Leonid Kogan |

Leonid Kogan

Sztuka Kogana jest znana, ceniona i kochana niemal we wszystkich krajach świata – w Europie i Azji, w USA i Kanadzie, Ameryce Południowej i Australii.

Kogan to silny, dramatyczny talent. Z natury i indywidualności artystycznej jest przeciwieństwem Ojstracha. Razem stanowią jakby przeciwne bieguny sowieckiej szkoły skrzypcowej, ilustrując jej „długość” stylistycznie i estetycznie. Z burzliwą dynamiką, żałosnym uniesieniem, podkreślonym konfliktem, odważnymi kontrastami, sztuka Kogana wydaje się zaskakująco wpasować się w naszą epokę. Ten artysta jest ostro nowoczesny, żyjący z niepokojami dnia dzisiejszego, z wyczuciem odzwierciedlający doświadczenia i niepokoje otaczającego go świata. Wykonawca z bliska, obcy gładkości, Kogan wydaje się dążyć do konfliktów, zdecydowanie odrzucając kompromisy. W dynamice gry, w cierpkich akcentach, w ekstatycznym dramacie intonacji jest spokrewniony z Heifetzem.

Recenzje często mówią, że Kogan jest równie dostępny dla jasnych obrazów Mozarta, heroizmu i tragicznego patosu Beethovena oraz soczystego blasku Chaczaturiana. Ale mówienie tak, bez zaciemniania cech spektaklu, oznacza nie dostrzeganie indywidualności artysty. W odniesieniu do Kogana jest to szczególnie nie do przyjęcia. Kogan to artysta o najjaśniejszej indywidualności. W jego grze, z wyjątkowym wyczuciem stylu wykonywanej muzyki, zawsze urzeka coś wyjątkowego własnego, „Kogana”, jego pismo jest stanowcze, zdecydowane, nadające wyraźną ulgę każdej frazie, konturowi melosu.

Uderzający jest rytm w sztuce Kogana, który stanowi dla niego potężne narzędzie dramatyczne. Ścigany, pełen życia, „nerwu” i „tonalnego” napięcia, rytm Kogana prawdziwie konstruuje formę, nadając jej artystycznej pełni, a rozwijającej się muzyce doda mocy i woli. Rytm to dusza, życie dzieła. Sam rytm jest zarówno frazą muzyczną, jak i czymś, przez co zaspokajamy estetyczne potrzeby publiczności, przez co wpływamy na nią. Zarówno charakter pomysłu, jak i obrazu – wszystko odbywa się rytmem” – sam Kogan mówi o rytmie.

W każdej recenzji gry Kogana niezmiennie na pierwszym miejscu wyróżnia się zdecydowanie, męskość, emocjonalność i dramatyzm jego sztuki. „Spektakl Kogana to wzburzona, asertywna, pełna pasji narracja, przemowa płynąca napięta i namiętnie”. „Spektakl Kogana uderza wewnętrzną siłą, gorącą emocjonalną intensywnością, a jednocześnie miękkością i różnorodnością odcieni”, to typowe cechy.

Kogan to niezwykła filozofia i refleksja, powszechna wśród wielu współczesnych wykonawców. Stara się ukazać w muzyce przede wszystkim jej dramatyczną skuteczność i emocjonalność, a poprzez nie zbliżyć się do wewnętrznego sensu filozoficznego. Jak odkrywcze w tym sensie są jego własne słowa o Bachu: „Jest w nim znacznie więcej ciepła i człowieczeństwa”, mówi Kogan, niż czasem myślą eksperci, wyobrażając sobie Bacha jako „wielkiego filozofa XX wieku”. Chciałbym nie przegapić okazji do emocjonalnego przekazania swojej muzyki, tak jak na to zasługuje.

Kogan ma najbogatszą wyobraźnię artystyczną, która rodzi się z bezpośredniego doświadczenia muzyki: „Za każdym razem odkrywa w utworze wciąż pozornie nieznane piękno i wierzy w nie słuchaczom. Dlatego wydaje się, że Kogan nie wykonuje muzyki, ale jakby tworzy ją na nowo.

