Ryszard Strauss |

Richard Strauss

Straussa Ryszarda. „Tak mówił Zaratustra”. Wstęp

Chcę nieść radość i sama jej potrzebuję. R. Straussa

R. Strauss – jeden z największych kompozytorów niemieckich przełomu XIX i XX wieku. Był obok G. Mahlera jednym z najlepszych dyrygentów swoich czasów. Chwała towarzyszyła mu od najmłodszych lat aż do końca życia. Śmiała innowacja młodego Straussa wywołała ostre ataki i dyskusje. W latach 20-30. XV-wieczni mistrzowie najnowszych trendów uznali twórczość kompozytora za przestarzałą i staroświecką. Jednak mimo to jego najlepsze dzieła przetrwały dziesiątki lat i do dziś zachowały swój urok i wartość.

Dziedziczny muzyk, Strauss urodził się i wychował w środowisku artystycznym. Jego ojciec był genialnym waltornistą i pracował w Monachijskiej Orkiestrze Dworskiej. Matka, która pochodziła z rodziny zamożnego piwowara, miała dobre wykształcenie muzyczne. Przyszły kompozytor otrzymał od niej pierwsze lekcje muzyki, gdy miał 4 lata. Rodzina dużo grała, nic więc dziwnego, że talent muzyczny chłopca objawił się wcześnie: w wieku 6 lat skomponował kilka sztuk i próbował napisać uwerturę na orkiestrę. Równolegle z domowymi lekcjami muzyki Richard uczęszczał do gimnazjum, studiował historię sztuki i filozofię na Uniwersytecie w Monachium. Monachijski dyrygent F. Mayer udzielał mu lekcji harmonii, analizy formy i orkiestracji. Udział w amatorskiej orkiestrze umożliwił praktyczne opanowanie gry na instrumentach, a pierwsze eksperymenty kompozytorskie zostały natychmiast wykonane. Udane lekcje muzyki pokazały, że młody człowiek nie musi iść do konserwatorium.

Wczesne kompozycje Straussa pisane były w ramach umiarkowanego romantyzmu, ale wybitny pianista i dyrygent G. Bülow, krytyk E. Hanslik i. I. Brahms widział w nich wielki talent młodzieńca.

Z polecenia Bülowa Strauss zostaje jego następcą – szefem nadwornej orkiestry księcia Saxe-Meidingen. Ale kipiąca energia młodego muzyka została stłoczona na prowincji i opuścił miasto, przenosząc się na stanowisko trzeciego kapelmistrza w Monachijskiej Operze Dworskiej. Wycieczka do Włoch pozostawiła żywe wrażenie, odzwierciedlone w symfonicznej fantazji „Z Włoch” (1886), której żywiołowy finał wywołał gorącą dyskusję. Po 3 latach Strauss idzie służyć w Weimarskim Teatrze Dworskim i równolegle z wystawianiem oper pisze swój poemat symfoniczny Don Juan (1889), który wysunął go na czołowe miejsce w sztuce światowej. Bülow napisał: „Don Juan…” był absolutnie niespotykanym sukcesem. Orkiestra Straussa po raz pierwszy zabłysła tu mocą rubensowskich barw, aw pogodnym bohaterze wiersza wielu rozpoznało autoportret samego kompozytora. W latach 1889-98. Strauss tworzy szereg barwnych poematów symfonicznych: „Til Ulenspiegel”, „Tako rzecze Zaratustra”, „Życie bohatera”, „Śmierć i oświecenie”, „Don Kichot”. Ujawniły wielki talent kompozytora na wiele sposobów: wspaniały blask, iskrzące brzmienie orkiestry, odważna śmiałość języka muzycznego. Powstanie „Symfonii domowej” (1903) kończy „symfoniczny” okres twórczości Straussa.

Odtąd kompozytor poświęca się operze. Jego pierwsze eksperymenty w tym gatunku („Guntram” i „Bez ognia”) noszą ślady wpływu wielkiego R. Wagnera, dla którego tytanicznej twórczości Strauss miał „bezgraniczny szacunek”.

Na przełomie wieków sława Straussa rozprzestrzeniła się na cały świat. Jego inscenizacje oper Mozarta i Wagnera uważane są za wzorcowe. Jako dyrygent symfoniczny Strauss koncertował w Anglii, Francji, Belgii, Holandii, Włoszech i Hiszpanii. W 1896 roku jego talent został doceniony w Moskwie, którą odwiedzał z koncertami. W 1898 r. Strauss został zaproszony na stanowisko dyrygenta berlińskiej Opery Dworskiej. Odgrywa znaczącą rolę w życiu muzycznym; organizuje spółkę kompozytorów niemieckich, zostaje werbowany przez prezesa Powszechnego Niemieckiego Związku Muzycznego, wnosi do Reichstagu projekt ustawy o ochronie praw autorskich kompozytorów. Tu poznał R. Rollanda i G. Hofmannsthala, utalentowanego austriackiego poetę i dramatopisarza, z którym współpracował przez około 30 lat.

