Artur Schnabel |

Artur Sznabel

Nasze stulecie było największym kamieniem milowym w historii sztuk performatywnych: wynalezienie zapisu dźwiękowego radykalnie zmieniło ideę wykonawców, umożliwiając „reifikację” i trwałe odciśnięcie dowolnej interpretacji, czyniąc ją własnością nie tylko współczesnych, ale także przyszłe pokolenia. Ale jednocześnie nagranie dźwiękowe pozwoliło z nową energią i wyrazistością odczuć, jak dokładnie wykonanie, interpretacja, jako forma twórczości artystycznej, podlega czasowi: to, co kiedyś wydawało się objawieniem, z biegiem lat nieubłaganie narasta stary; co wywołało zachwyt, czasem pozostawia jedynie zdumienie. Zdarza się to często, ale są wyjątki – artyści, których sztuka jest na tyle mocna i doskonała, że ​​nie podlega „korozji”. Takim artystą był Artur Schnabel. Jego gra, utrwalona w nagraniach na płytach, pozostawia dziś niemal tak silne i głębokie wrażenie, jak w tamtych latach, kiedy występował na estradach koncertowych.

• Muzyka fortepianowa w sklepie internetowym OZON.ru

Przez wiele dziesięcioleci Arthur Schnabel pozostawał swoistym wzorcem – wzorcem szlachetności i klasycznej czystości stylu, treści i wysokiej duchowości wykonania, zwłaszcza jeśli chodzi o interpretację muzyki Beethovena i Schuberta; jednak w interpretacji Mozarta czy Brahmsa niewielu mogło się z nim równać.

Tym, którzy znali go tylko z notatek – a tych jest oczywiście dziś większość – Schnabel wydawał się postacią monumentalną, tytaniczną. Tymczasem w rzeczywistości był niskim mężczyzną z tym samym cygarem w ustach, a tylko jego głowa i ręce były nieproporcjonalnie duże. Ogólnie rzecz biorąc, w ogóle nie pasował do zakorzenionej idei uXNUMXbuXNUMXb„gwiazdy popu”: nic zewnętrznego w sposobie gry, żadnych zbędnych ruchów, gestów, póz. A jednak, kiedy usiadł przy instrumencie i wziął pierwsze akordy, w sali zapadła ukryta cisza. Jego sylwetka i gra promieniowały tym wyjątkowym, szczególnym urokiem, który uczynił go legendarną osobowością za życia. Legendarność ta jest wciąż poparta „materialnymi dowodami” w postaci wielu zapisów, jest rzetelnie ujęta we wspomnieniach „Moje życie i muzyka”; jego aureolę nadal wspierają dziesiątki studentów, którzy wciąż zajmują czołowe pozycje na horyzoncie światowej pianistyki. Tak, pod wieloma względami Schnabla można uznać za twórcę nowej, nowoczesnej pianistyki – nie tylko dlatego, że stworzył wspaniałą szkołę pianistyczną, ale także dlatego, że jego sztuka, podobnie jak sztuka Rachmaninowa, wyprzedzała swoje czasy…

Schnabel niejako wchłonął, zsyntetyzował i rozwinął w swojej sztuce najlepsze cechy pianistyki XIX wieku – heroiczną monumentalność, rozmach – cechy, które zbliżają go do najlepszych przedstawicieli rosyjskiej tradycji pianistycznej. Nie należy zapominać, że przed wstąpieniem do klasy T. Leshetitsky'ego w Wiedniu przez długi czas kształcił się pod kierunkiem swojej żony, wybitnej rosyjskiej pianistki A. Esipowej. W ich domu widział wielu znakomitych muzyków, m.in. Antona Rubinsteina, Brahmsa. W wieku dwunastu lat chłopiec był już artystą kompletnym, w którego zabawie zwracano uwagę przede wszystkim na głębię intelektualną, tak niezwykłą dla małego cudownego dziecka. Dość powiedzieć, że w jego repertuarze znajdowały się sonaty Schuberta i kompozycje Brahmsa, na które nawet doświadczeni artyści rzadko mają odwagę grać. Do legendy weszło również zdanie, które Leshetitsky powiedział młodemu Schnabelowi: „Nigdy nie będziesz pianistą. Czy jesteś muzykiem!". Wprawdzie Schnabel nie został „wirtuozem”, ale jego talent muzyczny objawił się w całej rozciągłości nazwisk, ale w dziedzinie pianoforte.