Żałosny, temperament, gorąca, impulsywna emocjonalność, romantyczna fantazja nie przeszkadzają, by sztuka Kogana była niezwykle prosta i surowa. Jego gra pozbawiona jest pretensjonalności, manier, a zwłaszcza sentymentalizmu, jest odważna w pełnym tego słowa znaczeniu. Kogan to artysta o niesamowitym zdrowiu psychicznym, optymistycznym postrzeganiu życia, co widać w jego wykonaniu najbardziej tragicznej muzyki.

Zwykle biografowie Kogana wyróżniają dwa okresy jego twórczego rozwoju: pierwszy skupiający się głównie na literaturze wirtuozowskiej (Paganini, Ernst, Venyavsky, Vietanne) oraz drugi, w którym ponownie kładzie się nacisk na szeroką gamę klasycznej i współczesnej literatury skrzypcowej. , przy zachowaniu wirtuozowskiej linii wykonania.

Kogan to wirtuoz najwyższej rangi. Pierwszy koncert Paganiniego (w autorskim wydaniu z rzadko graną najtrudniejszą kadencją E. Sore'a), jego 24 kaprysy zagrane jednego wieczoru, świadczą o mistrzostwie, jakie tylko nieliczni osiągają na świecie interpretację skrzypiec. W okresie formacyjnym, mówi Kogan, duży wpływ wywarły na mnie prace Paganiniego. „Oni odegrali kluczową rolę w dostosowaniu lewej ręki do gryfu, w zrozumieniu technik palcowania, które nie były„tradycyjne”. Gram własnym, specjalnym palcowaniem, które różni się od ogólnie przyjętego. I robię to w oparciu o możliwości brzmieniowe skrzypiec i frazowania, choć często nie wszystko jest tu do zaakceptowania pod względem metodologicznym.”

Ale ani w przeszłości, ani obecnie Kogan nie lubił „czystej” wirtuozerii. „Genialny wirtuoz, który opanował ogromną technikę nawet w dzieciństwie i młodości, Kogan dorastał i dojrzewał bardzo harmonijnie. Zrozumiał mądrą prawdę, że najbardziej oszałamiająca technika i ideał sztuki wysokiej nie są tożsame i że pierwsza musi iść „na służbę” drugiej. W jego wykonaniu muzyka Paganiniego nabrała niesłychanego dramatyzmu. Kogan doskonale wyczuwa „składniki” twórczości genialnego Włocha – żywą romantyczną fantazję; kontrasty melosu, wypełnione albo modlitwą i smutkiem, albo oratorskim patosem; charakterystyczna improwizacja, cechy dramaturgii z kulminacjami sięgającymi granicy emocjonalnego stresu. Kogan i wirtuozeria zeszli „w głąb” muzyki, dlatego początek drugiego okresu przyszedł jako naturalna kontynuacja pierwszego. Droga rozwoju artystycznego skrzypka została właściwie wytyczona dużo wcześniej.

Kogan urodził się 14 listopada 1924 roku w Dniepropietrowsku. Naukę gry na skrzypcach rozpoczął w wieku siedmiu lat w miejscowej szkole muzycznej. Jego pierwszym nauczycielem był F. Yampolsky, u którego studiował przez trzy lata. W 1934 Kogan został sprowadzony do Moskwy. Tutaj został przyjęty do specjalnej grupy dziecięcej Konserwatorium Moskiewskiego w klasie prof. A. Yampolsky'ego. W 1935 roku grupa ta stanowiła główny trzon nowo otwartej Centralnej Dziecięcej Szkoły Muzycznej Moskiewskiego Państwowego Konserwatorium.

Talent Kogana natychmiast przyciągnął uwagę. Yampolsky wyróżnił go spośród wszystkich swoich uczniów. Profesor był tak namiętny i przywiązany do Kogana, że ​​osadził go w swoim domu. Stała komunikacja z nauczycielem wiele dała przyszłemu artyście. Miał okazję korzystać z jego rad na co dzień, nie tylko w klasie, ale także podczas odrabiania lekcji. Kogan ciekawie przyglądał się metodom Yampolsky'ego w swojej pracy ze studentami, co później miało korzystny wpływ na jego własną praktykę pedagogiczną. Yampolsky, jeden z najwybitniejszych sowieckich pedagogów, rozwinął w Koganie nie tylko błyskotliwą technikę i wirtuozerię zadziwiającą współczesną, tak wyrafinowaną publiczność, ale także ustanowił w nim wysokie zasady wykonawcze. Najważniejsze jest to, że nauczyciel prawidłowo ukształtował osobowość ucznia, albo powstrzymując impulsy jego wolicjonalnej natury, albo zachęcając do jego aktywności. Już w latach studiów w Kogan ujawniła się tendencja do wielkiego koncertowego stylu, monumentalności, dramaturgii, silnej woli, odważnego magazynu gry.

