Lekcja 4

Jednym z najbardziej złożonych pojęć w teorii muzyki jest polifonia muzyczna. Jest to jednak również jedna z ważniejszych kategorii, bez której nie da się zrozumieć muzyki orkiestrowej, ani zaśpiewać pięknego duetu o złożonej melodii z pełnoprawnym akompaniamentem muzycznym, ani nawet nagrać i zmiksować prostego utworu, gdzie , oprócz brzmienia głosu, gitary, basu i perkusji.

Więc zacznijmy.

Plan działania jest jasny, więc do dzieła!

Pojęcie polifonii

Termin „polifonia” wywodzi się z łacińskiej polifonii, gdzie poly oznacza „wiele”, a fonia tłumaczy się jako „dźwięk”. Polifonia oznacza zasadę dodawania dźwięków (głosów i melodii) na zasadzie równości funkcjonalnej.

Jest to tzw. polifonia, czyli jednoczesne granie dwóch lub więcej melodii i/lub głosów. Polifonia oznacza harmoniczne połączenie kilku niezależnych głosów i/lub melodii w jeden utwór muzyczny.

Ponadto dyscyplina o tej samej nazwie „Polifonia” jest nauczana w muzycznych placówkach oświatowych na wydziałach i katedrach sztuki kompozytorskiej i muzykologii.

Obcy termin polifonia w języku rosyjskim nie uległ znaczącym przeobrażeniom, z wyjątkiem pisania cyrylicą zamiast łaciny. I wydaje się, że przestrzega zasady „jak się słyszy, tak jest napisane”. Ten niuans polega na tym, że ten termin jest przez wszystkich słyszany inaczej, a akcenty są też inaczej kładzione.

Tak więc w „Słowniku języka cerkiewno-słowiańskiego i rosyjskiego”, opublikowanym przez Cesarską Akademię Nauk w 1847 roku, zaleca się podkreślenie drugiego „o” w słowie „polifonia” i drugiego „i” w słowie „polifoniczny” [Słownik, V.3, 1847]. Oto jak to wygląda strona w tym wydaniu:

Od połowy XX wieku i do dziś w języku rosyjskim pokojowo współistnieją dwa warianty stresu: na ostatnie „o” i na drugą literę „i”. Tak więc w „Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej” proponuje się położenie nacisku na ostatnie „o” [V. Fraenov, 20]. Tutaj zrzut ekranu strony TSB:

W Słowniku wyjaśniającym, zredagowanym przez językoznawcę Siergieja Kuzniecowa, w słowie „polifonia” druga litera „i” jest podkreślona [S. Kuzniecow, 2000]. W słowie „polifoniczny” nacisk położony jest na literę „i”, jak we wcześniejszych wydaniach:

Zwróć uwagę, że Tłumacz Google obsługuje tę drugą opcję, a jeśli wpiszesz słowo „polifonia” w kolumnie tłumaczenia i klikniesz ikonę głośnika, wyraźnie usłyszysz akcent na ostatniej literze „i”. ikona głośnika na zdjęciu zakreślone na czerwono:

Teraz, gdy ogólnie zrozumieliśmy, czym jest polifonia i jak poprawnie wymawiać to słowo, możemy zagłębić się w temat.

Geneza i rozwój polifonii

Polifonia jest dość złożonym zjawiskiem w muzyce i ma swoje własne cechy w różnych kulturach. Tak więc w krajach Wschodu polifonia miała początkowo głównie podstawę instrumentalną. Innymi słowy, rozpowszechniły się tam wielostrunowe instrumenty muzyczne, zespoły smyczkowe, smyczkowy akompaniament śpiewu. W krajach zachodnich polifonia była częściej wokalna. Był to śpiew chóralny, w tym acapella (bez akompaniamentu muzycznego).

Rozwój polifonii w początkowej fazie zwykle nazywa się „heterofonią”, czyli dysonansem. Tak więc już w VII wieku przyjęto praktykę dodawania jednego, dwóch lub więcej głosów do brzmienia chorału, czyli śpiew liturgiczny.