W latach 1903-08. Strauss tworzy opery Salome (na podstawie dramatu O. Wilde'a) i Elektra (na podstawie tragedii G. Hofmannsthala). W nich kompozytor jest całkowicie wolny od wpływów Wagnera.

Biblijne i antyczne opowieści w interpretacji wybitnych przedstawicieli europejskiej dekadencji nabierają luksusowego i niepokojącego kolorytu, ukazują tragizm schyłku starożytnych cywilizacji. Śmiały język muzyczny Straussa, zwłaszcza w „Elektrze”, gdzie kompozytor, jak sam mówi, „doszedł do granic… możliwości percepcji współczesnych uszu”, wywołał sprzeciw wykonawców i krytyków. Wkrótce jednak obie opery rozpoczęły triumfalny pochód przez sceny Europy.

W 1910 roku nastąpił przełom w twórczości kompozytora. W środku burzliwej działalności dyrygenta tworzy najpopularniejszą ze swoich oper, Kawaler róży. Wpływ kultury wiedeńskiej, występy w Wiedniu, przyjaźń z wiedeńskimi pisarzami, wieloletnia sympatia do muzyki jego imiennika Johanna Straussa – wszystko to nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w muzyce. Walc operowy, podsycany romansem wiedeńskim, w którym przeplatają się zabawne przygody, komiczne intrygi z przebraniami, wzruszające relacje lirycznych bohaterów, Kawaler róży odniósł błyskotliwy sukces na premierze w Dreźnie (1911) i szybko podbił sceny wielu krajów, stając się jedną z najpopularniejszych oper XX w.

Epikurejski talent Straussa rozkwita z niespotykaną dotąd rozpiętością. Pod wrażeniem długiej podróży do Grecji napisał operę Ariadne auf Naxos (1912). W nim, podobnie jak w powstałych później operach Helena z Egiptu (1927), Daphne (1940) i The Love of Danae (1940), kompozytor z pozycji muzyka XX wieku. oddał hołd obrazom starożytnej Grecji, których lekka harmonia była tak bliska jego duszy.

Pierwsza wojna światowa wywołała w Niemczech falę szowinizmu. W tym środowisku Straussowi udało się zachować niezależność osądów, odwagę i jasność myśli. Antywojenne nastroje Rollanda były bliskie kompozytorowi, a przyjaciele, którzy znaleźli się w walczących krajach, nie zmienili swoich uczuć. Kompozytor znalazł zbawienie, jak sam przyznaje, w „pilnej pracy”. W 1915 ukończył barwną Symfonię alpejską, aw 1919 w Wiedniu wystawiono jego nową operę do libretta Hofmannsthala Kobieta bez cienia.

W tym samym roku Strauss na 5 lat zostaje szefem jednego z najlepszych teatrów operowych na świecie – Opery Wiedeńskiej, jest jednym z liderów salzburskich festiwali. Z okazji 60-lecia kompozytora odbyły się festiwale poświęcone jego twórczości w Wiedniu, Berlinie, Monachium, Dreźnie i innych miastach.

Kreatywność Straussa jest niesamowita. Tworzy cykle wokalne na podstawie wierszy IV Goethego, W. Szekspira, C. Brentano, G. Heinego, „wesoły balet wiedeński” „Szlagober” („Bita śmietana”, 1921), „komedię mieszczańską z przerywnikami symfonicznymi” operę ” Intermezzo (1924), liryczna komedia muzyczna z wiedeńskiego życia Arabella (1933), opera komiczna Cicha kobieta (na podstawie fabuły B. Johnsona, we współpracy z S. Zweigiem).

Wraz z dojściem Hitlera do władzy naziści najpierw starali się zwerbować do swojej służby wybitne postacie kultury niemieckiej. Nie pytając kompozytora o zgodę, Goebbels mianował go szefem Cesarskiej Izby Muzycznej. Strauss, nie przewidując pełnych konsekwencji tego posunięcia, przyjął to stanowisko, mając nadzieję na przeciwstawienie się złu i przyczynienie się do zachowania kultury niemieckiej. Ale naziści, bez ceregieli z najbardziej autorytatywnym kompozytorem, ustalili własne zasady: zakazali podróży do Salzburga, dokąd przybywali niemieccy emigranci, prześladowali librecistę Straussa S. Zweiga za jego „niearyjskie” pochodzenie, a w związku z to zakazali wystawiania opery Cicha kobieta. Kompozytor nie mógł ukryć oburzenia w liście do przyjaciela. List został otwarty przez gestapo, w wyniku czego Strauss został poproszony o rezygnację. Obserwując jednak z obrzydzeniem poczynania nazistów, Strauss nie mógł rezygnować z twórczości. Nie mogąc już współpracować ze Zweigiem, szuka nowego librecisty, z którym tworzy opery Dzień pokoju (1936), Dafne i Miłość Danae. Ostatnia opera Straussa, Capriccio (1941), po raz kolejny zachwyca niewyczerpaną siłą i jasnością natchnienia.

