Kultura muzyczna klasycyzmu: zagadnienia estetyczne, klasyka muzyki wiedeńskiej, główne gatunki

W muzyce, jak w żadnej innej dziedzinie sztuki, pojęcie „klasyki” ma niejednoznaczną treść. Wszystko jest względne, a wszelkie przeboje z przeszłości, które przetrwały próbę czasu – czy to arcydzieła Bacha, Mozarta, Chopina, Prokofiewa czy, powiedzmy, The Beatles – można zaliczyć do dzieł klasycznych.

Niech miłośnicy muzyki dawnej wybaczą mi frywolne słowo „przebój”, ale wielcy kompozytorzy pisali kiedyś muzykę popularną dla swoich współczesnych, nie celując w wieczność.

Po co to wszystko? Do tego, tego Ważne jest oddzielenie szerokiego pojęcia muzyki klasycznej od klasycyzmu jako kierunku w sztuce muzycznej.

Epoka klasycyzmu

Klasycyzm, który w kilku etapach zastąpił renesans, ukształtował się we Francji pod koniec XVII wieku, odzwierciedlając w swojej sztuce częściowo poważny rozwój monarchii absolutnej, częściowo zmianę światopoglądu z religijnego na świecki.

W XVIII wieku rozpoczęła się nowa runda rozwoju świadomości społecznej – epoka oświecenia. Przepych i wielkość baroku, bezpośredniego poprzednika klasycyzmu, zastąpiono stylem opartym na prostocie i naturalności.

Zasady estetyczne klasycyzmu

Sztuka klasycyzmu opiera się na -. Nazwa „klasycyzm” wywodzi się ze słowa z języka łacińskiego – classicus, co oznacza „wzorowy”. Idealnym wzorem dla artystów tego nurtu była estetyka antyczna z jej harmonijną logiką i harmonią. W klasycyzmie rozum przeważa nad uczuciami, indywidualizm nie jest mile widziany, a w każdym zjawisku nadrzędne znaczenie zyskują cechy ogólne, typologiczne. Każde dzieło sztuki musi być budowane według ścisłych kanonów. Wymogiem epoki klasycyzmu jest równowaga proporcji, wykluczająca wszystko, co zbędne i wtórne.

Klasycyzm charakteryzuje się ścisłym podziałem na. Dzieła „wysokie” to dzieła nawiązujące do tematów starożytnych i religijnych, napisane językiem uroczystym (tragedia, hymn, oda). Natomiast gatunki „niskie” to utwory prezentowane w języku narodowym i odzwierciedlające życie ludowe (bajka, komedia). Mieszanie gatunków było niedopuszczalne.

Klasycyzm w muzyce – klasyka wiedeńska

Rozwój nowej kultury muzycznej w połowie XVIII wieku spowodował powstanie wielu prywatnych salonów, towarzystw muzycznych i orkiestr, organizowanie otwartych koncertów i przedstawień operowych.

Stolicą muzycznego świata był wówczas Wiedeń. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeusz Mozart i Ludwig van Beethoven to trzy wielkie nazwiska, które przeszły do ​​historii jako Klasyka wiedeńska.

Kompozytorzy szkoły wiedeńskiej po mistrzowsku opanowali różnorodne gatunki muzyczne – od pieśni codziennych po symfonie. Wysoki styl muzyczny, w którym bogate treści figuratywne zawarte są w prostej, ale doskonałej formie artystycznej, to główna cecha twórczości klasyków wiedeńskich.

Kultura muzyczna klasycyzmu, podobnie jak literatura, a także sztuki piękne, gloryfikuje działania człowieka, jego emocje i uczucia, nad którymi panuje rozum. Twórczych artystów w swoich pracach cechuje logiczne myślenie, harmonia i klarowność formy. Prostota i łatwość wypowiedzi kompozytorów klasycznych mogłaby wydawać się współczesnemu uchu (oczywiście w niektórych przypadkach) banalna, gdyby ich muzyka nie była tak genialna.

Każdy z klasyków wiedeńskich miał jasną, niepowtarzalną osobowość. Haydn i Beethoven skłaniali się bardziej w stronę muzyki instrumentalnej – sonat, koncertów i symfonii. Mozart był uniwersalny we wszystkim – z łatwością tworzył w każdym gatunku. Miał ogromny wpływ na rozwój opery, tworząc i udoskonalając jej różne odmiany – od opery buffa po dramat muzyczny.

