Siergiej Michajłowicz Słonimski |
Siergiej Słonimski
Tylko ten zasługuje na dziedzictwo, Kto może zastosować dziedzictwo w życiu. JW Goethe, „Faust”
Jest rzeczywiście jednym z nielicznych współczesnych kompozytorów, których niezmiennie postrzega się jako spadkobierców tradycji. Którego? Zwykle nazywany M. Musorgskim i S. Prokofiewem. Nie mniej stanowczo w osądach na temat Słonimskiego podkreśla się również coś przeciwnego: jasną indywidualność muzyki, jej zapamiętywanie i łatwe rozpoznawanie. Poleganie na tradycji i własne „ja” Słonimskiego nie wykluczają się wzajemnie. Ale do jedności tych dwóch przeciwieństw dodaje się jeszcze trzecie – umiejętność rzetelnego tworzenia w stylach muzycznych różnych czasów i narodów, czy to rosyjska wieś czasów przedrewolucyjnych w operze Wirineja (1967, na podstawie opowiadanie L. Seifulliny) czy stara Szkocja w operze Mary Stuart (1980), która swoją głębią penetracji zadziwiła nawet szkockich słuchaczy. Ten sam walor autentyczności mają jego „starożytne” kompozycje: balet „Ikar” (1971); utwory wokalne „Pieśń nad pieśniami” (1975), „Pożegnanie przyjaciela na pustyni” (1966), „Monologi” (1967); opera Mistrz i Małgorzata (1972, Sceny z Nowego Testamentu). Jednocześnie autor stylizuje starożytność, łącząc muzyczne zasady folkloru, najnowsze techniki kompozytorskie XX wieku. z własną osobowością. „Najwyraźniej Słonimski ma ten szczególny dar, który wyróżnia jednego kompozytora spośród wielu: umiejętność mówienia różnymi językami muzycznymi, a jednocześnie piętno osobowości, które spoczywa na jego utworach” — uważa amerykański krytyk.
Autor wielu dzieł Słonimski jest nieprzewidywalny w każdym nowym. Po kantacie „Pieśni Wolnych” (1959, o tekstach ludowych), w której zdumiewająca realizacja rosyjskiego folkloru pozwoliła mówić o Słonimskim jako o jednym z inspiratorów „nowej fali folklorystycznej”, pojawiła się Solowa Sonata skrzypcowa – dzieło o najbardziej nowoczesnej ekspresji i złożoności. Po operze kameralnej Mistrz i Małgorzata pojawił się Koncert na trzy gitary elektryczne, instrumenty solowe i orkiestrę symfoniczną (1973) – najbardziej oryginalna synteza dwóch gatunków i form myślenia muzycznego: rocka i symfonii. Taka amplituda i gwałtowna zmiana w figuratywnych i fabularnych zainteresowaniach kompozytora początkowo zszokowała wielu, nie wyjaśniając: jaki jest prawdziwy Słonimski? „…Czasami, po kolejnej nowej pracy, jego fani stają się jego „denierami”, a ci drudzy stają się fanami. Tylko jedno pozostaje niezmienne: jego muzyka zawsze wzbudza zainteresowanie słuchaczy, którzy o niej myślą i spierają się o nią. Stopniowo ujawniała się nierozerwalna jedność różnych stylów Słonimskiego, na przykład umiejętność nadawania nawet dodekafonii cech folklorystycznych melosów. Okazało się, że charakterystyczne dla folkloru są takie ultranowoczesne techniki, jak stosowanie systemu nietemperowanego (intonacje tercjowe i ćwierćtonowe), swobodna improwizacja rytmiczna bez wyciszeń. A uważne studium jego harmonii ujawniło, jak autor w szczególny sposób posługuje się zasadami antycznej harmonii i ludowej polifonii, oczywiście, wraz z arsenałem środków harmonii romantycznej i nowoczesnej. Dlatego w każdej ze swoich dziewięciu symfonii tworzył pewne muzyczne dramaty, często połączone ze sobą obrazami – nośnikami głównych idei, uosabiającymi różne przejawy i formy dobra i zła. Równie jasno, bogato, symfonicznie, wątki wszystkich czterech jego muzycznych kompozycji scenicznych – baletu i trzech oper – ujawniają się właśnie w muzyce. Jest to jeden z głównych powodów niesłabnącego zainteresowania wykonawców i słuchaczy muzyką Słonimskiego, szeroko słyszaną w ZSRR i za granicą.
Urodzony w 1932 roku w Leningradzie, w rodzinie wybitnego radzieckiego pisarza M. Słonimskiego, przyszły kompozytor odziedziczył duchowe tradycje rosyjskiej demokratycznej inteligencji twórczej. Z wczesnego dzieciństwa pamięta bliskich przyjaciół ojca: E. Schwartza, M. Zoshchenko, K. Fedina, opowieści o M. Gorkim, A. Grinie, atmosferę napiętego, trudnego, dramatycznego życia pisarza. Wszystko to szybko poszerzyło wewnętrzny świat dziecka, nauczyło patrzeć na świat oczami pisarza, artysty. Bystra obserwacja, analityczność, klarowność w ocenie zjawisk, ludzi, działań – stopniowo rozwijało się w nim myślenie dramatyczne.