Podczas II wojny światowej, kiedy kraj był w ruinie, teatry w Monachium, Dreźnie, Wiedniu zawaliły się pod bombardowaniami, Strauss nadal pracuje. Napisał utwór żałobny na smyczki „Metamorfozy” (1943), romanse, z których jeden poświęcił 80-leciu G. Hauptmanna, suity orkiestrowe. Po zakończeniu wojny Strauss przez kilka lat mieszkał w Szwajcarii, a w przeddzień swoich 85. urodzin wrócił do Garmisch.

Twórcze dziedzictwo Straussa jest rozległe i różnorodne: opery, balety, poematy symfoniczne, muzyka do spektakli dramatycznych, utwory chóralne, romanse. Kompozytor czerpał inspiracje z różnorodnych źródeł literackich: są to F. Nietzsche i JB Moliere, M. Cervantes i O. Wilde. B. Johnsona i G. Hofmannsthala, JW Goethego i N. Lenaua.

Kształtowanie się stylu Straussa nastąpiło pod wpływem niemieckiego romantyzmu muzycznego R. Schumanna, F. Mendelssohna, I. Brahmsa, R. Wagnera. Jasna oryginalność jego muzyki po raz pierwszy objawiła się w poemacie symfonicznym „Don Juan”, który otworzył całą galerię prac programowych. Strauss rozwinął w nich zasady symfonizmu programowego G. Berlioza i F. Liszta, wypowiadając nowe słowo w tej dziedzinie.

Kompozytor podał wysokie przykłady syntezy szczegółowej koncepcji poetyckiej z mistrzowsko przemyślaną i głęboko zindywidualizowaną formą muzyczną. „Muzyka programowa wznosi się na poziom artyzmu, gdy jej twórca jest przede wszystkim muzykiem z inspiracją i umiejętnościami”. Opery Straussa należą do najpopularniejszych i najczęściej wystawianych dzieł XIX wieku. Jasna teatralność, zabawna (a czasem trochę zagmatwana) intryga, zwycięskie partie wokalne, barwna, wirtuozowska partytura orkiestrowa – to wszystko przyciąga do nich wykonawców i słuchaczy. Mając dogłębnie opanowane najwyższe osiągnięcia w dziedzinie gatunku operowego (przede wszystkim Wagnera), Strauss stworzył oryginalne przykłady zarówno opery tragicznej (Salome, Elektra), jak i komicznej (Der Rosenkavalier, Arabella). Unikając stereotypowego podejścia w dziedzinie dramaturgii operowej i mając ogromną wyobraźnię twórczą, kompozytor tworzy opery, w których komedia i liryzm, ironia i dramat łączą się w przedziwny, ale dość organiczny sposób. Czasami Strauss, jakby żartobliwie, skutecznie łączy różne warstwy czasowe, tworząc dramaturgiczne i muzyczne zamieszanie („Ariadne auf Naxos”).

Dziedzictwo literackie Straussa jest znaczące. Największy mistrz orkiestry, zrewidował i uzupełnił Traktat o instrumentacji Berlioza. Interesująca jest jego autobiograficzna książka „Refleksje i wspomnienia”, zawiera obszerną korespondencję z rodzicami, R. Rollandem, G. Bülovem, G. Hofmannsthalem, S. Zweigiem.

Występ Straussa jako dyrygenta operowego i symfonicznego trwa 65 lat. Występował w salach koncertowych Europy i Ameryki, wystawiał spektakle operowe w teatrach Austrii i Niemiec. Skalą talentu porównywany był do takich luminarzy sztuki dyrygenckiej jak F. Weingartner czy F. Motl.