W epoce średniowiecza i renesansu rozpowszechnił się motet – wielogłosowy wokal. Nie był to chorał plus nadbudowa głosów w najczystszej postaci. Była to już bardziej złożona praca wokalna, choć bardzo widoczne są w niej elementy chorału. Ogólnie rzecz biorąc, motet stał się hybrydową formą muzyczną, która wchłonęła tradycje śpiewu kościelnego i świeckiego.

Śpiew kościelny również rozwijał się technicznie. Tak więc w średniowieczu rozpowszechniła się tzw. Msza katolicka. Opierał się na przemienności partii solowych i chóralnych. Ogólnie rzecz biorąc, msze i motety z XV-XVI wieku dość aktywnie wykorzystywały cały arsenał polifonii. Nastrój tworzony był przez zwiększanie i zmniejszanie gęstości dźwięku, różne kombinacje głosów wysokich i niskich, stopniowe włączanie poszczególnych głosów lub grup głosów.

Rozwinęła się również wyłącznie świecka tradycja śpiewu. Tak więc w XVI wieku taki format pieśni jak mandrygał zyskuje na popularności. Jest to utwór dwu- lub trzygłosowy z reguły o miłosnej treści lirycznej. Początki tej kultury pieśni pojawiły się już w XIV wieku, ale w tym czasie nie uległy one znacznemu rozwojowi. Madrygały XVI-XVII w. charakteryzują się różnorodnością rytmów, swobodą prowadzenia głosu, zastosowaniem modulacji (przejście do innej tonacji na końcu utworu).

Termin „richecar” pochodzi od francuskiego rechercher, co oznacza „poszukiwanie” (pamiętacie słynnego Cherchez la femme?) i w odniesieniu do muzyki może być różnie interpretowany. Termin ten początkowo oznaczał poszukiwanie intonacji, później – poszukiwanie i rozwijanie motywów. Najbardziej znane formy richecar to utwór na clavier, utwór na zespół instrumentalny lub wokalno-instrumentalny.

Najstarszy bogacz odnaleziony został w zbiorze sztuk wydanych w 1540 roku w Wenecji. Kolejne 4 utwory na clavier znalazły się w wydanym w 1543 roku zbiorze dzieł kompozytora Girolamo Cavazzoniego. Najsłynniejszym jest 6-głosowy richecar z Oferowania muzycznego Bacha, napisany przez wielkiego geniusza już w XVIII wieku.

Należy zauważyć, że już w tamtych latach style i melodia polifonii wokalnej były ściśle związane z tekstem. Tak więc dla tekstów lirycznych charakterystyczne są śpiewy, a dla krótkich fraz – recytacja. W zasadzie rozwój tradycji polifonicznych można sprowadzić do dwóch nurtów polifonicznych.

Polifoniczne trendy średniowiecza:

Nauczyłeś się o progach w poprzedniej lekcji, więc teraz rozumiesz, o co toczy się gra. To najbardziej ogólna informacja o rozwoju tradycji polifonii. Więcej szczegółów na temat historii formowania się polifonii w różnych kulturach i nurtów polifonicznych można znaleźć w specjalnej literaturze edukacyjnej kursu „Polifonia” [T. Muller, 1989]. Znajdziesz tam również nuty do utworów średniowiecznych, a jeśli jesteś zainteresowany, nauczysz się kilku partii wokalnych i instrumentalnych. Przy okazji, jeśli jeszcze nie umiesz śpiewać, ale chciałbyś się uczyć, możesz postawić pierwsze kroki w kierunku wokalnego mistrzostwa, studiując nasz kurs „Rozwój głosu i mowy”.

Teraz nadszedł czas, aby przejść do technik polifonii, aby lepiej zrozumieć, w jaki sposób polifonia tworzy pojedynczą melodię.

