stylistyczne, jakie dokonały się we włoskim melodramacie (zwłaszcza po rozkwicie szkoły rzymskiej) i odpowiadające im zmiany środków wyrazu, wszystkie przedstawione i w połączeniu z dużą swobodą na bardzo szerokim, wręcz marnotrawnym, dramatycznym płótnie. Epizody chóralne są usuwane lub znacznie redukowane, powstają i recytatywnie łączone są elastycznie i funkcjonalnie w zależności od potrzeb dramatu, podczas gdy inne, bardziej rozwinięte i symetryczne formy, z wyraźniejszymi ruchami rytmicznymi, wprowadzane są do teatralnej architektury, antycypując późniejszą technikę autonomizowania język operowy, wprowadzenie, by tak rzec, formalne modele i schematy, bardziej niezależne od ciągle zmieniających się wymagań dialogu poetyckiego.

Monteverdi oczywiście nie zaryzykował jednak odejścia od tekstu poetyckiego, ponieważ zawsze był wierny swoim wyobrażeniom o naturze i przeznaczeniu muzyki jako sługi poezji, pomagając tej ostatniej w jej wyjątkowej zdolności wyrażania ludzkie uczucia.

Nie można zapominać, że w Wenecji kompozytor znalazł sprzyjającą atmosferę libretto z wątkami historycznymi, które posuwały się na drodze poszukiwania „prawdy”, a w każdym razie z wątkami sprzyjającymi badaniom psychologicznym.

Niezapomniana jest kameralna opera Monteverdiego „Pojedynek Tankreda i Clorindy” do tekstu Torquato Tasso – w istocie madrygał w stylu malarskim; Umieszczony w domu hrabiego Girolamo Mocenigo podczas karnawału 1624, podniecał publiczność, „prawie wyrywając łzy”. To mieszanka oratorium i baletu (wydarzenia przedstawiane są w pantomimie), w której wielki kompozytor nawiązuje bliski, trwały i precyzyjny związek poezji z muzyką w stylu najczystszej melodyjnej recytacji. Najwspanialszy przykład poezji osadzonej w muzyce, prawie konwersacyjnej, „Pojedynek” zawiera niesamowite i wzniosłe, mistyczne i zmysłowe momenty, w których dźwięk staje się niemal figuratywnym gestem. W finale krótka seria akordów zamienia się w promienny „dur”, w którym modulacja kończy się bez koniecznego tonu wiodącego, a głos wykonuje kadencję na tonie nieuwzględnionym w akordzie, gdyż w tym momencie otwiera się obraz innego, nowego świata. Bladość umierającej Clorindy oznacza błogość.

G. Marchesi (przetłumaczone przez E. Greceanii)