Sofia Asgatovna Gubaidulina (Sofia Gubaidulina) |

Sofia Gubajdulina

O tej godzinie, dusza, wiersze Światy, gdzie chcesz Królować, — pałac dusz, Dusza, wiersze. M. Cwietajewa

S. Gubaidulina jest jednym z najważniejszych kompozytorów radzieckich drugiej połowy XX wieku. Jej muzykę cechuje wielka siła emocjonalna, duża linia rozwoju, a jednocześnie najsubtelniejsze wyczucie wyrazistości dźwięku – natury jego barwy, techniki wykonawczej.

Jednym z ważnych zadań stawianych przez SA Gubaidulinę jest synteza cech kultury Zachodu i Wschodu. Sprzyja temu jej pochodzenie z rodziny rosyjsko-tatarskiej, życie najpierw na Tatarach, potem w Moskwie. Nie należy ani do „awangardy”, ani do „minimalizmu”, ani do „nowej fali folkloru” ani do żadnego innego nowoczesnego nurtu, ma własny, jasny, indywidualny styl.

Gubaidulina jest autorką kilkudziesięciu prac z różnych gatunków. Całą jej twórczość przewijają się opusy wokalne: wczesna „Facelia” oparta na wierszu M. Prishvina (1956); kantaty „Noc w Memphis” (1968) i „Rubaiyat” (1969) na ul. poeci orientalni; oratorium „Laudatio pacis” (na stacji J. Comenius, we współpracy z M. Kopelentem i PX Dietrichem – 1975); „Percepcja” na solistów i zespół smyczkowy (1983); „Dedykacja Marinie Cwietajewej” na chór a cappella (1984) i inne.

Najobszerniejsza grupa kompozycji kameralnych: Sonata fortepianowa (1965); Pięć etiud na harfę, kontrabas i perkusję (1965); „Concordanza” na zespół instrumentów (1971); 3 kwartety smyczkowe (1971, 1987, 1987); „Muzyka na klawesyn i instrumenty perkusyjne z kolekcji Marka Pekarskiego” (1972); „Detto-II” na wiolonczelę i 13 instrumentów (1972); Dziesięć etiud (Preludia) na wiolonczelę solo (1974); Koncert na fagot i niskie smyczki (1975); „Światło i ciemność” na organy (1976); „Detto-I” – Sonata na organy i perkusję (1978); „De prolundis” na akordeon guzikowy (1978), „Jubilation” dla czterech perkusistów (1979), „In croce” na wiolonczelę i organy (1979); „Na początku był rytm” na 7 perkusistów (1984); „Quasi hoketus” na fortepian, altówkę i fagot (1984) i inne.

Obszar utworów symfonicznych Gubajduliny obejmuje „Kroki” na orkiestrę (1972); „Godzina duszy” na perkusję solo, mezzosopran i orkiestrę symfoniczną przy ul. Marina Cwietajewa (1976); Koncert na dwie orkiestry, różnorodność i symfonia (1976); koncerty na fortepian (1978) i skrzypce i orkiestrę (1980); Symfonia „Stimmen… Verftummen…” („Słyszę… Milczyło…” – 1986) i inne. Jedna kompozycja jest czysto elektroniczna, „Vivente – non vivante” (1970). Muzyka Gubaiduliny dla kina jest znacząca: „Mowgli”, „Balagan” (kreskówki), „Vertical”, „Department”, „Smerch”, „Scarecrow” itp. Gubaidulina ukończyła Konserwatorium Kazańskie w 1954 roku jako pianista ( u G. Kogana), studiował opcjonalnie w kompozycji u A. Lehmana. Jako kompozytorka ukończyła Konserwatorium Moskiewskie (1959, u N. Peiko) i szkołę podyplomową (1963, u V. Shebalin). Chcąc poświęcić się wyłącznie kreatywności, na resztę życia wybrała drogę wolnego artysty.

Twórczość Gubajdulina była stosunkowo mało znana w okresie „stagnacji” i dopiero pierestrojka przyniosła mu szerokie uznanie. Najwyżej oceniane za granicą prace sowieckiego mistrza. I tak podczas Bostońskiego Festiwalu Muzyki Radzieckiej (1988) jeden z artykułów został zatytułowany: „Zachód odkrywa geniusz Sofii Gubaiduliny”.

Wśród wykonawców muzyki Gubajduliny są najbardziej znani muzycy: dyrygent G. Rozhdestvensky, skrzypek G. Kremer, wiolonczeliści V. Tonkha i I. Monighetti, fagocista V. Popov, bajanista F. Lips, perkusista M. Pekarsky i inni.

Indywidualny styl komponowania Gubaiduliny ukształtował się w połowie lat 60., zaczynając od Five Etudes na harfę, kontrabas i perkusję, wypełnionych duchowym brzmieniem niekonwencjonalnego zespołu instrumentów. Następnie pojawiły się 2 kantaty tematycznie adresowane do Wschodu – „Noc w Memfis” (o tekstach ze staroegipskich tekstów w tłumaczeniu A. Achmatowej i W. Potapowej) oraz „Rubajat” (o wersach Chakaniego, Hafiza, Chajjama). Obie kantaty ukazują odwieczne ludzkie motywy miłości, smutku, samotności, pocieszenia. W muzyce elementy orientalnej melodii melizmatycznej syntetyzuje się z zachodnią efektowną dramaturgią, z dodekafoniczną techniką kompozytorską.