Schnabel zadebiutował w 1893 r., konserwatorium ukończył w 1897 r., kiedy jego nazwisko było już powszechnie znane. Jego formację znacznie ułatwiło zamiłowanie do muzyki kameralnej. Na przełomie XIX i XX wieku założył Schnabel Trio, w skład którego weszli także skrzypek A. Wittenberg i wiolonczelista A. Hecking; później dużo grywał ze skrzypkiem K. Fleschem; wśród jego partnerów była piosenkarka Teresa Behr, która została żoną muzyka. W tym samym czasie Schnabel zyskał autorytet jako nauczyciel; w 1919 otrzymał tytuł profesora honorowego konserwatorium berlińskiego, a od lat 1925 prowadził klasę fortepianu w berlińskiej Wyższej Szkole Muzycznej. Ale jednocześnie przez wiele lat Schnabel nie odnosił większych sukcesów jako solista. Na początku lat 20. musiał czasami występować w na wpół pustych salach w Europie, a tym bardziej w Ameryce; widocznie nie nadszedł wtedy czas na godną ocenę artysty. Ale stopniowo jego sława zaczyna rosnąć. W 1927 roku obchodził 100. rocznicę śmierci swojego idola Beethovena, wykonując po raz pierwszy wszystkie sonaty z 32 roku w jednym cyklu, a kilka lat później jako pierwszy w historii utrwalił je wszystkie na płytach – o godz. w tym czasie bezprecedensowa praca, która zajęła cztery lata! W 1928, w 100. rocznicę śmierci Schuberta, zagrał cykl obejmujący niemal wszystkie jego kompozycje fortepianowe. Potem wreszcie przyszło do niego powszechne uznanie. Artysta ten był szczególnie ceniony w naszym kraju (gdzie od 1924 do 1935 r. wielokrotnie koncertował z wielkim powodzeniem), gdyż sowieccy melomani stawiali zawsze na pierwszym miejscu i cenili przede wszystkim bogactwo sztuki. Uwielbiał też występować w ZSRR, zwracając uwagę na „wielką kulturę muzyczną i zamiłowanie szerokich mas do muzyki” w naszym kraju.

Po dojściu nazistów do władzy Schnabel ostatecznie opuścił Niemcy, mieszkał przez jakiś czas we Włoszech, potem w Londynie, by wkrótce na zaproszenie S. Koussevitzky'ego przenieść się do Stanów Zjednoczonych, gdzie szybko zyskał powszechną miłość. Tam mieszkał do końca swoich dni. Muzyk zmarł niespodziewanie, w przeddzień rozpoczęcia kolejnej wielkiej trasy koncertowej.

Repertuar Schnabla był świetny, ale nie nieograniczony. Uczniowie wspominali, że na lekcjach ich mentor grał z pamięci prawie całą literaturę fortepianową, aw jego wczesnych latach w programach można było spotkać nazwiska romantyków – Liszta, Chopina, Schumanna. Ale osiągnąwszy dojrzałość, Schnabel celowo ograniczył się i przyniósł słuchaczom tylko to, co było mu szczególnie bliskie – Beethovena, Mozarta, Schuberta, Brahmsa. Sam motywował to bez kokieterii: „Uznałem za zaszczyt ograniczyć się do regionu wysokogórskiego, gdzie za każdym zdobytym szczytem otwierają się coraz to nowe”.

Sława Schnabla była wielka. Jednak fanatycy wirtuozerii fortepianowej nie zawsze potrafili zaakceptować sukces artysty i pogodzić się z nim. Odnotowywali nie bez złośliwości każde „pociągnięcie”, każdy widoczny wysiłek, jaki wkładali w pokonanie trudności, jakie stawiały Appassionata, koncerty czy późne sonaty Beethovena. Zarzucano mu też nadmierną roztropność, oschłość. Tak, nigdy nie posiadał fenomenalnych danych Backhouse'a czy Levina, ale żadne techniczne wyzwania nie były dla niego nie do pokonania. „Jest absolutnie pewne, że Schnabel nigdy nie opanował techniki wirtuozowskiej. Nigdy nie chciał jej mieć; nie potrzebował tego, ponieważ w jego najlepszych latach niewiele chciał, ale nie mógł zrobić ”- napisał A. Chesins. Jego wirtuozerii wystarczyło na ostatnią z płyt, sporządzoną na krótko przed śmiercią, w 1950 roku, przedstawiającą jego interpretację improwizacji Schuberta. Było inaczej – Schnabel pozostał przede wszystkim muzykiem. Najważniejsze w jego grze było niewątpliwe wyczucie stylu, filozoficzna koncentracja, wyrazistość frazy, hart ducha. To właśnie te cechy determinowały jego tempo, jego rytm – zawsze dokładny, ale nie „metrorytmiczny”, jego koncepcję wykonawczą jako całość. Chasins kontynuuje: „Gra Schnabla miała dwie główne cechy. Zawsze była wybitnie inteligentna i dyskretnie ekspresyjna. Koncerty Schnabla były inne niż wszystkie. Sprawił, że zapomnieliśmy o wykonawcach, o scenie, o fortepianie. Zmusił nas do całkowitego oddania się muzyce, do podzielenia się własnym zanurzeniem.