Techniki polifoniczne

W każdym szkoleniu polifonicznym można znaleźć takie określenie jak kontrapunkt. Pochodzi od łacińskiego zwrotu punctum contra punctum, co oznacza „punkt przeciw punktowi”. Lub w odniesieniu do muzyki „nuta za nutą”, „melodia przeciwko melodii”.

Nie zmienia to faktu, że termin „kontrapunkt” ma kilka różnych znaczeń. A teraz spójrzmy na kilka podstawowych technik polifonii.

imitacja

Imitacja ma miejsce, gdy drugi (imitujący) głos dołącza po pewnym czasie do początkowego dźwięku monofonicznego, który powtarza poprzednio wybrzmiewający fragment na tej samej lub innej nucie. Schematycznie to wygląda w następujący sposób:

Wyjaśnijmy, że użyty w diagramie termin „przeciwieństwo” to głos towarzyszący innemu głosowi w melodii polifonicznej. Współbrzmienie harmoniczne uzyskuje się różnymi technikami: dodatkowym rytmem, zmianą schematu melodycznego itp.

Imitacja kanoniczna

Kanoniczny, to także imitacja ciągła – bardziej złożona technika, w której powtarzany jest nie tylko wcześniej wybrzmiewający fragment, ale także kontrdodawanie. Tak to jest wygląda jak schemat:

Termin „linki”, który widzisz na schemacie, odnosi się po prostu do powtarzających się części imitacji kanonicznej. Na powyższej ilustracji widzimy 3 elementy głosu początkowego, które powtarza głos imitujący. Więc są 3 linki.

Ostateczny i nieskończony kanon

Kanon skończony i kanon nieskończony są odmianami naśladownictwa kanonicznego. Nieskończony kanon obejmuje powrót oryginalnego materiału w pewnym momencie. Ostateczny kanon nie przewiduje takich zwrotów. Powyższy rysunek przedstawia wariant ostatecznego kanonu. A teraz zobaczmy jak wygląda nieskończony kanoni zrozum różnicę:

Wyjaśnijmy, że nieskończony kanon 1. kategorii oznacza imitację z 2 ogniwami, a nieskończony kanon 2. kategorii to imitacja z liczbą ogniw z 3 lub więcej.

Prosta sekwencja

Prosta sekwencja to przesunięcie elementu polifonicznego do innej wysokości, podczas gdy stosunek (przedział) między częściami składowymi elementu nie zmienia:

Tak więc na schemacie litera „A” konwencjonalnie oznacza głos początkowy, litera „B” oznacza głos imitujący, a liczby 1 i 2 oznaczają pierwsze i drugie przesunięcie elementu polifonicznego.

Złożony kontrapunkt

Złożony kontrapunkt to technika polifoniczna, która łączy wiele technik polifonicznych, które umożliwiają generowanie nowych melodii z oryginalnej polifonii poprzez zmianę proporcji głosów lub wprowadzanie zmian w melodiach składających się na oryginalną polifonię.

Odmiany złożonego kontrapunktu:

W zależności od kierunku permutacji głosów melodycznych wyróżnia się ruchome kontrapunkty pionowe, poziome i podwójne (jednocześnie wertykalne i poziome).

W rzeczywistości trudny kontrapunkt nazywa się tylko „złożonym”. Jeśli dobrze przerobisz materiał następnej lekcji treningu słuchu, z łatwością rozpoznasz tę technikę polifoniczną ze słuchu.

To tylko niektóre z najprostszych technik polifonicznych, które może zrozumieć początkujący muzyk. Możesz dowiedzieć się więcej o tych i innych technikach polifonicznych z podręcznika muzykologa, członka Związku Kompozytorów Rosji, członka korespondenta Akademii Nauk i Sztuk Walentyny Osipowej „Polifonia. Techniki polifoniczne” [V. Osipowa, 2006].

Po przestudiowaniu niektórych technik polifonii łatwiej będzie nam zrozumieć klasyfikację typów polifonii.