W latach 70. nie pochłonął szeroko rozpowszechniony w Europie styl „nowej prostoty”, ani metoda polistylistyki, z której aktywnie korzystali czołowi kompozytorzy jej pokolenia (A. Schnittke, R. Szczedrin itp. ), Gubaidulina nadal poszukiwała obszarów wyrazistości dźwiękowej (np. w Dziesięciu Etiudach na wiolonczelę) i dramaturgii muzycznej. Koncert na fagot i niskie smyczki to ostry „teatralny” dialog między „bohaterem” (fagot solo) a „tłumem” (grupa wiolonczel i kontrabasów). Jednocześnie ukazany jest ich konflikt, który przechodzi przez różne etapy wzajemnego nieporozumienia: „tłum” narzucający swoją pozycję „bohaterowi” – ​​wewnętrzna walka „bohatera” – jego „ustępstwa wobec tłumu” i moralne fiasko głównego „postaci”.

„Godzina duszy” na perkusję solo, mezzosopran i orkiestrę zawiera opozycję ludzkich, lirycznych i agresywnych, nieludzkich zasad; rezultatem jest natchniony liryczny wokalny finał do wysublimowanych, „atlantyckich” wersetów M. Cwietajewej. W utworach Gubaiduliny pojawiła się symboliczna interpretacja oryginalnych kontrastujących par: „Światło i Ciemność” dla organów, „Vivente – non vivente”. („Living – inanimate”) na syntezator elektroniczny, „In croce” („Crosswise”) na wiolonczelę i organy (2 instrumenty wymieniają się tematami w trakcie opracowywania). W latach 80. Gubaidulina ponownie tworzy dzieła o dużym, wielkim planie, kontynuując swój ulubiony „orientalny” temat i zwracając uwagę na muzykę wokalną.

Ogród Radości i Smutku na flet, altówkę i harfę obdarzony jest wyrafinowanym orientalnym smakiem. W tej kompozycji subtelna melizmatyka melodii jest kapryśna, przeplatanie się wysokich rejestrów instrumentów jest znakomite.

Koncert na skrzypce i orkiestrę, nazwany przez autora „Offertorium”, ucieleśnia ideę poświęcenia i odrodzenia do nowego życia za pomocą środków muzycznych. Symbolem muzycznym jest temat z „Oferty muzycznej” JS Bacha w orkiestrowej aranżacji A. Weberna. Trzeci kwartet smyczkowy (jednogłosowy) odbiega od tradycji kwartetu klasycznego, opiera się na przeciwstawieniu „stworzonej przez człowieka” gry pizzicato i „niestworzonej” gry smyczkiem, która również ma znaczenie symboliczne .

Gubaidulina uważa „Percepcję” („Percepcję”) na sopran, baryton i 7 instrumentów smyczkowych w 13 głosach za jedno z jego najlepszych dzieł. Powstała w wyniku korespondencji z F. Tanzerem, gdy poeta przesłał teksty swoich wierszy, a kompozytor udzielał na nie odpowiedzi słownych i muzycznych. Tak powstał symboliczny dialog między mężczyzną a kobietą na tematy: Stwórca, Stworzenie, Twórczość, Stworzenie. Gubaidulina osiągnęła tu zwiększoną, przenikliwą ekspresję partii wokalnej i zastosowała całą gamę technik głosowych zamiast zwykłego śpiewu: śpiew czysty, śpiew przydechowy, Sprechstimme, mowę czystą, mowę przydechową, mowę intonowaną, szept. W niektórych numerach dodano taśmę magnetyczną z nagraniem uczestników spektaklu. Liryczno-filozoficzny dialog mężczyzny i kobiety, który przeszedł przez etapy jego wcielenia w wielu liczbach (nr 1 „Spójrz”, nr 2 „My”, nr 9 „Ja”, nr 10 „Ja i Ty”) dochodzi do punktu kulminacyjnego w nr 12 „Śmierć Monty” Ta najbardziej dramatyczna część to ballada o czarnym koniu Montym, który kiedyś zdobywał nagrody na wyścigach, a teraz jest zdradzony, sprzedany, pobity , nie żyje. Nr 13 „Głosy” służy jako posłowie rozpraszające. Słowa otwierające i zamykające finał – „Stimmen… Verstummen…” („Głosy… Wyciszone…”) posłużyły jako podtytuł dużej, dwunastoczęściowej I Symfonii Gubajduliny, będącej kontynuacją artystycznych idei „Percepcji”.

Drogę Gubajduliny w sztuce wskazują słowa z jej kantaty „Noc w Memfis”: „Czyńcie swoje uczynki na ziemi na rozkaz serca”.

W. Cholopowa