Ale mimo to w wolnych partiach, w „prostej” muzyce Schnabel był naprawdę niezrównany: jak mało kto potrafił tchnąć znaczenie w prostą melodię, wymówić frazę o wielkim znaczeniu. Godne uwagi są jego słowa: „Dzieciom wolno grać Mozarta, bo Mozart ma stosunkowo mało nut; dorośli unikają grania Mozarta, ponieważ każda nuta kosztuje zbyt wiele”.

Wpływ gry Schnabela został znacznie wzmocniony przez jego dźwięk. W razie potrzeby był miękki, aksamitny, ale jeśli wymagały tego okoliczności, pojawiał się w nim stalowy klosz; jednocześnie obca była mu szorstkość czy chamstwo, a wszelkie gradacje dynamiczne podporządkowane były wymogom muzyki, jej znaczenia, jej rozwoju.

Niemiecki krytyk H. Weier-Wage pisze: „W przeciwieństwie do temperamentalnego subiektywizmu innych wielkich pianistów swoich czasów (np. d'Alberta czy Pembaura, Neya czy Edwina Fischera), jego gra zawsze sprawiała wrażenie powściągliwej i . Uczuciom nigdy nie dawał uciec, jego ekspresyjność pozostawała ukryta, czasem niemal zimna, a jednak do czystego „obiektywizmu” było mu nieskończenie daleko. Jego błyskotliwa technika zdawała się przewidywać ideały kolejnych pokoleń, ale zawsze pozostawała jedynie środkiem do rozwiązania wzniosłego artystycznego zadania.

Spuścizna Artura Schnabla jest różnorodna. Dużo i owocnie pracował jako redaktor. W 1935 roku ukazało się fundamentalne dzieło – wydanie wszystkich sonat Beethovena, w którym podsumował doświadczenia kilku pokoleń interpretatorów i zarysował własne, oryginalne poglądy na interpretację muzyki Beethovena.

Twórczość kompozytora zajmuje szczególne miejsce w biografii Schnabela. Ten surowy „klasyk” przy fortepianie i fanatyk klasyki był zapalonym eksperymentatorem w swojej muzyce. Jego kompozycje – a wśród nich koncert fortepianowy, kwartet smyczkowy, sonata wiolonczelowa i utwory na fortepian – zadziwiają niekiedy złożonością języka, nieoczekiwanymi wyprawami w sferę atonalną.

A jednak główną, główną wartością w jego spuściźnie są oczywiście zapisy. Jest ich wiele: koncerty Beethovena, Brahmsa, Mozarta, sonaty i utwory ich ulubionych autorów i wiele więcej, aż po Marsze wojskowe Schuberta, wykonywane na cztery ręce z jego synem Karlem Ulrichem Schnabelem, kwintety Dvoraka i Schuberta, uchwycone w współpraca z kwartetem „Yro arte”. Oceniając pozostawione przez pianistę nagrania, amerykański krytyk D. Harrisoa napisał: „Z trudem mogę się powstrzymać, słuchając gadaniny, że Schnabel miał rzekomo cierpieć na braki techniczne i dlatego, jak mówią niektórzy, lepiej czuł się w wolnej muzyce, niż szybko. To po prostu nonsens, skoro pianista miał pełną kontrolę nad swoim instrumentem i zawsze, z jednym czy dwoma wyjątkami, „traktował” sonaty i koncerty tak, jakby były stworzone specjalnie dla jego palców. Rzeczywiście, spory o technikę Schnabla są skazane na śmierć, a te zapiski potwierdzają, że ani jedna fraza, duża czy mała, nie była wyższa niż jego wirtuozowska bystrość.

Dziedzictwo Artura Schnabla wciąż żyje. Z biegiem lat coraz więcej nagrań jest wydobywanych z archiwów i udostępnianych szerokiemu kręgowi melomanów, co potwierdza skalę kunsztu artysty.

Lit.: Smirnova I. Arthur Schnabel. – L., 1979