Bardzo szybko zaczęli mówić o Koganie w kręgach muzycznych – dosłownie po pierwszym występie na festiwalu uczniów dziecięcych szkół muzycznych w 1937 roku. pierwszy raz z orkiestrą. Zanim wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego (1940), Kogan był dobrze znany w kręgach muzycznych.

W 1944 został solistą Filharmonii Moskiewskiej i odbywał tournée koncertowe po kraju. Wojna jeszcze się nie skończyła, ale jest już w drodze do Leningradu, który właśnie został wyzwolony z blokady. Koncertuje w Kijowie, Charkowie, Odessie, Lwowie, Czerniowcach, Baku, Tbilisi, Erewaniu, Rydze, Tallinie, Woroneżu, miastach Syberii i Dalekiego Wschodu, docierając do Ułan Bator. Jego wirtuozeria i uderzający kunszt zadziwiają, urzekają, ekscytują słuchaczy na całym świecie.

Jesienią 1947 r. Kogan wziął udział w I Światowym Festiwalu Młodzieży Demokratycznej w Pradze, zdobywając (razem z Y. Sitkovetskym i I. Bezrodnym) pierwszą nagrodę; Wiosną 1948 ukończył konserwatorium, aw 1949 wstąpił do gimnazjum.

Studia podyplomowe ujawniają kolejną cechę Kogana – chęć studiowania wykonywanej muzyki. Nie tylko gra, ale pisze rozprawę o twórczości Henryka Wieniawskiego i traktuje tę pracę niezwykle poważnie.

Już na pierwszym roku studiów podyplomowych Kogan zadziwił słuchaczy wykonaniem 24 Paganini Capricci jednego wieczoru. Zainteresowania artysty w tym okresie skupiają się wokół literatury wirtuozowskiej i mistrzów sztuki wirtuozowskiej.

Kolejnym etapem życia Kogana był Konkurs Królowej Elżbiety w Brukseli, który odbył się w maju 1951 roku. O Koganie i Vaymanie, którzy zdobyli pierwszą i drugą nagrodę, a także złotymi medalami, mówiła prasa światowa. Po fenomenalnym zwycięstwie sowieckich skrzypków w 1937 r. w Brukseli, które nominowało Ojstracha do grona pierwszych skrzypków na świecie, było to chyba najbardziej błyskotliwe zwycięstwo sowieckiej „broni skrzypcowej”.

W marcu 1955 Kogan wyjechał do Paryża. Jego występ jest uważany za ważne wydarzenie w życiu muzycznym stolicy Francji. „Teraz na świecie jest niewielu artystów, którzy mogliby dorównać Koganowi pod względem technicznej perfekcji wykonania i bogactwa jego palety dźwiękowej” – napisał krytyk gazety „Nouvelle Litterer”. W Paryżu Kogan zakupił wspaniałe skrzypce Guarneri del Gesu (1726), na których gra do dziś.

Kogan dał dwa koncerty w Hall of Chaillot. Wzięło w nich udział ponad 5000 osób – członków korpusu dyplomatycznego, parlamentarzystów i oczywiście zwykłych gości. Prowadzony przez Charlesa Brucka. Wykonano koncerty Mozarta (G-dur), Brahmsa i Paganiniego. Wykonaniem Koncertu Paganiniego Kogan dosłownie zaszokował publiczność. Zagrał ją w całości, z wszystkimi taktami, które przerażają wielu skrzypków. Gazeta Le Figaro napisała: „Zamykając oczy, można było poczuć, że przed tobą występuje prawdziwy czarownik”. Gazeta zauważyła, że ​​„ścisłe mistrzostwo, czystość dźwięku, bogactwo barwy szczególnie zachwycały słuchaczy podczas wykonania Koncertu Brahmsa”.