Rodzaje polifonii

Istnieją 4 główne rodzaje polifonii. Każdy z typów opiera się głównie na określonym rodzaju technik polifonicznych. Nazwy rodzajów polifonii w większości przypadków mówią same za siebie.

Jakie są rodzaje polifonii?

Więcej o każdym z rodzajów polifonii można przeczytać w książce „Polifonia. Techniki polifoniczne” [V. Osipova, 2006], więc pozostawiamy to do Waszego uznania. Zbliżyliśmy się do tak ważnego tematu dla każdego muzyka i kompozytora, jak miksowanie muzyki.

Podstawy miksowania muzyki

Pojęcie „polifonii” jest bezpośrednio związane z miksowaniem muzyki i uzyskiwaniem gotowej ścieżki dźwiękowej. Wcześniej dowiedzieliśmy się, że polifonia to zasada dodawania dźwięków (głosów i melodii) na zasadzie równości funkcjonalnej. Jest to tzw. polifonia, czyli jednoczesne granie dwóch lub więcej melodii i/lub głosów. Polifonia oznacza harmoniczne połączenie kilku niezależnych głosów i/lub melodii w jeden utwór muzyczny.

Ściśle mówiąc, miksowanie muzyki to ta sama polifonia, tylko na komputerze, a nie na muzycznej pięciolinii. Miksowanie obejmuje również interakcję co najmniej dwóch linii muzycznych – wokalu i „podkładu” lub akompaniamentu instrumentu muzycznego. W przypadku wielu instrumentów miksowanie zamienia się w organizację interakcji wielu linii melodycznych, z których każda może być ciągła przez cały utwór lub pojawiać się i znikać okresowo.

Jeśli cofniesz się trochę i ponownie spojrzysz na schematyczne przedstawienie technik polifonicznych, zobaczysz wiele wspólnego z interfejsem większości programów komputerowych przeznaczonych do pracy z dźwiękiem. Podobnie jak większość technik polifonicznych przedstawianych jest według schematu „jeden głos – jedna ścieżka”, tak programy do obróbki dźwięku mają osobną ścieżkę dla każdej linii melodycznej. Tak może wyglądać najprostsza wersja miksowania dwóch utworów w SoundForge:

W związku z tym, jeśli potrzebujesz zmiksować na przykład głos, gitarę elektryczną, gitarę basową, syntezator i perkusję, będzie 5 utworów. A jeśli potrzebujesz zrobić studyjne nagranie orkiestrowe, będzie już kilkadziesiąt ścieżek, po jednym na każdy instrument.

Proces miksowania muzyki to nie tylko podążanie za zapisem muzycznym i dokładnym położeniem początku i końca linii muzycznych względem siebie. Chociaż nie jest to łatwe, jeśli w nagraniu jest dużo szesnastek, trzydziestosekundowych i sześćdziesiątych czwartych nut, które są trudniejsze do trafienia niż liczby całkowite.

Oczywiście realizator dźwięku musi usłyszeć i zneutralizować wtrącenia obcych dźwięków, które mogą pojawić się nawet podczas nagrywania w dobrym studiu, nie mówiąc już o nagraniach dokonanych w domu lub odwrotnie podczas koncertów. Chociaż nagranie na żywo może być również bardzo wysokiej jakości.

Przykładem jest koncertowy album HAARP brytyjskiego zespołu rockowego Muse. Nagranie zostało wykonane na stadionie Wembley. Następnie, z różnicą 1 dnia, odbyły się 2 koncerty zespołu: 16 i 17 czerwca. Co ciekawe, do wersji audio na CD wzięli nagranie z 16 czerwca, a do wersji wideo na DVD wykorzystali nagranie koncertu, w dniu 17 czerwca 2007 r.:

W każdym razie inżynier dźwięku lub realizator dźwięku będzie musiał ciężko pracować, aby nawet dobrze nagraną złożoną polifonię przekształcić w pełnoprawne, skończone dzieło. To naprawdę twórczy proces, w którym trzeba wziąć pod uwagę wiele niuansów. Ale, jak już wielokrotnie widzieliśmy, muzykę opisują dość konkretne, policzalne kategorie – herce, decybele itp. Są też kryteria jakościowego miksowania utworu i stosowane są w nich zarówno obiektywne, techniczne, jak i subiektywne koncepcje artystyczne.