Jeśli chodzi o preferencje kompozytorów dotyczące określonych sfer figuratywnych, Haydn jest bardziej typowy dla obiektywnych szkiców ludowych, pasterstwa, galanterii; Beethovenowi bliski jest heroizm i dramat, a także filozofia i oczywiście natura, a także w niewielkim stopniu wyrafinowany liryzm. Mozart objął być może wszystkie istniejące sfery figuratywne.

Gatunki klasycyzmu muzycznego

Kultura muzyczna klasycyzmu związana jest z powstaniem wielu gatunków muzyki instrumentalnej – takich jak sonata, symfonia, koncert. Powstała wieloczęściowa forma sonatowo-symfoniczna (4-częściowy cykl), która do dziś stanowi podstawę wielu dzieł instrumentalnych.

W epoce klasycyzmu wyłoniły się główne typy zespołów kameralnych – tria i kwartety smyczkowe. System form opracowany przez szkołę wiedeńską jest nadal aktualny – na jego podstawie nakładają się nowoczesne „dzwonki i gwizdki”.

Zastanówmy się krótko nad innowacjami charakterystycznymi dla klasycyzmu.

Formularz sonaty

Gatunek sonatowy istniał już na początku XVII wieku, jednak forma sonatowa ukształtowała się ostatecznie w dziełach Haydna i Mozarta, a Beethoven doprowadził ją do perfekcji, a nawet zaczął łamać rygorystyczne kanony gatunku.

Klasyczna forma sonatowa opiera się na opozycji dwóch tematów (często przeciwstawnych, czasem sprzecznych) – głównego i wtórnego – oraz ich rozwinięciu.

Forma sonatowa składa się z 3 głównych sekcji:

1. sekcja pierwsza – (prowadzenie tematów głównych),
2. drugie – (opracowanie i porównanie tematów)
3. i trzeci – (zmodyfikowane powtórzenie ekspozycji, w którym zwykle występuje zbieżność tonalna wcześniej przeciwstawnych tematów).

Z reguły pierwsze, szybkie części cyklu sonatowego lub symfonicznego pisane były w formie sonatowej, dlatego nadano im nazwę allegro sonatowe.

Cykl sonatowo-symfoniczny

Symfonie i sonaty są bardzo podobne pod względem budowy i logiki kolejności części, stąd potoczna nazwa ich integralnej formy muzycznej – cykl sonatowo-symfoniczny.

Klasyczna symfonia prawie zawsze składa się z 4 części:

• I – szybka partia czynna w tradycyjnej formie allegra sonatowego;
• II – część wolna (jego forma z reguły nie jest ściśle uregulowana – możliwe są tu wariacje, a także formy trzyczęściowe złożone lub proste, a także sonaty rondowe i powolna forma sonatowa);
• III – menuet (czasami scherzo), tzw. ruch gatunkowy – prawie zawsze złożony w formie trzyczęściowy;
• IV to ostateczna i ostateczna część szybka, dla której często wybierano także formę sonatową, czasem rondo lub formę sonatową rondo.

koncert

Nazwa koncertu jako gatunku pochodzi od łacińskiego słowa Concertare – „konkurencja”. Jest to utwór na orkiestrę i instrument solowy. Koncert instrumentalny, powstały w okresie renesansu i który otrzymał po prostu wspaniały rozwój w kulturze muzycznej baroku, uzyskał formę sonatowo-symfoniczną w twórczości klasyków wiedeńskich.

Kwartet smyczkowy

W skład kwartetu smyczkowego wchodzi zwykle dwoje skrzypiec, altówka i wiolonczela. Formę kwartetu, nawiązującą do cyklu sonatowo-symfonicznego, określił już Haydn. Mozart i Beethoven również wnieśli ogromny wkład i utorowali drogę do dalszego rozwoju tego gatunku.

Kultura muzyczna klasycyzmu stała się swoistą „kolebką” kwartetu smyczkowego; w kolejnych czasach i do dziś kompozytorzy nie przestają pisać coraz to nowych dzieł z gatunku koncertowego – na ten rodzaj twórczości cieszy się coraz większe zapotrzebowanie.

Muzyka klasycyzmu w zadziwiający sposób łączy zewnętrzną prostotę i klarowność z głęboką treścią wewnętrzną, której nie obce są silne uczucia i dramatyzm. Klasycyzm jest ponadto stylem pewnej epoki historycznej i styl ten nie jest zapomniany, ale ma poważne powiązania z muzyką naszych czasów (neoklasycyzm, polistylistyka).