Zwróćmy uwagę na program: III Koncert Mozarta, Koncert Brahmsa i Koncert Paganiniego. Jest to najczęściej wykonywany przez Kogana kolejny (do dnia dzisiejszego) cykl prac. W związku z tym w połowie lat 50. rozpoczął się „drugi etap” – dojrzały okres występu Kogana. Już nie tylko Paganini, ale także Mozart, Brahms staje się jego „końmi”. Od tego czasu wykonanie trzech koncertów jednego wieczoru jest częstym zjawiskiem w jego praktyce koncertowej. To, co drugi wykonawca wybiera jako wyjątek, dla Kogana jest normą. Uwielbia cykle – sześć sonat Bacha, trzy koncerty! Ponadto koncerty zawarte w programie jednego wieczoru z reguły są w ostrym kontraście stylowo. Mozart porównywany jest do Brahmsa i Paganiniego. Wśród najbardziej ryzykownych kombinacji niezmiennie wygrywa Kogan, zachwycając słuchaczy subtelnym wyczuciem stylu, sztuką artystycznej transformacji.

W pierwszej połowie lat 50. Kogan intensywnie poszerzał swój repertuar, a zwieńczeniem tego procesu był wydany przez niego w sezonie 1956/57 okazały cykl „Rozwój koncertu skrzypcowego”. Cykl składał się z sześciu wieczorów, podczas których wykonano 18 koncertów. Przed Koganem podobny cykl wykonywał Ojstrach w latach 1946-1947.

Będąc z natury swojego talentu artystą o dużym planie koncertowym, Kogan zaczyna przywiązywać dużą wagę do gatunków kameralnych. Tworzą trio z Emilem Gilelsem i Mścisławem Rostropowiczem, wykonując otwarte wieczory kameralne.

Jego stały zespół z Elizavetą Gilels, błyskotliwą skrzypaczką, laureatką pierwszego brukselskiego konkursu, która w latach 50. została jego żoną, jest wspaniały. Sonaty Y. Levitina, M. Weinberga i innych zostały napisane specjalnie dla ich zespołu. Obecnie do tego rodzinnego zespołu dołączył jeszcze jeden członek – jego syn Paweł, który poszedł w ślady rodziców, zostając skrzypkiem. Cała rodzina daje wspólne koncerty. W marcu 1966 odbyło się ich prawykonanie Koncertu na troje skrzypiec włoskiego kompozytora Franco Mannino; Autor specjalnie przyleciał na premierę z Włoch. Triumf był kompletny. Leonid Kogan od dawna współpracuje twórczo z Moskiewską Orkiestrą Kameralną kierowaną przez Rudolfa Barshaia. Przy akompaniamencie tej orkiestry wykonanie przez Kogana koncertów Bacha i Vivaldiego nabrało kompletnej jedności zespołu, wysoce artystycznego brzmienia.

W 1956 Ameryka Południowa posłuchała Kogana. Poleciał tam w połowie kwietnia z pianistą A. Mytnikiem. Mieli trasę – Argentyna, Urugwaj, Chile, aw drodze powrotnej krótki postój w Paryżu. To była niezapomniana wycieczka. Kogan grał w Buenos Aires w starej południowoamerykańskiej Kordobie, wykonywał utwory Brahmsa, Chaconne Bacha, Tańce brazylijskie Millaua i sztukę Cueca argentyńskiego kompozytora Aguirre. W Urugwaju zapoznał słuchaczy z Koncertem Chaczaturiana, granym po raz pierwszy na kontynencie południowoamerykańskim. W Chile spotkał się z poetą Pablo Nerudą, aw hotelowej restauracji, w której mieszkał z Mytnikiem, usłyszał niesamowitą grę słynnego gitarzysty Allana. Uznawszy artystów radzieckich, Allan wykonał dla nich pierwszą część Sonaty Księżycowej Beethovena z utworami Granadosa i Albeniza. Odwiedzał Lolitę Torres. W drodze powrotnej, w Paryżu, uczestniczył w jubileuszu Marguerite Long. Na jego koncercie wśród publiczności znaleźli się Arthur Rubinstein, wiolonczelista Charles Fournier, skrzypaczka i krytyk muzyczny Helene Jourdan-Morrange i inni.