Edukację muzyczną Słonimskiego rozpoczął w latach przedwojennych w Leningradzie, kontynuował w czasie wojny w Permie iw Moskwie w Centralnej Szkole Muzycznej; ukończył w Leningradzie – w dziesięcioletniej szkole, w konserwatorium na wydziałach kompozycji (1955) i fortepianu (1958), wreszcie na studiach magisterskich – z teorii muzyki (1958). Wśród nauczycieli Słonimskiego są B. Arapov, I. Sherman, V. Shebalin, O. Messner, O. Evlakhov (kompozycja). Objawiające się od dzieciństwa skłonności do improwizacji, zamiłowanie do teatru muzycznego, zamiłowanie do S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, M. Musorgskiego w dużej mierze zdeterminowały obraz twórczy przyszłego kompozytora. Wysłuchawszy wielu klasycznych oper w latach wojny w Permie, dokąd ewakuowano Teatr im. Kirowa, młody Słonimski improwizował całe sceny operowe, komponował dramaty i sonaty. I prawdopodobnie był dumny w swojej duszy, chociaż był zdenerwowany, że taki muzyk jak A. Pazowski, ówczesny główny dyrygent teatru, nie wierzył, że dziesięcioletni Siergiej Słonimski sam napisał romans do wierszy Lermontowa .
W 1943 roku Słonimski kupił w jednym z moskiewskich sklepów pasmanteryjnych clavier z opery Lady Makbet z mceńskiego powiatu – zakazane dzieło Szostakowicza zostało złomowane. Operę zapamiętano, a przerwy w Centralnej Szkole Muzycznej ogłoszono „Sceną klapsów” pod zdezorientowanymi i pełnymi dezaprobaty spojrzeniami nauczycieli. Perspektywy muzyczne Słonimskiego szybko się rozwijały, muzyka świata była wchłaniana gatunek po gatunku, styl po stylu. Tym bardziej straszny dla młodego muzyka był rok 1948, który zawęził świat muzyki współczesnej do ciasnej przestrzeni ograniczonej murami „formalizmu”. Jak wszyscy muzycy tego pokolenia, którzy po 1948 roku studiowali w konserwatoriach, został wychowany wyłącznie na klasycznym dziedzictwie. Dopiero po XV Kongresie KPZR rozpoczęto głębokie i bezstronne badanie kultury muzycznej XV wieku. Młodzież kompozytorska z Leningradu w Moskwie intensywnie nadrabiała stracony czas. Razem z L. Prigogine, E. Denisovem, A. Schnittke. S. Gubaidulina, uczyli się od siebie nawzajem.
Jednocześnie rosyjski folklor stał się dla Słonimskiego najważniejszą szkołą. Wiele wypraw folklorystycznych – „całe konserwatorium folklorystyczne”, jak mówi autor – odbywało się w zrozumieniu nie tylko pieśni, ale i ludowego charakteru, obyczajowości rosyjskiej wsi. Jednak pryncypialna pozycja artystyczna Słonimskiego wymagała wrażliwego słuchania współczesnego folkloru miejskiego. Tak więc intonacje pieśni turystycznych i bardów z lat 60. organicznie weszły w jego muzykę. Kantata „Głos z chóru” (na ul. A. Bloka, 1964) jest pierwszą próbą połączenia odległych stylów w jedną artystyczną całość, którą A. Schnittke określił później mianem „polistylistyki”.
Nowoczesna myśl artystyczna została ukształtowana przez Słonimskiego od dzieciństwa. Ale przełom lat 50. i 60. był szczególnie ważny. Dużo komunikując się z leningradzkimi poetami E. Reinem, G. Gerbowskim, I. Brodskim, z aktorami M. Kozakowem, S. Yurskim, z leninistą V. Loginowem, reżyserem filmowym G. Poloką, Słonimskim dorastał w konstelacji jasnych talentów. Doskonale łączy w sobie dojrzałość i figlarność, skromność, dochodzenie do skrupulatności i odwagę, aktywną pozycję życiową. Jego ostre, szczere przemówienia są zawsze rozstrzygające, poparte poczuciem sprawiedliwości i wielką erudycją. Humor Siergieja Słonimskiego jest kłujący, precyzyjny, chwytliwy jak celna fraza ludowa.
Słonimski to nie tylko kompozytor i pianista. Jest genialnym, najbardziej artystycznym improwizatorem, wybitnym muzykologiem (autor książki „Symfonia S. Prokofiewa”, artykułów o R. Schumannie, G. Mahlerze, I. Strawińskim, D. Szostakowiczu, M. Musorgskim, N. Rimskiego-Korsakowa, M. Bałakiriewa, ostre i polemiczne wypowiedzi o współczesnej twórczości muzycznej). Jest także pedagogiem – profesorem Konserwatorium Leningradzkiego, właściwie twórcą całej szkoły. Wśród jego uczniów: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov – w sumie ponad 30 członków Związku Kompozytorów, w tym muzykolodzy. Muzyczny i publiczny, któremu zależy na utrwaleniu pamięci i wykonywaniu niezasłużenie zapomnianych dzieł M. Musorgskiego, W. Szczerbaczowa, a nawet R. Schumanna, Słonimski jest jednym z najbardziej autorytatywnych współczesnych muzyków radzieckich.
M. Rycarewa