Kryteria jakości nagrywania dźwięku

Kryteria te zostały opracowane przez Międzynarodową Organizację Telewizji i Radiofonii (OIRT), która istniała w drugiej połowie XX wieku i znane są jako Protokół OIRT, a postanowienia Protokołu nadal opierają się na wielu strukturach. do oceny jakości nagrań audio. Zastanówmy się pokrótce, jakie kryteria powinno spełniać nagranie wysokiej jakości zgodnie z tym Protokołem.

Przegląd postanowień Protokołu OIRT:

Zgodność z kryteriami Protokołu oceniana jest w 5-stopniowej skali. Protokół OIRT jest najściślej przestrzegany w ocenie muzyki klasycznej, ludowej i jazzowej. W przypadku muzyki elektronicznej, popowej i rockowej nie ma jednego protokołu oceny jakości dźwięku, a postanowienia protokołu OIRT mają charakter bardziej doradczy. Tak czy inaczej, aby nagrać wysokiej jakości, potrzebne są określone warunki techniczne. Porozmawiajmy o nich bardziej szczegółowo.

Pomoc techniczna

Powyżej już zaczęliśmy mówić o tym, że dla wysokiej jakości efektu końcowego ważny jest wysokiej jakości materiał źródłowy. Tak więc w przypadku wysokiej jakości nagrywania muzyki jazzowej, klasycznej i ludowej często stosuje się nagrywanie na stereofonicznej parze mikrofonów, która następnie nie wymaga miksowania. W rzeczywistości do miksowania używane są analogowe, cyfrowe lub wirtualne konsole mikserskie (są to również miksery). Sekwencery służą do wirtualnego miksowania ścieżek.

Wymagania techniczne dla komputera są zwykle określane przez producentów programów komputerowych do pracy z dźwiękiem. Dzięki temu możesz sprawdzić swoje urządzenie pod kątem zgodności z wymaganiami przy podejmowaniu decyzji o wyborze oprogramowania. Do chwili obecnej istnieje kilka popularnych programów do przetwarzania dźwięku i miksowania dźwięku.

Dźwięk kuźnia

Po pierwsze, już wspomniano powyżej Dźwięk kuźnia. Jest to wygodne, ponieważ ma zestaw podstawowych funkcji przetwarzania dźwięku, a można znaleźć bezpłatną rosyjskojęzyczną wersję [MoiProgrammy.net, 2020]:

Jeśli chcesz zrozumieć wersję angielską, istnieje szczegółowy opis [B. Kairow, 2018].

Śmiałość

Po drugie, kolejny wygodny i nieskomplikowany program w języku rosyjskim Śmiałość [Zuchwałość, 2020]:

Oprócz darmowej wersji można znaleźć do niej bardzo sensowny podręcznik [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumanizator 2

Po trzecie, jest uwielbiany przez twórców gier komputerowych i ekstremalnych wokali. Dehumanizator 2. Interfejs jest w języku angielskim i jest zauważalnie bardziej skomplikowany, ale możesz to rozgryźć:

I będzie to nie tylko miksowanie, ale także możliwości projektowania dźwięku [Krotos, 2020].

Cubase Elements

Po czwarte, warto zwrócić uwagę na program Cubase Elements [Elementy Kubasu, 2020]. Tam, oprócz standardowego zestawu funkcji, znajduje się również panel akordów, który pozwoli stworzyć ścieżkę „od zera” lub „przywołać na myśl” wcześniej wykonane nagranie, stosując w praktyce poznane wcześniej techniki polifoniczne:

Zanim zaczniesz, zapoznaj się z przeglądem funkcji programu [A. Ołenczikow, 2017].