W sezonie 1957/58 odbył tournée po Ameryce Północnej. To był jego debiut w USA. W Carnegie Hall wykonał Koncert Brahmsa pod dyrekcją Pierre'a Monte. „Był wyraźnie zdenerwowany, jak powinien być każdy artysta występujący po raz pierwszy w Nowym Jorku” – napisał Howard Taubman w The New York Times. – Ale gdy tylko zabrzmiał pierwszy cios smyczka w struny, stało się jasne dla wszystkich – mamy przed sobą skończonego mistrza. Wspaniała technika Kogana nie sprawia trudności. W najwyższych i najtrudniejszych pozycjach jego dźwięk pozostaje czysty i całkowicie podporządkowany wszelkim intencjom muzycznym artysty. Jego koncepcja Koncertu jest szeroka i smukła. Pierwsza część została zagrana z blaskiem i głębią, druga zaśpiewana z niezapomnianą ekspresją, trzecia porwana w radosnym tańcu.

„Nigdy nie słuchałem skrzypka, który robi tak mało, by zaimponować publiczności, a tak bardzo, by przekazać muzykę, którą grają. Ma tylko swój charakterystyczny, niezwykle poetycki, wyrafinowany temperament muzyczny ”- napisał Alfred Frankenstein. Amerykanie zwrócili uwagę na skromność artysty, ciepło i człowieczeństwo jego gry, brak niczego ostentacyjnego, niesamowitą swobodę techniki i kompletność frazowania. Triumf był kompletny.

Znamienne, że amerykańscy krytycy zwracali uwagę na demokratyzm artysty, jego prostotę, skromność, aw grze na brak jakichkolwiek elementów estetyki. I to jest celowo Kogan. W swoich wypowiedziach dużo miejsca poświęca się relacjom między artystą a publicznością, uważa, że ​​wsłuchując się w jak najwięcej jej artystycznych potrzeb, trzeba jednocześnie przenieść w sferę muzyki poważnej, m.in. moc wykonywania przekonania. Jego temperament w połączeniu z wolą pomaga osiągnąć taki rezultat.

Gdy po Stanach Zjednoczonych występował w Japonii (1958), pisali o nim: „W wykonaniu Kogana, niebiańskiej muzyki Beethovena, Brahms stał się ziemski, żywy, namacalny”. Zamiast piętnastu koncertów dał siedemnaście. Jego przyjazd został oceniony jako największe wydarzenie muzycznego sezonu.

W 1960 roku w stolicy Kuby, Hawanie, odbyło się otwarcie Wystawy Nauki, Techniki i Kultury Radzieckiej. Kogan i jego żona Lisa Gilels oraz kompozytor A. Chaczaturian przyjechali z wizytą do Kubańczyków, z których dzieł skompilowano program koncertu galowego. Temperamentni Kubańczycy niemal rozwalili salę z zachwytu. Z Hawany artyści udali się do Bogoty, stolicy Kolumbii. W wyniku ich wizyty zorganizowano tam stowarzyszenie Kolumbia-ZSRR. Następnie udał się za Wenezuelą iw drodze powrotnej do ojczyzny – Paryża.

Z kolejnych tras koncertowych Kogana wyróżniają się wyjazdy do Nowej Zelandii, gdzie koncertował z Lisą Gilels przez dwa miesiące oraz drugą trasę po Ameryce w 1965 roku.

Nowa Zelandia napisała: „Nie ma wątpliwości, że Leonid Kogan jest największym skrzypkiem, jaki kiedykolwiek odwiedził nasz kraj”. Jest na równi z Menuhinem, Ojstrachem. Wspólne występy Kogana z Gilelsem również wywołują zachwyt.

Zabawny incydent miał miejsce w Nowej Zelandii, żartobliwie opisany przez gazetę Sun. W tym samym hotelu z Koganem mieszkała drużyna piłkarska. Przygotowując się do koncertu, Kogan pracował przez cały wieczór. O 23 jeden z muzyków, który miał już iść spać, powiedział ze złością do recepcjonistki: „Powiedz skrzypkowi mieszkającemu na końcu korytarza, żeby przestał grać”.

„Proszę pana”, odparł z oburzeniem tragarz, „tak mówi się o jednym z najwybitniejszych skrzypków świata!”