Oceniając Straussa jako osobę twórczą, jego przyjaciel R. Rolland napisał: „Jego wola jest heroiczna, zwycięska, namiętna i potężna do wielkości. W tym jest świetny Richard Strauss, w tym jest wyjątkowy w obecnych czasach. Czuje władzę, która panuje nad ludźmi. To właśnie te heroiczne aspekty czynią go spadkobiercą jakiejś części myśli Beethovena i Wagnera. To właśnie te aspekty czynią go jednym z poetów – być może największym współczesnych Niemiec…”

W. Iljewa

• Dzieła operowe Richarda Straussa →
• Dzieła symfoniczne Richarda Straussa →
• Lista dzieł Richarda Straussa →

Richard Strauss jest kompozytorem o wybitnych umiejętnościach i ogromnej produktywności twórczej. Pisał muzykę we wszystkich gatunkach (z wyjątkiem muzyki kościelnej). Odważny innowator, wynalazca wielu nowych technik i środków języka muzycznego, Strauss był twórcą oryginalnych form instrumentalnych i teatralnych. Kompozytor dokonał syntezy różnych typów symfonizmu klasyczno-romantycznego w jednoczęściowym programowym poemacie symfonicznym. W równym stopniu opanował sztukę ekspresji, jak i sztukę reprezentacji.

Melodyka Strauss jest różnorodny i różnorodny, wyraźną diatonię często zastępuje chromatyczna. W melodiach oper Straussa obok niemieckiego, austriackiego (wiedeńskiego – w komediach lirycznych) pojawia się barwa narodowa; w niektórych utworach dominuje warunkowa egzotyka („Salome”, „Elektra”).

Drobno zróżnicowane środki rytm. Nerwowość, impulsywność wielu tematów wiąże się z częstymi zmianami metrum, asymetrycznymi konstrukcjami. Wibracyjne pulsowanie niestałych brzmień uzyskuje się dzięki polifonii różnorodnych konstrukcji rytmicznych i melodycznych, polirytmiczności tkaniny (zwłaszcza w Intermezzo, Cavalier des Roses).

W Harmonia kompozytor poszedł w ślady Wagnera, wzmacniając jego płynność, niepewność, ruchliwość, a zarazem błyskotliwość, nieodłączną od wyrazistej świetności barw instrumentalnych. Harmonia Straussa pełna jest opóźnień, dźwięków pomocniczych i przemijających. W swej istocie harmoniczne myślenie Straussa jest tonalne. A jednocześnie, jako szczególny środek wyrazu, Strauss wprowadził chromatyzmy, politonalne nakładki. Sztywność dźwięku często pojawiała się jako element humorystyczny.

Strauss osiągnął wielkie umiejętności w tej dziedzinie orkiestracja, używając barwy instrumentów jako jasnych kolorów. W latach powstania Elektry Strauss nadal był zwolennikiem potęgi i błyskotliwości powiększonej orkiestry. Później ideałem kompozytora staje się maksymalna przejrzystość i oszczędność kosztów. Strauss jako jeden z pierwszych wykorzystał barwy rzadkich instrumentów (flet altowy, mały klarnet, heckelfon, saksofon, obój d'amore, grzechotkę, maszynę dętą z orkiestry teatralnej).

Twórczość Straussa jest jednym z największych fenomenów światowej kultury muzycznej przełomu XIX i XX wieku. Jest głęboko związana z tradycją klasyczną i romantyczną. Podobnie jak przedstawiciele dziewiętnastowiecznego romantyzmu, Strauss dążył do ucieleśnienia złożonych koncepcji filozoficznych, do zwiększenia ekspresji i psychologicznej złożoności obrazów lirycznych oraz do stworzenia satyrycznych i groteskowych portretów muzycznych. Jednocześnie przekazywał z natchnieniem wielką pasję, heroiczny impuls.

Odzwierciedlając mocną stronę swojej epoki artystycznej – ducha krytyki i pragnienie nowości, Strauss w takim samym stopniu doświadczał negatywnych skutków czasu, jego sprzeczności. Strauss akceptował zarówno wagneryzm, jak i nietzscheizm, i nie miał nic przeciwko urodzie i frywolności. W początkowym okresie twórczości kompozytor kochał sensację, szokował konserwatywną publiczność, a nade wszystko stawiał na błyskotliwość rzemiosła, wyrafinowaną kulturę pracy twórczej. Przy całej złożoności koncepcji artystycznych dzieł Straussa często brakuje im wewnętrznego dramatyzmu, wagi konfliktu.

Strauss uległ złudzeniom późnego romantyzmu i poczuł wzniosłą prostotę sztuki przedromantycznej, zwłaszcza Mozarta, którego kochał, a pod koniec życia ponownie poczuł pociąg do głęboko przenikliwego liryzmu, wolnego od zewnętrznej popisowości i estetycznych ekscesów .

OT Leontieva

• Dzieła operowe Richarda Straussa →
• Dzieła symfoniczne Richarda Straussa →
• Lista dzieł Richarda Straussa →