Efektrix

I wreszcie, to jest sekwencer efektów Efektrix. Do pracy z nim potrzebne jest pewne doświadczenie, ale już teraz warto zwrócić uwagę na ten program, ponieważ przy regularnej praktyce doświadczenie przyjdzie bardzo szybko [Sugar Bytes, 2020]:

Możesz dowiedzieć się więcej z artykułu „Programy do miksowania muzyki i głosu”, gdzie rozważanych jest kilkanaście programów, w tym dla profesjonalnych muzyków i DJ-ów [V. Kairow, 2020]. A teraz porozmawiajmy o przygotowaniach do miksowania utworu.

Przygotowanie do mieszania i proces mieszania

Im lepiej jesteś przygotowany, tym szybszy i lepszy będzie miks. Nie chodzi tylko o wsparcie techniczne, wygodne miejsce pracy i wysokiej jakości oświetlenie. Ważne jest, aby wziąć pod uwagę kilka kwestii organizacyjnych, a także cechy pracy półkul mózgowych. Ogólnie rzecz biorąc, zwróć uwagę…

Jak przygotować się do procesu mieszania:

Rozpocznij proces miksowania od perkusji, ponieważ zajmują one znaczną część zakresu częstotliwości od niskich (bęben basowy) do wysokich (talerze). Dopiero potem przejdź do innych instrumentów i wokali. Po zmiksowaniu głównych instrumentów dodaj, jeśli planujesz, efekty specjalne (echo, zniekształcenia, modulacja, kompresja itp.).

Następnie musisz utworzyć obraz stereo, czyli ułożyć wszystkie dźwięki w polu stereo. Następnie w razie potrzeby dostosuj aranżację i zacznij pracować nad głębią dźwięku. Aby to zrobić, dodaj do dźwięków opóźnienia i pogłos, ale nie za dużo, bo inaczej będzie „naciskał uszy” słuchaczy.

Po zakończeniu ponownie sprawdź głośność, korektor, ustawienia efektów i dostosuj je w razie potrzeby. Przetestuj gotowy utwór w studio, a następnie na różnych urządzeniach: uruchom plik audio na smartfonie, tablecie, posłuchaj go w samochodzie. Jeśli wszędzie dźwięk jest odbierany normalnie, wszystko jest zrobione poprawnie!

Jeśli natkniesz się na wiele nieznanych słów, przeczytaj książkę „Komputerowe przetwarzanie dźwięku” [A. Zagumennowa, 2011]. Nie krępuj się tym, że wiele rozważa się na przykładzie starych wersji programów komputerowych. Prawa fizyki nie zmieniły się od tego czasu. Tym, którzy już spróbowali swoich sił w pracy z programami do miksowania dźwięku, można polecić lekturę „Błędy przy miksowaniu muzyki”, która jednocześnie zawiera zalecenia, jak ich uniknąć [I. Evsyukov, 2018].

Jeśli łatwiej Ci zrozumieć wyjaśnienie na żywo, możesz zobaczyć film szkoleniowy w tym temacie:

W trakcie mieszania zaleca się robić krótkie przerwy co 45 minut. Jest to przydatne nie tylko dla zdrowia, ale także dla przywrócenia obiektywności percepcji słuchowej. Ucho muzyczne jest bardzo ważne dla wysokiej jakości miksowania. Cała nasza następna lekcja poświęcona jest rozwojowi ucha do muzyki, ale na razie proponujemy zdanie testu na opanowanie materiału tej lekcji.

Test rozumienia lekcji

Jeśli chcesz sprawdzić swoją wiedzę na temat tej lekcji, możesz przystąpić do krótkiego testu składającego się z kilku pytań. Tylko 1 opcja może być poprawna dla każdego pytania. Po wybraniu jednej z opcji system automatycznie przechodzi do następnego pytania. Na otrzymane punkty wpływa poprawność odpowiedzi i czas spędzony na zdaniu. Należy pamiętać, że pytania są za każdym razem inne, a opcje są przetasowane.

A teraz zwracamy się do rozwoju ucha muzycznego.