Nie zrealizowawszy prośby tragarza, zawodnicy udali się do Kogan. Zastępca kapitana drużyny nie wiedział, że Kogan nie mówi po angielsku i zwracał się do niego następującymi „czysto australijskimi słowami”:

– Hej, bracie, nie przestaniesz bawić się bałałajką? Chodź wreszcie, ubierz się i daj nam spać.

Nie rozumiejąc niczego i wierząc, że ma do czynienia z innym miłośnikiem muzyki, który poprosił o zagranie czegoś specjalnie dla niego, Kogan „wdzięcznie odpowiedział na prośbę„ dokończenia ”, wykonując najpierw genialną kadencję, a następnie wesoły utwór Mozarta. Drużyna piłkarska wycofała się w nieładzie”.

Zainteresowanie Kogana muzyką radziecką jest znaczące. Stale gra koncerty Szostakowicza i Chaczaturiana. Swoje koncerty dedykowali mu T. Chrennikow, M. Weinberg, koncert „Rapsodia” A. Chaczaturiana, Sonata A. Nikołajewa, „Aria” G. Galynina.

Kogan występował z największymi światowymi muzykami — dyrygentami Pierre Monte, Charlesem Munschem, Charlesem Bruckiem, pianistami Emilem Gilelsem, Arthurem Rubinsteinem i innymi. „Naprawdę lubię grać z Arturem Rubinsteinem” — mówi Kogan. „Za każdym razem przynosi ogromną radość. W Nowym Jorku miałem szczęście zagrać z nim w sylwestra dwie sonaty Brahmsa i Ósmą Sonatę Beethovena. Uderzyło mnie wyczucie zespołu i rytmu tego artysty, jego umiejętność błyskawicznego przeniknięcia istoty intencji autora…”

Kogan pokazuje się również jako utalentowany pedagog, profesor Konserwatorium Moskiewskiego. W klasie Kogana dorastali: japoński skrzypek Ekko Sato, który w 1966 roku zdobył tytuł laureata III Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego w Moskwie; Jugosłowiańscy skrzypkowie A. Stajic, V. Shkerlak i inni. Podobnie jak klasa Ojstracha, klasa Kogana przyciągała uczniów z różnych krajów.

Artysta Ludowy ZSRR Kogan w 1965 roku otrzymał wysoki tytuł laureata Nagrody Lenina.

Esej o tym wspaniałym muzyku-artyście chciałbym zakończyć słowami D. Szostakowicza: „Czujecie mu głęboką wdzięczność za przyjemność, jakiej doświadczacie, kiedy razem ze skrzypkiem wchodzicie w cudowny, jasny świat muzyki. ”

L.Raaben, 1967

W latach 1960-1970 Kogan otrzymał wszystkie możliwe tytuły i nagrody. Otrzymuje tytuł Profesora i Artysty Ludowego RFSRR i ZSRR oraz Nagrodę Lenina. W 1969 muzyk został kierownikiem katedry skrzypiec Konserwatorium Moskiewskiego. O skrzypku powstaje kilka filmów.

Ostatnie dwa lata życia Leonida Borisovicha Kogana były szczególnie urozmaicone występami. Narzekał, że nie ma czasu na odpoczynek.

W 1982 roku odbyła się premiera ostatniego dzieła Kogana, Czterech pór roku A. Vivaldiego. W tym samym roku maestro przewodniczy jury skrzypków na VII Międzynarodowym Konkursie im. PI Czajkowskiego. Bierze udział w kręceniu filmu o Paganinim. Kogan zostaje wybrany Honorowym Akademikiem Włoskiej Akademii Narodowej „Santa Cecilia”. Koncertuje w Czechosłowacji, Włoszech, Jugosławii, Grecji, Francji.

W dniach 11-15 grudnia odbyły się ostatnie koncerty skrzypka w Wiedniu, gdzie wykonał Koncert Beethovena. 17 grudnia Leonid Borisovich Kogan zmarł nagle w drodze z Moskwy na koncerty w Jarosławiu.

Mistrz pozostawił wielu uczniów – laureatów ogólnounijnych i międzynarodowych konkursów, znanych wykonawców i pedagogów: W. Żuka, N. Jaszwilego, S. Krawczenkę, A. Korsakowa, E. Tatevosiana, I. Miedwiediewa, I. Kalera i innych. U Kogana studiowali skrzypkowie zagraniczni: E. Sato, M. Fujikawa, I. Flory, A. Shestakova.